sábado, 6 de julio de 2013

EL ORIGEN DEL MUNDO GUSTAVE COUBERT

EL ORIGEN DEL MUNDO 1866
El origen del mundo
óleo sobre lienzo 46 x 55cm
París, Musée d´Orsay






El origen del mundo de Gustave Coubert ( 1819-1877 ) es una pintura que desconcierta, sorprende y atrae la mirada del espectador , a pesar de su pequeño formato, quizás por la extrema contradicción que supone mostrar la parte más intima de una mujer en el marco del más completo anonimato de un retrato sin rostro. Este cuadro pintado en 1886 seguramente por encargo del diplomático turco Halil Serif , permaneció durante casi 130 años en colecciones privadas, oculto a los ojos del gran público. Haili Serif que llegó a ser Ministro de Asuntos Exteriores y más  tarde Ministro de Justicia, residía por entonces en París y trabo una estrecha relación con los ambientes más liberales.Fue el alma de un concurrido salón. Los columnistas de la sociedad de la época lo describen como " un príncipe de cuentos orientales (....) que hace honor a su origen turco a través de una generosidad desbordante y de su pasión por el juego y las mujeres.


Sin embargo, su inteligencia, su sensatez y su afición al teatro y a las artes le convierten en un parisino. Dejando de lado la velada xenofobía de estas palabras, cabe afirmar que la colección de arte de Halil Serif confirma el perfil expuesto en ellas. Entre sus obras favoritas había un gran número de pinturas eróticas de inspiración oriental. Poseía más de un centenar de cuadros de este tipo entre ellos El baño turco (1882) sin duda el más famoso que constituye una típica fantasía  occidental acerca de las delicias eróticas de Oriente vistas a través del ojo de la cerradura.


El coleccionista compró varias obras eróticas de Coubert, entre ellas la pintura de gran formato titulada El sueño ( 1886 ) y el pequeño cuadro que lleva por título  El origen del mundo. Ninguna de estas obras se expuso públicamente. El tesoro  artístico de Serif se conoció a través de una subasta tras la bancarrota que sufrió en el año 1888 .El origen del mundo se perdió nuevamente de vista, hasta que la famosa galeria Bernheim-Jeune la vendió en 1913 al pintor húngaro barón Ferenz Hatway de Budapest. Este ocultó ingeniosamente el polémico cuadro detrás de un paisaje El palacio de Blonay ( 1874-1877 ) pintado también por Coubert. El panel exterior de esta obra se podía abrir con una llave , con lo que El origen del mundo quedaba a la vista.




Después de los desórdenes y confusión de la Segunda Guerra Mundial, durante la  cual se cree que la obra estuvo en poder del ejército alemán y del ejército Rojo, Hataway la recuperó en 1947 y la llevó consigo a Paris. Ocho años más tarde , la vendió por un millón y medio de francos al famoso escritor y psicoanalista francés Jacques Lacan, quien la volvió a camuflar . La obra quedó oculta bajo una pintura esquemática del surrealista André Masson. Se trataba en realidad de una versión  libre de El origen del mundo que sólo podía ser reconocida por los entendidos.

Lacan conservó siempre la pintura bajo llave en su casa de campo. En su calidad de seguidor de Sigmund Freud se interesó por el significado de los cuadros y pudo estudiar las categorías de lo imaginario y lo simbólico, gracias en parte a los estrechos vínculos que mantuvo con los pintores surrealistas. Durante largos años no circuló ni siquiera fotos de la obra, la cual no estuvo presente en la gran retrospectiva de Gustave Coubert celebrada en el año 1977. Por todo ello, cada vez eran más los que disfrutaban de que existiera realmente el cuadro. Cuando los herederos de Lacan la vendieron al Estado francés, la pintura se exhibió finalmente  en el Museo de Orsay y perdió de este modo el aura de discreción y misterio que desde el principio la había rodeado.




Este cuadro representa un paso más en el descubrimiento del cuerpo femenino a la mirada del público, que se hizo cada vez más frecuente a finales del siglo XIX. La medicina moderna, la fotografía y el psicoanálisis estudiaron por primera vez, sin tapujos ni ñoñerías, la sexualidad y la sacaron del terreno de lo oculto y lo prohibido para convertirla en algo de dominio público.Con esta obra tan radical, Coubert se adelantó a su tiempo en la curiosidad por el cuerpo femenino y en la exploración de sus más íntimos recovecos . La naturaleza casi anatómica de la imagen y la desnudez absoluta siguen cohibiendo todavía en la época presente y una parte del público¡ y no deja de suscitar controversias y discusiones.



Courbet siguió reanudando con el desnudo femenino, a veces con una inspiración obviamente libertina. Pero con El Origen del mundo, se autoriza un atrevimiento y una franqueza que proporcionan al cuadro su poder de fascinación. La descripción casi anatómica de un sexo femenino no está matizada por ninguna artimaña histórica o literaria. Gracias a la gran virtuosidad de Courbet, al refinamiento de una gama de colores ambarina, El Origen del mundo se salva no obstante del estatuto de imagen pornográfica. La franqueza y el atrevimiento de este nuevo lenguaje no excluyen un vínculo con la tradición: de modo que la pincelada amplia y sensual, junto con la utilización del color, recuerda la pintura veneciana y, el mismo Courbet se reclamaba del Tiziano, de Veronese, de Corregio, y de la tradición de una pintura carnal y lírica.




El Origen del mundo, ahora presentado sin ninguna ocultación, reencuentra su debida plaza en la historia de la pintura moderna. Pero sin embargo, no deja de plantear, de manera turbadora, la cuestión de la mirada. 
Las cuestiones , siempre polémicas, acerca de dónde se debe establecer las fronteras del pudor y de la libertad personal , de cuáles son los deberes y las obligaciones del arte y de hasta dónde debe llegar la tiranía de la intimidad atestiguan la plena actualidad de este cuadro, incluso en nuestros días



Mercedes Tamara 
6 julio 2013


Bibliografía Coubert , Edic Taschen

viernes, 5 de julio de 2013

RETRATO DE ARNOLFINI Y SU ESPOSA JAN VAN EYCK

RETRATO DE ARNOLFINI Y SU ESPOSA 1434







Retrato de Arnolfini y su esposa
óleo sobre tabla 82,2 x 60 cm
National Gallery , Londres









Van Eyck ( 1350-1441 ) Van Eyck, uno de los mayores artistas del Renacimiento nórdico. Fue un maestro pionero del óleo , famoso por su habilidad para crear  pnturas de minucioso detalle. Es probable que Van Eyck se iniciara como iluminador de manuscritos , lo cual explicaría su enorme habilidad para observar y representar la realidad con tanto detalle. Sus primeras obras conocidas muestran su gusto por pintar figuras humanas en un paisaje algo desacostumbrado en su  época. Van Eyck consta por primera vez como artista en activo en agosto de 1422 en La Haya donde ocupó un puesto de pintor cortesano del conde de Holanda Juan de Baviera . Tras la muerte del conde se trasladó a Brujas y trabajó en la corte de Felipe el Bueno, duque de Borgoña . Este puesto le dio ocasión de viajar y Van  Eyck halló inspiración en los paisajes y obras de arte que vio . El Retrato de Arnolfini  y su esposa y El altar de Gante son sus obras más famosas y ponen de manifiesto su aguda habilidad para la observación , su perfección técnica y su capacidad para el naturalismo, especialmente para representar la luz.







El Retrato de Arnofili y su esposa es una obra maestra por su nivel de precisión de la factura que confieren al famoso retrato doble una autenticidad de lo más convincente . La sensación del espacio es realista: la luz ha sido tratada con enorme destreza y la composición controlada con rigor . En una habitación ricamente amueblada posa una próspera pareja , cuyas espaldas se reflejan en el elaborado espejo que se halla en el centro del cuadro.Se ha especulado mucho acerca de la identidad de los sujetos de este retrato doble.Durante mucho tiempo se creyó que se trataba del comerciante italiano Giovanni di Arrigo Arnolfini y su esposa, residentes en Brujas, y que el cuadro inmortalizaba el enlace , hasta que se averiguó que la pareja había contraido matrimonio algunos años antes de 1434, que es la fecha escrita en la pared, sobre el espejo. Hoy se piensa que los retratados son el primo de Giovanni y su esposa. En el centro de la composición hermosamente iluminada por la luz que procede de la ventana, sus manos se tocan en un gesto de unión




Quienes contemplan la pintura suelen preguntarse si la mujer de Arnolfini está embarazada: además del vientre redondeado, considerado un rasgo bello en la mujer y que aparece a menudo en la retratística de la época, hay otros pequeños detalles que lo sugieren . Sin embargo, , puede que tan solo sostenga su vestido para mostrar los pliegues de sus suntuosa tela. De hecho, el fin principal de la  obra quizás fue exhibir la riqueza y la categoría social de la pareja . El interior  de la casa está ricamente amueblado al estilo flamenco, ambos personajes visten las mejores prendas y hay una serie de símbolos que las personas cultas de la época habrían comprendido con facilidad y que subrayan unos principios morales y creencias firmes . Las proporciones de ambas figuras enfatizan, asimismo, su condición social : sus cuerpos alargados acentúan el volumen de las prendas y refuerzan la impresión de riqueza y categoría.




Es, sin embargo, la habilidad del artista el aspecto más impactante de esta obra.Van Eyck perfeccionó la técnica del óleo en una època que el temple (pigmento  mezclado con huevo ) seguía siendo el medio predominante. Aplicando cuidadosamente capas de pintura y añadiendo detalles y texturas , creó la ilusión de unos objetos y superficies reales . El forro de piel de los pesados mantos de los Arnolfini y su esposa está reproducido de manera tan minuciosa que casi se puede apreciar su suave tacto. La pátina del suelo de madera es muy realista , y las naranjas de la mesa y el alféizar tienen un aspecto apetecible




Van Eyck utilizó el óleo en lugar del temple para ligar los pigmentos molidos y logró un nivel de precisión en el empleo de esta técnica desconocida hasta entonces. Sus  técnicas fueron tan innovadoras como influyentes .Mediante la aplicación de capas traslúcidas consiguió crear todo tipo de efectos y texturas y fue capaz de representar la luz sobre las superficies con extraordinaria habilidad En el Retrato  de Arnolfini y su esposa , su dominio del óleo se aprecía sobre todo en los destellos del candelabro y en la mágica cualidad reflectante del espejo




Mercedes Tamara Lempicka

5 .julio-2013 










jueves, 4 de julio de 2013

LOS EMBAJADORES HANS HOLBEIN EL JOVEN


LOS EMBAJADORES 1533



Los embajadores
óleo sobre tabla 207x209,5 cm
National Gallery Londres








Hans Holbein el Joven ( 1497-1543 ) Fue el pintor alemán más grande de su generación, es famoso sobre todo por sus incisivos retratos , pero un fue un artista de gran versatilidad con un talento de muchas facetas . Nació en Ausburgo
( Alemania ) en el seno de una familia de artistas y los inicios de su carrera se  desarrollaron sobre todo en Basilea ( Suiza ) . Allí realizó ilustraciones para libros ( Basilea era un gran centro editorial ) retablos, murales y diseños para vidrieras,
además de retratos y no tardó en convertirse en el pintor más destacado del lugar. Pese a su éxito, el conflicto religioso entre protestantes y católicos le llevó a probar  fortuna en otros lugares , y en 1526 se mudó a Inglaterra . Volvió a Basilea en 1528, pero en 1532 se establecería de manera permanente en Inglaterra. En 1536 se encontraba trabajando para Enrique VIII , y hoy se le puede conocer sobre todo por sus retratos, dibujos y pinturas de miembros de la casa real y la corte, en los que captó de modo memorable el boato y las intrigas de la época. Murió en Londres , probablemente a causa de la peste, antes de cumplir los 50 años y en la cumbre de su capacidad artística.





Los embajadores es una pintura dotada de un poderoso realismo Es un retrato doble cuyo tamaño supera a la estatura humana media lo cual resulta asombroso.Los embajadores del título son dos distinguidos jóvenes, que posan sobre un rico fondo verde esmeralda. Mostrados de cuerpo entero , mirando al espectador y reposando un brazo sobre un mueble con estantes repletos de objetos, captan  nuestra atención al instante. Cada detalle de su vestimenta y de los instrumentos científicos , musicales y astronómicos está meticulosamente representado. Las pesadas y hermosas prendas, la selección de objetos y la actitud de confianza en si mismos de ambos hombres dan fe de su categoría , riqueza y cultura, y ninguno de ellos ha cumplido los 30 años.







Holbein retrató a los modelos de un modo realista pero muy respetuoso. Los embajadores, encargados por Jean de Dinteville , el hombre susntuosamente atavíado de la izquierda, es uno de sus trabajos más espléndidos. De Diterville,
el joven embajador francés en la corte de Enrique VIII de Inglaterra , aparece  retratado con su amigo Georges de Selve ,obispo de Lavaur, durante una visita a Inglaterra en 1533 Holbein se había marchado de Suiza en 1532 . Era una época  de crisis política y religiosa en Europa . De hecho, ambos personajes, se encontraban en Londres con la difícil misión , finalmente fallida , de tratar de  impedir que Enrique se apartara de la iglesia católica.





Era habitual retratar a los hombres con sus libros y objetos personales , pero la  singularidad de esta pintura de Holbein consiste en la extraordinaria atención al detalle y en la cantidad de información que contiene . Los objetos que hay en el
estante superior , sobre el que se apoyan los personajes, son instrumentos científicos, mientras que los del estante inferior representan otras actividades artísticas e intelectuales, como la música . Con todo, el elemento , más insólito de la tabla es el extraño disco deformado colocado en ángulo en primer plano, entre los dos hombres: se trata de una calavera estirada que se vuelve reconocible si se mira la pintura desde un punto determinado a la derecha. Al incorporar este truco de perspectiva, con el que exhibía su capacidad técnica , Holbein pretendería subrayar la naturaleza transitoria de la vida .De este modo, la juventud de los personajes, su riqueza y posición , junto con los preciosos objetos de la obra, deben verse en el contexto de referencia a la mortalidad humana.





Este magnífico retrato doble es más complejo de lo que parece a primera vista,y con sus abundantes y sofisticados ´símbolos constituye un monumento conmemorativo a los dos jóvenes embajadores.




Originariamente , Los embajadores pudo estar destinado a ser colgado en el hueco de una escalera o junto a un umbral de modo que el espectador se aproximara a  la tabla desde la derecha . Sólo desde este punto de vista se ve la extraña calavera
en la perspectiva correcta . Esta deformación de los objetos se conoce con el nombre de anamorfosis y los artistas la utilizaban con frecuencia como truco visual en obras de carácter lúdico-
Mercedes Tamara 
4 -julio -2013




Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo












miércoles, 3 de julio de 2013

LA RECEPCIÓN JAMES TISSOT

LA RECEPCIÓN 1883-1885
La recepción
óleo sobre lienzo 
Allbright- Knox Art Gallery , Buffalo , Nueva York




El trabajo de James Tissot ( 1836- 1902 ) es famoso por las descripciones precisas de las modas de la época y sus enigmáticas cualidades . Nacido en Nantes ( Francia ) . Tissot se mudó a París a los veinte años de edad.Los artistas y escritores que conoció alli influyeron de manera considerableen su carrera y estilo pictórico especial, James Mc Neill Whistler, a quien Tissot trató de emular.


Este cuadro también es conocido como L´Ambieeuse " La mujer política "La 
dualidad del título genera un gratificante doble sentido ¿ la sonrisa de la mujer 
es sincera o diplomática ? ¿ Es la figura central del cuadro o solo la bella acompañante del hombre de cuyo brazo se coge ? ¿ hay alguna pista para el 
observador entre la multitud que charla o incluso quizá conspira ? El interés 
de Tissot por la moda contribuyó a que sus trabajos resultasen del agrado 
de los coleccionistas y se vendieran bien, aunque las críticas no fueran tan 
benevolentes como el público en general.



En 1871, huyó de los peligros de la Comuna de Paris- en la que se rumoreaba que había participado- a Londres. En Inglaterra sus trabajos fueron igual de  codiciados que en Francia y exponía con regularidad en la Royal Academy .
Permaneció en Londres hasta 1882 cuando la trágica muerte de su amante  y modelo Kathleen , víctima de la tuberculosis, le empujó a volver rápidamente a Paris . A finales de la década de 1880 atravesó un proceso de conversión religiosa y comenzó una nueva época en la que pintó escenas religiosas. Viajó a Oriente Medio donde realizó múltiples bocetos que convirtió en ilustraciones para diversas versiones de la Biblia.



Mercedes Tamara 

3 julio-2013



Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

martes, 2 de julio de 2013

VIRGEN CON EL NIÑO EN MAJESTAD DUCCIO DI BUONINSEGNA

VIRGEN CON EL NIÑO EN MAJESTAD 1308-1311
Virgen con el Niño en majestad 
temple y oro sobre tabla 213x 396
Museo dell ´Opera del Duomo , Siena ( Italia )













Duccio di Buoninsegna ( 1255-1318 ) El pintor sienés Duccio fue una figura clave  en el desarrollo del arte prerenacentista italiano. Debe su fama a una sola obra  maestra , el magnífico retablo de la catedral de Siena. Se sabe muy poco de la 
vida de Duccio di Buoninsegna. No hay referencia fiables sobre su lugar de nacimiento y su formación , pero algunos estudiosos consideran que pudo  haber sido alumno de Cimabue o de Guido de Siena. La primera noticia documental de él , es de 1278. Se conservan documentos de encargos diversos,  pero la Virgen con el Niño en majestad es la única obra que se le puede atribuir  con certeza absoluta. En otros documentos aparecen pistas sobre su personalidad que sugieren un carácter rebelde : fue multado por diversas infracciones , como negarse a prestar servicio militar, rehusar hacer un juramento de fidelidad y quizá incluso quebrantar normas relativas a la brujería. 





Fuesen como fuesen los defectos de Duccio, está claro que su prodigioso talento artístico los compensaba de sobra. Las autoridades sienesas tuvieron  gran interés en contar con sus servicios para su encargo más importante y la razón resulta evidente. Junto con Giotto, Duccio fue la figura clave a la hora de liberar el arte italiano de las limitaciones de la tradición bizantina 







Virgen con el Niño en majestad es celebrada como una de las mayores obras maestras de su tiempo , esta obra de Duccio contribuyo a cambiar el curso  del arte italiano . Durante la gran parte de la época medieval , la influencia  artística predominante provino de Oriente. El arte religiosos bizantino era  poderoso y hierático. Sus antiguas imágenes se consideraban sagradas . por lo que se esperaba que los pintores las copiaran fielmente ; no se les pedía originalidad , expresión personal, ni forma alguna de realismo .  Encabezados por Giotto y Duccio los maestros italianos rompieron gradualmente con muchas de tales restricciones. En este extraordinario retablo de Duccio hay detalles de calidez humana en muchas de las figuras y auténtico dramatismo en las escenas narrativas y las telas resultan mucho más naturales  que en las obras realizadas por sus homólogos bizantinos.





Esta imponente tabla es una empresa monumental que dominaba la parte delantera de un gran retablo encargado para la catedral de Siena .Representa una Maestà , esto es, a la Virgen Maria entronizada , en majestad. Presidiendo la corte celestial , rodeada de santos y ángeles , vemos a la Virgen y al Niño. Los cuatros santos patronos de Siena se arrodillan a los pies de Maria para  pedir su favor como patrona y protectora oficial de la ciudad . Así, en la inscripción que se halla bajo el trono se lee : " Santa Madre de Dios, sé causa de paz para Siena ".


Fue el ayuntamiento de Siena el que encargó a Duccio la realización de este  retablo, y se conserva un contrato de 1308 que refleja la naturaleza lujosa  del proyecto. Resulta notable, por ejemplo, que los mecenas se comprometieran a facilitar al artista todos los materiales . Así. el manto de la Virgen lo pintó de azul ultramar , un pigmento escaso y caro hecho a base de lapislázuli, una piedra  que solamente se hallaba en las canteras de Afganistán. En contraste, el azul de la Madonna Rucellai, conservada en la galeria de los Uffizi de Florencia y atribuida a Duccio, estaba hecha de azurita , un mineral mucho más barato , que daba un tono ligeramente más turquesa.


Duccio terminó el retablo en 1311, que fue llevado en procesión hasta la catedral. Entonces era aún mayor de lo que es hoy , con la tabla de la Maestà estaba flanqueada arriba y abajo por otras tablas con escenas de la infancia de Jesús y la muerte de la Virgen, y el reverso está cubierto de escenas de la  vida de Cristo. Por desgracia, el retablo fue desmembrado en 1771 y algunas  de sus partes se vendieron o se perdieron


LA OBRA EN DETALLES


LA VIRGEN Y EL NIÑO.- Los artista italianos tomaron el modelo de la Virgen  entronizada de fuentes bizantinas . Hay ejemplos tempranos en los mosaicos de Rávena, ciudad italiana que fue brevemente capital occidental del imperio bizantino. La Virgen María es la Reina del Cielo y también la Madre de la Iglesia. Siguiendo la costumbre medieval, se la representa a mayor escala que el resto  de las figuras para subrayar su importancia. La estrella de su manto- otro rasgo oriental-alude a su titulo " Estrella del Mar "


SAN ANSANO .- Las cuatro figuras del primer plano , arrodilladas ante la Virgen- son los santos protectores de Siena. Ansano, Savino, Crescencio y Victor. Su  posición destacada confirma que el retablo de Duccio era una encargo civil además de religioso. Aquí vemos a san Ansano, miembro de una familia romana noble, tal y como indica su atuendo aristocrático. Fue traicionado por su padre  por predicar el Evangelio y condenado a muerte por el emperador Diocleciano,
fue arrojado a una tina de aceite hirviendo y luego decapitado.


SAN JUAN BAUTISTA .- El Bautista es perfectamente reconocible por su aspecto  desaliñado y su túnica de piel de camello , que reflejan su vida ascética en el  desierto , donde se alimentaba de langostas y miel. San Juan Bautista suele 
aparecer en las representaciones de la corte celestial por su condición de precursor de Cristo Se le considera, además, un vínculo simbólico entre las dos partes de la Biblia , siendo el último de los profetas del Antiguo Testamento y el primer santo del Nuevo Testamento.


ROSTROS DE ÁNGELES.-A la hora de pintar las figuras que rodean a la Virgen,Duccio se ciñó a la tradición . Los artistas habían establecido ciertas convenciones,para la representación de los santos más conocidos, basadas en los relatos de sus vidas ; a San Pablo , por ejemplo , a la izquierda detras de san Ansano )se le solía representar calvo y con una espada . Los ángeles, por el contrario, solían tener el rostro uniforme e idealizado. Como seres asexuados, los pintores trataban de darle una presencia andrógina , en ocasiones , su cuerpo se omitía por completo y se representaban como una cabeza con alas.


SANTA INÉS.- Esta es santa Inés , virgen romana y uno de los muchos cristianos que sufrieron martirio durante el reinado de Diocleciano ( 284-305 ) Aparece con su atributo tradicional, el cordero. La asociación con él, se debe al parecido de 
los nombres en latín ( Agnes y agnus = cordero ) Inés, siendo una adolescente fue sentenciada a vivir en un prostíbulo tras rechazar las imposiciones de un  pretendiente influyente , finalmente murió decapitada )


INTERACCIÓN NATURALISTA.- Los modelos bizantinos de este tipo de pintura eran deliberadamente rápidos y hieráticos . En contraste , los pintores occidentales fueron adoptando un estilo más naturalista y asi, en lugar de pintar monótonas hileras de figuras , Duccio dotó a la escena de cierta variedad , Santos y ángeles intercambian y parecían estar en comunión unos con otros




TECNICA.-Ls Virgen de Duccio se inspira en un modelo bizantino llamado Hodegetría ( en griego= la que muestra el camino ) María señala a Jesús para  indicar que Él es el camino a la salvación.Ambas figuras miran al espectador  y no hay muestra alguna de afecto maternal. La tradición atribuía este modelo a San Lucas y los pintores lo imitaron como en esta Virgen de Smolensk Duccio  fue uno de los primeros pintores italianos en suavizar el modelo y darle un aire  más cálido y naturalista 




Mercedes Tamara 

2 -julio-2013



Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume