sábado, 10 de septiembre de 2011

MUJERES EN DIÁLOGO DE ANTONIO LÓPEZ

MUJERES EN DIÁLOGO 1955

Mujeres en diálogo
óleo sobre lienzo 102 x 130,5 cm
Jaén , Museo Provincial



Lo señala con frecuencia Antonio López en estos años ,vive una relación muy intensa con lo que le rodea, hasta el punto de necesitar elementos de la realidad en el arranque de la obra. Ocurre entonces que, si quiere realizar un retrato , el motivo está ahí y lo normal es que el resultado esté próximo al planteamiento inicial. No sucede lo mismo cuando se trata de una 
composición : el cuadro final puede tomar distancia con respecto al origen.


Mujeres en diálogo sirve de ejemplo : lo inicia como composición vertical, y representa a una mujer que corre a coger un autobús . El cuadro está ambientado en una terraza madrileña , pero el resultado se resiste. Pasa a tener tres figuras femeninas y varía su disposición a su actual forma horizontal , pero no termina de encontrarse hasta que el pintor se traslada a Tomelloso : la escena se centra en dos figuras ( una de ellas, la hermana del pintor ) y se desarrolla en su casa . Antonio López lo encuentra  natural y se limita a explicar " necesito tener una relación directa con el entorno que pinto ".


En Mujeres en diálogo vuelve a notarse su admiración por el mundo griego ( en el tratamiento de la figura de su  hermana ) y por la pintura de los primitivos italianos ,por esos aires de medida y orden que están tanto en  Piero della Francesca como en algunos de los mejores pintores del momento.


La división del espacio habitual en las composiciones de estos años : señala la existencia de dos zonas : una iluminada , con la figura de pie y la barandilla de las escaleras insinuada por un fondo casi de pintura romana, y la otra más reposada , con la figura ocupando la zona baja , un perfil griego silueteado sobre el paño del fondo, y la apertura del espacio hacía el dormitorio. La disposición de los elementos insiste en la idea de serenidad que domina la composición , cuya aparente simetría es salvada por la moldura que refuerza el ángulo de unión entre las paredes


Mercedes Tamara Lempicka
10 septiembre 2011


Bibliografía : Antonio López, Edic Biblioteca El Mundo

viernes, 9 de septiembre de 2011

CLÉO DE MERODE DE GIOVANNI BOLDINI

CLÉO DE MERODE 1901


Cléo de Merode
óleo sobre lienzo 97 x 81,3 cm
Colección particular






Cleopátre - Diane de Mérode ( 1875-1966 ) más conocida por el nombre artístico de Cléo de Merode , fue una famosa estrella de la Ópera de París y un auténtico icono de la BelleÉpoque . Emparentada con la familia de de la aristocracia belga Merode , Cléo entró a formar parte de un grupo de baile de la Ópera a la edad de de diecisiete años y se hizofamosa muy pronto por su excepcional belleza , por el singular peinado con el que bailaba , con el pelo recogido tapándole las orejas y por su relación con el rey Leopoldo de Bélgica ( 1835-1909).


Cléo de Merode posó para muchos artistas y fotógrafos de su época de Henri Toulousse Lautrec ( 1884- 1901 ) a Félix Nadar ( 1820-1910 ) pasando por el escultor Alexandre Falguuière ( 1831 - 1900 ) cuya escultura ,titulada La bailarina se convirtió en un " succès de scandale " en el Salón des Artistes Français de 1896  por el desconcertante realismo del desnudo , probablemente ejecutado del natural.


El retrato de Cléo de Merode es uno de los más fascinantes y logrados de la madurez del pintor. Como de costumbre ,el artista omite de manera deliberada la descripción de los atributos o del entorno- con excepción de las sillas y divanes en los que posan sus modelos-para concentrase plenamente en la representación del carácter . que él expresa sobre todo mediante el lenguaje corporal.


Con extraordinaria intuición y sensibilidad pictórica plasma la gracia y la sensualidad de la bailarina  retratándola en el sencillo, instintivo y delicioso gesto de volverse hacía la derecha y acercar la mano a la barbilla en un movimiento seductor que de improviso deja al descubierto el hombro izquierdo , un recurso que confiere al retrato una espontaneidad absolutamente moderna .Esta fue la innovadora fórmula estilística con la que Boldini renovó el canon del retrato tradicional, impregnando sus figuras de una sensualidad nerviosa y de una vitalidad sin precedentes y dando así forma de expresión misma del ideal femenino de la época: culto, elegante , refinado e inquieto



Mercedes Tamara
9 septiembre 2011



Bibliografía : " Obras de la Belle Époque " Museo Nacional de Cataluña

jueves, 8 de septiembre de 2011

LA ESCALERA DE ORO EDWARD BURNE-JONES

La escalera de oro
LA ESCALERA DE ORO  1880


óleo sobre lienzo 269, 2x 116, 8 cm

Londres , Tate Gallery 




Burne Jones , miembro de los prerrafaelistas, perfeccionó el estilo de éstos - marcado por una pincelada clara - en su obra  tardía  A diferencia del colorido con irrisaciones de piedras preciosas de su maestro Dante Gabriel Rossetti , prefirió un colorido formado en la pintura renacentista , que opera con tonos más moderados .Por ejemplo, intentó oponerse a los principios compositivos de los impresionistas coetáneos que condenó por considerarlos libertinos.


Los primeros bocetos de La escalera de oro de ( 1872 ) la obra final marca una cima dentro de aquellos temas con los que Burnes -Jones introduce al observador en un escenario en el que no prima lo narrativo , sino que está marcado únicamente por un ambiente irreal y elmisterio de una ceremonia insondable. Que, para este cuadro Burne- Jones había pensado en un unos títulos como " Las bodas del Rey " y " Música en la escalera  demuestra la apertura " de la composición en cuanto a su tema , pero se caracteriza sobre todo por sus  relaciones rítmico-decorativas ; es decir formales. 

Supuestamente , el artista pintó cada una de las 18 muchachas que puedan verse en el lienzo según el modelo diferente . Sin embargo, todas las bellezas se parecen unas a otras , obedecen a un"  ideal  de dulzura " que los prerrafaelistas tomaron del Protoromanticismo y redescubrieron en determinados tipos femeninos de su entorno.


Las muchachas parecen formar un espiral sin fin , descendiendo una escalera de amplias curvas . La impresión de un continuo fluido y modificado en su sucesión de de movimientos viene subrayada también por los vestidos clasicistas de finos pliegues de las mujeres que se mueven etéreamente y que se  corresponden  tanto con los pliegues como con las diversas posturas del cuerpo y las posiciones de las piernas. La imagen humana se introduce  en el retorno continuo de lo ornamental.


¿ De dónde proceden estas graciosas muchachas ,quiénes son , adónde van ? ¿ En qué ambiente se encuentran , qué función tienen ? ¿ A qué oyentes va dirigida la música ? No hay respuestas definitivas a las preguntas . Las descripciones de esta composición vertical de gran formato , basadas en un oficio exquisito subrayan que las figuras originales , esas " musas " de gráciles lineas se asemejan a los espíritus de un sueño conmovedor . Como en un sueño parece quedarse quieto  todo movimiento , parece no moverse del sitio , como una amplitud que se reproduzca como modelo dinámico operador.


Mercedes Tamara 
8 septiembre 2011


Bibliografía : El Prerrafaelismo, Edic Taschen

martes, 6 de septiembre de 2011

CHATTERTON DE HENRY WALLIS

CHATTERTON  1856
CHATTERTON
óleo sobre lienzo 62,2 x 93,3 
Tate Gallery , Londres




Wallis ingresó en las Escuelas de la Academia Real en 1848, cuando acababa de cumplir los 18 años. También pasó algún tiempo estudiando en París , primero en el estudio de Charles Gleyre ( 1808-1874 ) y después en la Escuela de Bellas Artes. De regreso a Inglaterra Wallis comenzó a exponer en la Academia Real , en la British Institution y en el Old Watercolour Society , El Picapedrero ( 1857, Birmigan Museum and Art Gallery) fue la última obra que realizó en estilo prerrafaelista . 


En 1858 Wallis se fugó con la mujer del novelista y poeta Geoges Meredith ( 1828-1909 ) y abandonó la pintura seria. Más tarde viajó a Italia y Egipto , donde pintó algunas acuarelas del paisaje local. Wallis fue también coleccionista y escribió amplios estudios sobre la cerámica italiana, egipcia y persa.


El suicidio con arsénico de Thomas Chatterton ( 1752-1770 ) , poeta y falsificador de 17 años , dio alas a la imaginación del público victoriano , por lo que la plasmación de esta muerte en el lienzo de Wallis fue una de las pinturas de la era victoriana de la que más se habló. Nacido en 1752 Chatterton abandonó la escuela a los 15 años de edad, si bien era un ávido lector de las obras de Shakespeare y Milton . Su primer trabajo fue aprendiz de un escribano legal ;pero, poco tiempo después, su nombre se asociaba a historias y poesías medievales , supuestamente escritas por Thomas  Rowley ( 1400-1470 ) , un monje del siglo XV , que Chatterton copió un pergamino antiguo.


Cuando se conoció el fraude , Chatterton se trasladó a un ático de Holborn donde, desesperado, tomó una dosis de arsénico y opio letal , quizá accidentalmente . A pesar de haber sido condenado como falsificador ya en vida , por figuras de tanta influencia como Horace Walpole ( 1717-1797 ) su status como trágico hñeroe se debió a Alfred de Vigny ( 1797 -1863 ) poeta y autor francés de obras dramáticas , quien en 1835 escribió el drama
romántico titulado Chatterton basado en su vida.


Chatterton siguió siendo un tema preferente durante el movimiento romántico ; su trágica vida influyó sobre Keats, Robert Browning ( 1812-1889 ) y William Wordsworth Este último le denominó " muchacho maravilloso "" El alma que no duerme y que se hundió cuando estaba en flor ".


Wallis acudió al ático de Gray´s Inn, donde Chatterton cometió el suicidio, para dar autenticidad a la escena de su muerte ( más allá de la ventana de la catedral de San Pablo ) Meredith de 28 años a la sazón , posó en el papel de Chatterton . El pálido cuerpo sin vida descansa sobre la cama; en el suelo de esta cámara deslustrada pueden verse varias hojas de papel, al lado de una ampolla de veneno . La luz diurna natural que entra por la ventana lleva la mirada al cuerpo de Chartteerton , escuálido y sin vida.


Mercedes Tamara
6 septiembre 2011

Bibliografía : Romanticismo, Edic Taschen

AMOR EN OTOÑO DE SIMEON SOLOMON

AMOR EN OTOÑO  1866
Amor en otoño

óleo sobre lienzo 84x 64 cm



Colección particular 



Simeon nació en el seno de una familía judía  y era el hermano más joven de otros dos artistas :Rebeca ( 1832-1886 ) y Abraham ( 1824-1862 ) Tomó lecciones de su hermano mayor hasta 1852, cuando ingresó en la Academia de arte Carey´s de Londres. Más tarde Solomon se matriculó en las Escuelas de la Academia Real donde, a través de Rossetti , se convirtió en un  íntimo del circulo prerrafaelista, incluyendo al poeta Algenon Charles  Swinburne Algenon Charles Swinburne y a Burne-Jones  Expuso con regularidad en la Academia Real entre 1858 y 1872 donde se le consideraba como un " prerrafaelista " .

La mayor parte de las obras de Solomon consiste en escenas de Biblia hebrea y en pintura de género sobre vida y rituales de los judíos . En 1873 , la carrera de Solomon sufrió un repentino final cuando fue arrestado en unos servicios públicos acusado de escándalo público e intento de sodomía : la homosexualidad era entonces ilegal .Desde 1884 vivió en un asilo para pobres , donde siguió trabajando hasta que se dio al alcohol .


Amor en otoño subtitulada " Cupido busca refugio en la tempestad " , es una de las obras de Solomon que representa la belleza masculina clásica . Fue expuesta en la Dudley Gallery de Londres, un foro para obras de artistas progresistas . Solomón pintó la obra en Florencia , cuando pudo ver por primera vez en original las obras de Sandro Botticelli y de II Sodoma   (1477-1549 ) Situado a orillas del mar , con una luz mortecina , el dios del amor aparece solitario y desnudo , con excepción de  una tela roja para resguardarse del fuerte viento otoñal.


La frágil forma del muchacho , considerado poco masculino por algunos críticos , se expone a los elementos y a las hojas que circulan a su alrededor .Esta imagen andrógina es característica de las obras de Solomon y también de  las que hicieron en esta época sus contemporáneos Burne- Jones y Frederic Leighton .


Simeon Solomon




El lienzo anticipa el visionario poema en prosa de Solomon titulado A Vision of Love Revealed in Sleep ( Una visión del amor revelada en sueño ) que describe el viaje de sualma hacía el Amor Verdadero . El poema se publicó privadamente en 1871 y experimentó una cálida acogida por parte de Swinburne , si bien otros le atacaron fuertemente, sobre todo por el poeta escocés Robert Buchanan en " La escuela carnal de la poesía"en la revista Contemporany Review de 1871. A ello hay que añadir que algunas obras homoeróticas de Solomon como Safo y Erina en un jardín de Mitlene ( 1864 )en Londres Tate Gallery y Amor entre chicos de  escuela ( 1866 colección particular ) chocaron con el rechazo de los críticos por " excentricidad y sus aberraciones ".


Amor en otoño fue admirada particularmente por Swinburne y un círculo de homosexuales , con los que se relacionó Solomon en la década de 1860.Tuvo una estrecha amistad con Swinburne : los dos andaban desnudos por casa de Rossetti ( cosa que disgustaba a este ) dándose a sus fantasías sadomasoquistas. 


Más tarde Solomon ilustró la novela de Swinburne titulada Lesbia Brandon ( 1865 ) y su poesía The Flogging Block ( Bloque para azotes 1865 ) . Los debates en este grupo cerrado discurrían  frecuentemente en torno al sadismo y los ritos de flagelación , que supusieron una fuente fértil para los temas de Solomon.


Mercedes Tamara Lempicka 
6 septiembre 2011





Bibliografía : EL Prerrafalismo, Edic Taschen







lunes, 5 de septiembre de 2011

SIDONIA VON BORK DE EDWARD BURNE JONES

SIDONIA VON BORK 1860



Sidonia Von Bork
acuarela aguada sobre papel
33,3 x 17,1
Londres, Tate Gallery





A lo largo de la década de 1860 , Burne Jones pintó un buen número de acuarelas que nada tienen que envidiar a sus óleos Sidonia von  Bork es un de los temas de pequeño formato , que realizó con la técnica de la acuarela y la aguada . Sirvió como inspiración la rotagonista
del popular Sidonia en el monasterio de brujas ( 1847) del escritor alemán Johan Wilheim Menhold ( 1797-1851 ) cuento traducido al inglés por Lady Jane Francesca Wilde ( 1821-1896 ) , (la madre de Oscar Wilde ) en 1849 con el título de Sidonia the Sorceress  ( la hechicera ) que encontró un gran eco entre los prerrafaelistas tardíos. Ambientada en Pomerania en el siglo XVI, la narración de Menhold trata de Sidonia , una mujer de tan cautivadora belleza que todos  los hombres se enamoraban de ella .

La seductora lleva una vida de crímenes , junto a su amante, el cabecilla de una banda de proscritos .Burne- Jones la presenta como de unos veinte años de edad, antes de que se produjera el desastroso colapso de Pomerania . Mientras se agarraba el collar , reflexiona con malicia sobre qué fechoría puede llevar a cabo en la corte de la duquesa de Wolgast, viuda que puede verse en el fondo .


La composición está dominada por el vestido blanco y negro que Meinhold describe como su " mortaja " y que probablemente se basara en el retrato de una mujer del Renacimiento no menos influyente que Isabella d´Este ( 1474- 1539 ) , que se conserva en Hampton Court. La amenaza de Sidonia llega hasta la esquina inferior del cuadro , donde Burne - Jones añadió una araña arrastrándose sobre la signatura. Sin embargo, , al final recibió su merecido en 1620 cuando tenía 80 años de edad, fue llevada a la hoguera por bruja .La acuarela fue adquirida por James Leathard ( 1820-1895) uno de los muchos exitosos industriales de la clase media que comenzaron a desarrollar pasión por los prerrafaelistas.


La combinación de belleza y maldad , que encantó sobre todo a Burne. Jones y Rossetti constituye una fiuente para el concepto de mujer fatal que inspiraría la imaginería de los últimos prerrafaelistas y de los simbolistas. El modelo para Sidney fue Fanny Comforth, intimamente unida a Rossetti en la década de 1860. El pendant de Sidonia Clara von Bork , retrata a la virtuosa esposa del primo de Sidonia Marcus . En esta ocasión está sirvió como modelo Georgiana , la mujer de Burne- Jones .La mansedumbre de Clara , que contrasta con el carácter de Sidonia , se representa con el nido de palomas , que defiende contra el gato negro que aparece a sus pies .Algemon Swinburne , un amigo de Burne. Jones y entusiasta de Meinhold del que admiraba sobre todo Sidonia von Bork comentó en 1868 " En el extraordinario dibujo de la joven Sidonia , obra del Sr.E Burne- Jones , está rodeada de un vestido de serpientes que se devoran salvajemente unas a otras , negro sobre dorado "


Mercedes Tamara 
5 septiembre 2011


Bibliofrafía : El Prerrafaelismo, Edic Taschen

domingo, 4 de septiembre de 2011

LA DUQUESA DE SUTHERLAND DE JOHN SINGER SARGENT

LA DUQUESA DE SUTHERLAND 1904 

La duquesa de Sutherland
óleo sobre lienzo 254 x14o cm
Madrid, Museo Thyssen Bornemizsa



El retrato de la duquesa de Sutherland hecho por Sargent es una creación sumamente cautivadora . Nos muestra a la duquesa como la gran belleza de la sociedad haciendo referencia- con un ligero toque - el arte del siglo XVIII a Jean Honoré Fragonard ( 1732-1806 ) y Jean Antoine Watteau  ( 1684-1721 ) en Francia , y a Thomas Gainsborough ( 1727- 1788)  Georges Romney ( 1734-1802 ) y Joshua Reynolds ( 1723- 1792 ) en Inglaterra .


Es el retrato como realce e ilusión . La duquesa de Sutherland era , realmente , una mujer de enorme fortuna . Su nombre de soltera era Millicent St. Clair Erskine ( 1867-1955 ) hija del IV conde de Roselyn y su esposa Blanche Fitzroy. El día de su decimoséptimo cumpleaños contrajo matrimonio con Comartie Sutherland Leveson - Glower y, cuando tomó posesión del ducado de Sutherland en 1892 , se convirtió,como señora de Stafford House en Londres y del castillo de Durobin en Escocia, en una de las mujeres más influyentes de la época .


Hermosa, comprometida y llena de energía , fue una apasionada reformadora en The Potteries y en Escocia. Se hizo tan famosa que fue satirizada por el novelista Arnold Bennet con el título de de la condesa de Chell on Tales of the Five Towns ( 1905 ) ,The Grim Smile of the Five Towns ( 1907 ) y The Card ( 1911 ). Trabajó como enfermera en la Primera Guerra Mundial , creó uno de los primeros hospitales de la Cruz Roja en Francia y  fue condecorada con la Cruz Roja en Francia y fue condecorada con la Croix de Guerre : sus experimentos quedaron registrados en un folleto titulado : Six Weeks at the War .


Se relacionó con el grupo de Malborough y con el círculo de  aristócratas intelectuales conocidos como The Souls ( las almas ) e hizo gala de cierto talento y ambiciones literarios al escribir varias novelas ( a menudo bajo el seudónimo de Erskine Glower ) y una obra de teatro The Conqueror ( 1905 )


Sargent retrata a la duquesa con un espléndido vestido de noche  en aguamarina y plata , una corona de laurel plateada en la cabeza,una rama de sauce en la mano izquierda y la derecha apoyada sobre una fuente ornamental . El marco constituye una reunión de los nemoroso y lo clásico , una mezcla de artificio y poesía . El retrato fue colgado en la Royal Academia en 1904 y los críticos se quejaron de que colgarlo tan alto hacía imposible un juicio  meditado . A roger Fry no le convenció su vanidad y arguyó  que la " arriesgada idea del vestido verde arsénico y el misterioso fondo boscoso " iban" más allá del poder de la imaginación del artista " pero mostró su admiración por el dominio de las lineas  de Sargent : " Hay en el contorno del hombro y el brazo izquierdo una búsqueda de las lineas , lo cual constituye una grata señal de aún no ha olvidado por completo el dibujo de su " Madame Gautreau ".


La Royal Academy respondió con entusiamo ante el espíritu dicieochesco del cuadro : " El placer producido por la contemplación de una obra  maestra de Gainsborough o Reynolds o Romney recién salida del caballete debió ser un tanto similar al brillo de los ojos y el deleiteal contemplar el esplendor de la obra de John Sargent " La duquesa de Sutherland ".


Mercedes Tamara Lempicka 
4 septiembre 2011


Bibliografía : Colección del Museo Carmen Thyssen Bornemizsa , Madrid