JARDIN DE LA CASA DE FORTUNY MARIANO FORTUNY MARSALL

JARDIN DE LA CASA DE FORTUNY 1870-1872

Jardín de la casa de Fortuny
Óleo sobre tabla 40 x 27 cm
Madrid Museo del Prado

Originalmente la tabla sólo mostraba el jardín de la casa de Fortuny en Granada a la muerte del artista en 1874, su cuñado Raimundo de Madrazo añadió las figuras del perro y Cecilia , personalizando de alguna manera la escena y firmando el trabajo


Las colaboraciones entre ambos cuñados se dieron en más de una ocasión - el Museo del Prado guarda dos pequeños cuadros que certifican este asunto - aunque desconocemos si esta obrafue fruto de colaboración o Madrazo añadió las figuras por gusto.


 Independientemente de este tema, la escena goza de todas las características típicas de Fortuny, interesándose por la luz, enlazando con el Impresionismo incluso al aplicar la sombra de colores.


A pesar de primar la iluminación en la composición, no se olvida el artista de presentar todos los elementos del jardín con una minuciosidad casi caligráfica como se observa en las piedras, la textura de las plantas, los árboles o los tiestos, conjugando dos estilos aparentemente opuestos para crear una fórmula particular de trabajar.


 El color es captado en su máximo esplendor, resaltando sus brillos y su viveza gracias a la luz mediterránea que más tarde popularizará Sorolla.  La verticalidad de la escena viene determinada por los árboles que tienden a crear un efecto ascendente , contrastando su  colorido con la tapia y el cielo. El resultado es una " obra maestra "

Mercedes Tamara

1 octubre 2011

Bibliografía : Mariano Fortuny , Museo Nacional de Cataluña 

LA MAÑANA DE CASPAR DAVID FIEDRICH

LA MAÑANA ( PAISAJE DE HARZ) 1820-1821

La mañana
óleo sobre lienzo
22x 33,5 cm

Niedersächsische Landesgalerie

Friedrich es, ante todo, un pintor de ciclos. Desde que en 1803, con una gran influencia de Runge creara su primer ciclo de las estaciones, Friedrich no abandonó esta forma de expresión hasta 1834, poco antes de su definitivo ataque de apoplejía. El pintor concebía la expresión de su idea como una asociación con el dinamismo propio de la vida y la naturaleza. De esta manera, un cuadro se expresa en función de su complementariedad con su pareja, de modo que las ideas suscitadas por la contemplación de uno de ellos se vean modificadas, hacia su plenitud, con la contemplación conjunta y consecutiva de ambas obras.

Por ello, aunque realice ciclos completos sobre las estaciones  de cuatro o más cuadros, dibujos o sepias, siempre estas abrasó se asocian entre sí, en un nivel interior, por parejas. Si esto sucede en conocidas series como las Estaciones de 1826, las obras sobre los momentos del día que ahora nos ocupan no son una excepción. 

En este ciclo de 1820-22, Friedrich asocia por pares la mañana con el atardecer , ejecutados en 1820-21; el mediodía con la tarde de 1822  Estas obras fueron adquiridas por el coleccionista Dr. Wilhelm Körte de Halberstadt. El encargo original suponía la realización de las dos primeras obras citadas; satisfecho con éstas, el doctor expresó su deseo de poseer dos cuadros más relacionados. 

El importe total fue notable para Friedrich, pues ascendía a 25 luises de oro. Todos ellos han sido identificados como paisajes del Harz, aunque las modificaciones introducidas por Friedrich sean notorias  En realidad, en la Mañana, junto a elementos del Mittelgebirge aparecen algunos propios de la costa del Báltico. El pescador en el  bote, por ejemplo, procede de la costa de Greifswald. El Harz se ve reducido, por tanto, a la montaña que se alza en el fondo

Junto al escultor Gottlob Christian Kühn, Friedrich había visitado esta formación montañosa en junio de 1811. En su camino de vuelta se detuvo en Weimar para visitar a Goethe. Entre los dibujos ejecutados durante este viaje, se encuentran numerosos estudios de rocas y cuevas, como el que sirvió de base a Tumbas de héroes antiguos. Pero el estilo de Friedrich a comienzos de los años veinte es más luminoso que durante la difícil situación política de 1812. Su apego a la naturaleza le lleva a realizar una serie de paisajes más cercanos a la realidad.

 Con todo, no faltan ni su habitual técnica compositiva ni su profundo contenido simbólico. En la Mañana, se refiere a la mañana de la Creación, al momento en que el mundo aparece entre la niebla y recibe su primera luz. Como en el Caminante sobre el mar de niebla, la bruma anula las distancias y la perspectiva; la vista del horizonte está obstruida por la montaña.     

Mercedes Tamara 

30 septiembre 2011      

Bibliografía : Caspar David Fiedrich, Edit Taschen

EL GROFLE GEHEGE DE CASPAR DAVID FIEDRICH

EL GROFLE GEHEGE 1832

El Grofle Gehege
óleo sobre lienzo 
75,5x103,5 cm
Dresde Gemàldegalerie Neue 
Meister Staatliche Dresde

El Grofle Gehege ( el gran coto ) una pradera que cruza por caminos por delante de la puerta de Dresde, con una perspectiva fuera de lo común , un colorido exquisito y un ambiente de llegada del crepúsculo especialmente solemne , que se reproduce magistralmente con los arroyuelos del primer plano que lanzan reflejos brillantes y están ritmícamente distribuidos.

Lo moderno de la estructura del cuadro se revela claramente si se compara con Dunas , realizado hacía 1911 por Piet Mondrian ( 1872-1944 ) cuadro que conduce hacía la abstracción , aunqueno pueda probarse una influencia directa. Durante este período Fiedrich se aísla cada vez más del mundo exterior y se retrae a sus tormentos interiores .Además es definitivamente consciente de que su arte ya solo dice algo a sus amigos más intimos y a los iniciados.

 Además este período de su vida coincide con una etapa políticamente muy convulsa , ya que hace dos años ha habido una sublevación en Dresde , pero a pesar de todo no podemos dejar de reconocer que Grofle Geheve debido a la riqueza de su colorido, a la belleza de la composición . este cuadro es una auténtica obra maestra en la historia del paisajeeuropeo.

Mercedes Tamara 

29 septiembre 2011

Bibliografía . Gaspar David Fiedrich , Edic Taschen

CABALLERO Y SEÑORA QUE TOCAN LA ESPINETA ( LA LECCIÓN DE MÚSICA ) DE JAN VERMEER

CABALLERO Y SEÑORA QUE TOCAN LA ESPINETA  ( LA LECCIÓN DE MÚSICA ) 1662 

Caballero y señora que toca la
espineta ( la lección de música )
óleo sobre lienzo 74x 64.5 cm
Londres, Buckigham Palace

La historia de este cuadro es muy interesante En él se representa una estancia invadida por la luz del sol : en el fondo , una mujer de espaldas toca la espineta mientras el caballero que está junto a ella la escucha atento. El rostro de la muchacha se refleja en  un espejo , en el cual se vislumbra también el caballete utilizado por el pintor . Se ha supuesto que de ese modo Vermeer quiso llamar la atención sobre su propio papel de artista : la escena es fruto de una invención de la que él tiene el control . 


Efectivamente , se ha observado que esta composición está  organizada con arreglo a rigurosas leyes geométricas , hasta el punto de poderse establecer audaces asociaciones entre su desarrollo y las formas musicales.


Mediante un apretado juego de referencias Vermeer ilustra el parangón entre la música y el amor . Ambos se basan en el principio de la armonía y ofrecen consuelo: en la espineta está escrito el lema latino  " La música es compañera de la alegría y bálsamo para el dolor ". La presencia de una víola hace pensar además que en este instrumento puede tener eco el sonido de la espineta , al igual que sucede con los sentimientos de dos personas que se aman: la actitud del hombre parece dictada por una armonía similar.


A pesar de la total diferencia de asuntos , este cuadro está muy próximo en estilo a la Vista de Delft : es semejante el riguroso control de la composición ,así como la capacidad de traducir con la factura pictórica las diferentes consistencias de los materiales .

Mercedes Tamara

29 septiembre 2011

Bibliografía : Vemeer, Edic Biblioteca El Mundo

NACIMIENTO DE VENUS DE ADOLPHE WILLIAM BOUGEREAU

NACIMIENTO DE VENUS 1879

Nacimiento de Venus
óleo sobre lienzo 300x 125 cm
París , Musée d´Orsay 

Uno  de los máximos representantes del academicismo en la segunda mitad del siglo XIX es William Adolphe Bouguereau. Las escenas de asunto mitológico serán sus favoritas ya que con ellas era fácil alcanzar el triunfo en el Salón de París.

 La diosa de la belleza domina el centro de la composición, rodeada de tritones y nereidas que observan su nacimiento y acompañada de puttis en la parte superior de la composición.

Según la leyenda, Venus es considerada hija de Urano, cuyos órganos sexuales, cortados por Cronos, cayeron al mar y engendraron a la diosa, convirtiéndose en la "mujer nacida de las olas" o la "nacida del semen del dios". Nada más nacer, Venus fue llevada por los Céfiros a la costa de Chipre donde fue vestida por las Horas y conducida a la morada de los

Inmortales.

La escena presenta el estilo típico de Bouguereau, empleando una técnica preciosista, casi fotográfica, envolviendo la composición de un etéreo ambiente que recuerda a las obras renacentistas, especialmente a Rafael y a Leonardo. La composición se resuelve a través de varias diagonales en superficie que envuelven la línea vertical de la figura de  la diosa. La influencia de Inges y Davis también está presente en la  producción del artista.

Mercedes Tamara Lempicka 

27 septiembre 2011

Bibliografía : " París, Musée d´Orsay "Edic Uffmann

MME BARBE DE RIMSKY KORSAKOV DE FRANZ XAVER WINTERHALTER

MME BARBE DE RIMSKY KORSAKOV 1864

Mme Barbe de Rimsky Korsakov
óleo sobre lienzo 533x700
París, Museo de Orsay

Winterhalter consolidó su estilo como pintor de retratos durante el Segundo Imperio francés, y sus mejores obras  fueron realizadas en las últimas dos décadas de su vida. 


Adaptó su estilo al lujo y la atmósfera relajada de la época, su hedonismo y animación. Sus modelos femeninas de las décadas de 1850 y 1860 vivían en un clima social y fisiológico diferente de las que había pintado antes, y no muestran una actitud reticente o reservada


Sus modelos masculinos le inspiraron pocas composiciones originales o memorables. Winterhalter nunca recibió elogios de la obra que lo había hecho famoso por parte de los críticos artísticos, que lo acusaron constantemente de caer en la superficialidad  y afectación con el objetivo de ganar popularidad.


Sin embargo, sus mecenas aristocráticos le tenían en gran estima. Las familias reales de Inglaterra, Francia, España, Rusia, Portugal, México y Bélgica le encargaron retratos. Sus monumentales lienzos le proporcionaron una gran reputación y las copias litográficas de sus retratos le ayudaron a extender su fama.


Los retratos de Winterhalter eran apreciados por su sutil intimismo. La naturaleza de su atractivo no es difícil de explicar. La imagen de sus modelos da al observador una impresión de deseo o de una necesidad de protección. 


No sólo disponía de una gran habilidad para crear composiciones casi teatrales con sus modelos, sino que también fue un experto en el arte de combinar la textura de los tejidos, pieles y joyas, para los que dedicaba tanto esmero como para los rostros. Pintaba con rapidez y continuidad, diseñando la mayoría de sus composiciones directamente en el lienzo. Sus retratos son elegantes, refinados y agradablemente idealizados.


Respecto al método de trabajo de Winterhalter, se cree que - debido a la práctica que había adquirido dibujando y representando figuras -pintaba directamente en el lienzo sin hacer estudios preliminares


Él mismo decidía el vestido y la postura de la modelo. Pintaba delicadamente, utilizando pinceladas rápidas pero impersonales. Su estilo era suave, cosmopolita y creíble. Muchos de los retratos fueron copiados o reproducidos en su taller como litografías.


Como artista Winterhalter es difícil de clasificar, pues existen pocos pintores con los que pueda compararse y no encaja en ninguna escuelaespecífica. Sus primeras influencias son neoclásicas pero su estilo posterior puede ser descrito como neo-rococó


 A su muerte su obra cayó en desgracia, siendo considerada demasiado romántica, brillante y superficial. Poco se sabe sobre él a nivel personal,y su arte no fue revalorado hasta época reciente. Sin embargo, una gran exhibición de su obra en la National Portrait Gallery de Londres y en el  Petit Palais de Paris sen 1987 recuperaron su popularidad


 Sus pinturas se exhiben actualmente en los principales museos europeos y americanos. El Palacio de Liria de Madrid alberga al menos dos obras suyas, entre ellas el destacable  “Retrato de Eugenia de Montijo”.

Mercedes Tamara 

25 septiembre 2011

Bibliografía :; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

EL PINTOR EN SU ESTUDIO DE REMBRANDTH

EL PINTOR EN SU ESTUDIO 1629

El pintor en su estudio
óleo sobre tabla
25,1x 31,9 cm
Boston, Museum of Fine Arts 

Éste es un enigmático cuadro en el que Rembrandt alude a la importancia de pensar e idear la obra de arte. El artista se diferencia del artesano en que medita su trabajo, piensa como lo va a realizar antes de ponerse a trabajar en él.  Por ello, aparece la figura del joven alejada del caballete, vestido con elegantes ropajes y no con la típica vestimenta de pintor, pero sí con los pinceles en la mano para que no le confundamos con un mero visitante de su estudio, que es bastante sencillo y austero.


Con un fuerte foco de luz Rembrandt ha iluminado el cuadro que está pintando pero que nosotros no podemos ver hasta que no esté acabado. Ahora el artista está engendrando su obra maestra que una vez acabada podrá contemplar el espectador, por eso el artista se queda en la sombra meditando.


Este juego de sombra y luz es típico del Barroco El estilo del maestro holandés es muy detallista y minucioso, interesándose por reflejar los desconchones de la pared, los clavos del caballete, las aguas de las maderas que forman el suelo o los objetos que encontramos detrás del joven pintor.

Mercedes Tamara 

20 septiembre 2011

Bibliografía : Rembrndt. Edit Biblioteca El Mundo

 

FLORA DE TIZIANO

Flora 1515-20

Flora
óleo sobre lienzo 79 x 63 cm
Galeria degli Uffizi

Junto a los retratos realizados por Tiziano en la década de 1510 el Hombre de azul, el Ariosto o la Schiavona- también encontramos un grupo de obras que tiene a la mujer como protagonista.  Entre este grupo destaca Flora, una bella y sensual figura femenina que porta en su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda  sostiene el elegante manto carmesí , dejando al descubierto parte de sus encantos.

Este gesto de Flora desconcierta a los especialistas, que no saben cómo interpretar exactamente el asunto, si como una prostituta que ofrece sus servicios a los clientes o como una alegoría matrimonial, al mostrar parte de un pecho y ocultar el otro, aludiendo a la mezcla de "voluptas y puditicia" que caracteriza, según la ideología renacentista, a la desposada

La luz dorada y el color se adueñan de la composición, recortando la figura ante un fondo neutro y oscuro con el que dota de mayor volumetría al conjunto  El excelente dibujo empleado por el maestro destaca la riqueza de las telas oel detallismo de las flores, elementos que identifican este trabajo con el aprendizaje seguido con Bellini.  La belleza sensual de Flora con su cabello dorado, su delicada piel y su expresivo gesto hacen de esta obra un auténtico retrato, que podía vincularse con las obras que Paris Bordone realizará a las prostitutas venecianas durante el Cinquecento.

Mercedes Tamara 

20 septiembre 2011

Bibliografía : Tiziano , Edit Biblioteca El Mundo

MADRID DESDE TORRES BLANCAS ANTONIO LÓPEZ

MADRID DESDE TORRES BLANCAS  1976-1982

Madrid desde Torres Blancas
óleo sobre tabla 145 x 244 cm
Colección particular

Antonio López vuelve a pintar la ciudad de Madrid , esta vez desde Torres Blancas . Hace un particular guiño al edificio  desde el que pintó su primera panorámica de la ciudad ( 1960 ) que sobresale por altura y establece una linea de referencia visual con el edificio del primer plano , gracias a la presencia de dos anuncios luminosos, característicos del perfil de la ciudad . Los rascacielos sobresalen y se identifican sobre un paisaje de terrazas.


Si en 1960 se debatía entre la fascinación ante una imagen poderosa y el temor de que la ciudad no fuese un tema pictórico suficiente, ahora es consciente del atractivo misterioso y grandeza que poseen estas vistas " Al principio te ayudan ejemplos como el de Vermeer , pero resulta lejano . Echo en falta pintura moderna sobre estos temas , pero noto que estoy ante algo importante , de gran calado. Los comentarios, al principio escépticos , se vuelven
positivos . Los paisajes urbanos gustan fuera , en Nueva York y sé que , desde otra óptica , los artistas pop también tienen la ciudad  como referencia .No me siento solo. En este momento, sé que es un tema mío y soy consciente de que acompañará toda la vida .La vista panorámica de una gran ciudad es el gran escenario del hombre , donde realiza su vida, y no deja de ser un escenario equivalente a ese otro espacio interior que es el estudio .
 Me identifico ".


El trabajo no es fácil . La pintura es precisa , su lenguaje requiere análisis , rigor, por lo que se alarga el tiempo de realización ( para Madrid trabajó un verano para Madrid desde Torres Blancas .Lo apunta el pintor " El pasado nos sirve como lección , como ejemplo, pero ya no puedes aprovecharte de nada, tienes que hacértelo todo. Te sirven unos conocimientos de perspectiva , de color, de materiales, de solución de las cosas, de apoyos, pero en cuanto a la estructura estética , al lenguaje , te lo tienes que crear tú. Ahí estamos todos en la misma situación ".

Mercedes Tamara

19 septiembre 2011

Bibliografía : Antonio López, Edic Biblioteca El Mundo

MUJERES EN LA VENTANA DE MURILLO

MUJERES EN LA VENTANA 1655-1660

mujeres en la ventana
óleo sobre lienzo 122x 101 cm
Washington National Art Gallery

Es uno de los cuadros más enigmáticos de Murillo. El tema , de sugestión holandesa , pero tratado desde un enfoque propio de la pintura española , describe a dos mujeres que desde una ventana observan algo o a alguien que llama su atención. 

La más joven ,un deslumbrante retrato naturalista se apoya en el alféizar y esboza una sonrisa ,mientras que la otra sonrie abiertamente tapándose el rostro con la toca , una escena callejera que el pintor presenciaría más de una vez en las calles de Sevilla. El significado de la sonrisa puede esconder la clave de la interpretación , sobre todo si se relaciona con cuadros de temática similar de las escuelas flamencas holandesa e italiana.


Salvadas las distancias , el célebre cuadro de Frans Hals identifica al personaje con una prostituta por el escote bajo y la sonrisa esquiva.El cuadro de Murillo constiruiría una interpretación velada del mismo tema , tratado con el comedimiento indispensable en un país profundamente católico. En contraste con el enfoque anecdótico y teatral con que la pintura europea aborda este tema del amor profano , Murillo disfraza el mensaje erótico y teatral lo esencial en un ejercicio inteligente y muy barroco.

Cuando se grabó por primera vez a principio del siglo XIX, fue titulado Las gallegas en alusión a dos célebres cortesanas de origen gallego: cuando se expuso por primera vez en Inglaterra en 1828 , se le denominó La cortesana española. 

Aunque este tipo de escenas de género fue raras veces llevada al lienzo antes del siglo XVII , entonces se puso muy de moda en la pintura europea. La larga crisis económica que atravesó  Sevilla durante este siglo no produjo su aislamiento cultural y siguieron llegando pinturas de origen europeo , sobre todo flamenco e italiano.

Mercedes Tamara 

12-09-2016

Bibliografía : Murillo, Edic Biblioteca El Mundo