domingo, 25 de diciembre de 2016

LA BALSA DE LA MEDUSA THÉODORE GÉRICAULT

 LA BALSA DE LA MEDUSA 1891

La balsa de la Medusa
óleo sobre lienzo 491 x 716 cm
Museo del Louvre, Paris






Este cuadro "Balsa de la Medusa (1818), que se encuentra en el Museo Nacional del Louvre, se basa en un suceso real, el hundimiento del barco francés Medusa a causa de la negligencia de su capitán, vinculado al gobierno conservador, tardando los náufragos varios días en ser rescatados.


Esta obra llena de pasión y fuerza fue pintada por el abanderado del romanticismo francés Thédore Géricault ( 1791-1824 ) y en la actualidad se considera una afirmación de los principios del movimiento que propugnaban el realismo y la emoción.


La escena narra la historia auténtica del naufragio , además de la fragata del gobierno francés La Medusa. El capitán y los oficiales se reservaron los botes salvavidas y abandonaron en una balsa improvisada a unas ciento cincuenta personas , entre tripulación y pasajeros , que se hundieron en la desesperación , el salvajismo y el canibalismo 

Géricault se atrevió a mostrar este episodio sórdido de la historia contemporánea con un estilo que se asemeja a sus colosales obras heroícas del pasado .

Por un lado , en el cuadro se advierte una dosis macabra de realismo ya que el artista estudió diversos cadáveres para captar bien los detalles en que la pincelada extraordinariamente enérgica acentúa la sensación de arremolinamiento y garantiza la emoción. Por otra parte, los cuerpos y la composición en forma de pirámide son clásicos de su estilo 

Mercedes Tamara
25-12-2016

Bibliografia : Wikipedia 




domingo, 18 de diciembre de 2016

GUARDIÁN ÁRABE MARIANO FORTUNY

GUARDIÁN ÁRABE 1863
Guardián árabe
óleo sobre lienzo 58, 4 x 49, 2 cm
The Tall Museum, Cincinatti, Ohio

De una ejecución nerviosa y brillante , caracterizado por los bellos efectos cromáticos , esta composición resume perfectamente las diferencias que existen entre la pintura marroquí de Delacroix y de Fortuny . Nos muestran sobre todo las divergencias entre los dos artistas, relativas a los objetivos estéticos : mientras Delacroix quería encontrar en el norte de África una antigüedad viviente , Fortuny evoca una realidad más tangible , más cotidiana , explotando una vena estética que, de acuerdo con los aires de su tiempo , resultaba una moda tan excitante como lucrativa.

Aunque parezca mentira , el tema oriental bebe también de la influencia de los maestros de género holandeses , redescubiertos fundamentalmente en Francia con el comienzo del realismo . en los años 1840- y que proporcionaron a pintores como Eugene Fromentin sus temas sencillos y sus discretas composiciones . Fortuny debe mucho a pintores como Fromentin y, al igual que el francés, siente una clara admiración por la escuela del norte , expresado con franqueza en un cuadro como este , en el que parece sustituir la elegante sobriedad de los interiores burgueses por el estallido del color oriental´

Muchos aspectos nos recuerdan estas influencias : la sencillez de la composición , la habitación interior y umbría, el gusto por el detallismo y los bodegones de objetos simples de la vida cotidiana , etc. La larga pipa refuerza el mensaje de languidez y sensualidad que se subraya a través de una cierta inmovilidad muy moderna , como la consistencia inmaterial y casi abstracta de la ambientación de este interior . El punto de vista interior demuestra la fascinación que ejercían sobre el artista los espacios de la habitabilidad - a veces inaccesibles -en los que se desenvolvía la vida cotidiana de sus personajes



Herrador marroquí 1863
óleo sobre lienzo 42 x 65 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña


Por lo que se refiere a Herrador marroquí , se trata de un tema al aire libre , con una composición muy sencilla , marcadamente horizontal y frontal que remata, en último término, con la ya conocida tapia blanca. Como siempre , el pintor " empuja " literalmente nuestra vista hacía el fondo por medio de varias diagonales - la pared en talud de la derecha ,
el grupo de burros, las gallinas . que forman un aspa , en cuyo centro se encuentra el protagonista de la escena : el herrador marroquí 

Ante el vasto espacio del fondo , los personajes están representados en un crepúsculo de penumbra , compuesto en semitonos : la escena capta el momento en que el hombre , situado ante un fila de borricos en una amplia plaza cerrada , coge la pata de uno de los animales para mostrársela al herrero que, acuclillado, se dispone a herrarla . Las gallinas pululan sin orden ni concierto por el lugar mientras, al fondo , se insinúan varias figuras ante la pared blanca , donde impacta una cegadora luz .

El cambio en el punto de vista - del interior al exterior. y la adopción de una visión frontal , le permite el placer de colocar a sus personajes delimitando espacios distintos, entre el soleado mundo que rodea a la tapia y a las figuras más en la sombra. Así parece que el cuadro ha sido dividido, mediante una diagonal que va de izquierda a derecha , en dos mitades de diferente color e iluminación. 

                                                                Mercedes Tamara
                                                                      18-12-2016

Bibliografia : Fortuny, Museo Nacional de Arte de Cataluña

sábado, 10 de diciembre de 2016

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS JOSHUA REYNOLDS

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS
Cupido desatando la cintura de Venus
óleo sobre lienzo 127 x 110 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo





Parece ser que la modelo que posó para Cupido desatando la cintura de Venus fue la famosa Lady Hamilton , que Reynolds había pintado en varias ocasiones . Pero también , se dan otras hipótesis : así en el libro del pintor del año 1874 se menciona el nombre de miss Wilson, una modelo profesional que posaba para Reynolds en sus ninfas.

Por cuanto el rostro de Venus está medio cubierto , y las figuras femeninas que realizó el pintor por lo general tienen rasgos comunes , es difícil establecer definitivamente la identidad de la modelo 

El cuadro se considera inacabado , pero está plenamente elaborado en su composición y colorido : los tonos cálidos del segundo plano lanzan destellos rosados sobre el cuerpo de la diosa ; se ha captado con viveza la postura  del niño : la cabeza echada atrás con picardia 


                                                      Mercedes Tamara
                                                        10-12-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos Edit Planet 

jueves, 8 de diciembre de 2016

DAMA CON MANTILLA ALEXANDER ROSLIN


DAMA CON MANTILLA 1768

Dama con mantilla
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
Museo Nacional de Estocolmo

Al pintor sueco Alexander Roslin le debemos uno de los retratos más encantadores de todo el rococó europeo,  la Dama con mantilla cuya modelo era Suzanne Giroust esposa del pintor.

Aunque la mayor parte de su  carrera de Roslin se desarrolló en París , donde trabajó bajo el magisterio de Boucher , sus obras de madurez como ésta- que es de 1678 , cuando el artista contaba unos cincuenta años responde a una gran sobriedad compositiva que tiende ya al neoclasicismo 

Esta figura femenina es una verdadera delicia de coquetería por ese gesto con que el abanico aparta la mantilla de seda negra y descubre el gracioso rostro e insinúa la turgencia del seno.

El color está muy trabajado en cuanto a las calidades , pero sin fatiga, sin abusos efectistas, con un admirable seguridad en el toque 

Mercedes Tamara
8-12-2016



Bibliografia : Guía de los Grandes Museos Edit Planeta

martes, 29 de noviembre de 2016

EL ENANO GREGORIO IGNACIO ZABALETA

EL ENANO GREGORIO
El enano Gregorio
óleo sobre lienzo 187 x 154 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo






Ignacio Zuloaga nació en Eibar, en 1870, y falleció en Madrid, en 1945. Es un claro ejemplo de cómo influyó en el arte el pesimismo de España tras la guerra por la independencia de Cuba, en 1898.

Hasta el momento, el artista había recorrido París e Inglaterra entre otros, pero nosotros vamos a hacer hincapié en su trayecto desde 1892. Los tres años siguientes los pasó en Andalucía, donde consiguió un estilo muy marcado tratando temáticas andaluzas y taurinas, que expondrá próximamente en París, en 1985. Esta etapa se conoce como la “España Blanca” de Zuloaga, pero no será hasta pasada esta, cuando consigue mayor éxito, sobre todo a nivel internacional.






El artista se inscribe en el grupo de pintores modernistas que incorporaron las tradiciones nacionales del arte español a través de la herencia pictórica del pasado y que simultáneamente se formaron bajo la influencia de los maestros franceses entre los siglos XIX y XX. El pintor estudió a los grandes maestros de la pintura española , El Greco, Velázquez , Goya y era amigo de Rodin , Degas y Gauguin .

El tema del cuadro El enano Gregorio, está indiscutiblemente inspirado en los maestros del siglo XVIII  y, en primer lugar,  en los cuadros de Velázquez . El rostro del enano , a pesar de su condición, es inusitadamente expresivo ; en él se perciben la inteligencia , la obstinación y cierta astucia campesina . Al artista le ha interesado mostrar en su cuerpo pequeño y deforme una gran fuerza ( la carga que debe soportar Gregorio es claramente grande ) . Esta fuerza se traduce en orgullo y seguridad . De fondo aparece un paisaje tipícamente español , severo y solitario . El cuadro está pintado en tonos oscuros y sordos que encajan maravillosamente con el tema.



Mercedes Tamara
29-11-2016



Bibliografia : ARTEHISTORIA

miércoles, 23 de noviembre de 2016

LOS TRES FILÓSOFOS GIORGIONE

LOS TRES FILÓSOFOS
Los tres filósofos
óleo sobre lienzo 124 x 145 cm
Kunthistoriches Museum, Viena






Giorgione es el pintor clave en la innovación pictórica veneciana durante el Cinquecento. La clave de su arte se encuentra en la relación entre pintura y naturaleza así como la plasmación de la luz y la atmósfera. Estas características se aprecian a la perfección en este lienzo que aquí contemplamos, ubicado en el centro de la trayectoria estilística del maestro de Castelfranco. Las tres figuras se insertan a la perfección ante la naturaleza, recibiendo un potente foco de luz que resalta las tonalidades de sus vestimentas y crea una sensación atmosférica en sintonía con el "sfumato" de Leonardo.





La disposición de las figuras en el espacio es muy acertada, situándolas en diferentes planos mientras que el punto de fuga se halla en el paisaje, diferente al quattrocentista en tanto en cuanto se acerca más a la realidad y se intenta representar la naturaleza tal y como es.


La poesía que el maestro aporta al paisaje estaría en relación con su elevada cultura, estrechamente relacionada con el neoplatonismo por lo que algunos especialistas interpretan esta escena como una alegoría de las tres edades del hombre, mientras otros críticos consideran que estamos ante un tema menos profano al apuntar a los tres Reyes Magos, que hacen sus cábalas para encontrar la estrella que les guiará al Niño Jesús.


Mercedes Tamara
23-11-2016

Bibliografía : ARTEHISTORIA

miércoles, 16 de noviembre de 2016

RETRATO DE LA EMPERATRIZ JOSEFINA PIERRE-PAUL PRU´HON

RETRATO DE LA EMPERATRIZ JOSEFINA

Retrato de la emperatriz Josefina
óleo sobre lienzo 244 x 178
Paris Museo del Louvre


Aunque la obra de Pierre- Paul  Pru´hon se alinea con los románticos , existen en ella elementos estéticos que la convierten en el nexo entre el clasicismo de David y el apasionamiento descriptivo de Géricault.

El Retrato de la emperatriz Josefina sirve perfectamente para analizar los componentes de manera artística . La figura, sentada sobre un apropiado escalonamiento rocoso , con su mano izquierda apoyada en la sien, se integra en un paisaje boscoso que participa de la atmósfera de un jardín, gracias a la presencia , en el lado izquierdo , de un gran jarrón de piedra .

La emperatriz encarna aquí el candor y la melancolía de la mujer que no era. Está ausente la penetración psicológica en esta ambientación poética de la retratada, sentada en actitud meditabunda junto a un arroyo en un jardín paisajista

El escenario es , pues, claramente romántico y su forma de ejecución revela el conocimiento, interpretación y finalmente la amalgama de estilos de autores como Correggio y Leonardo ya que el artista tuvo la oportunidad de estudiar la pintura renacentista , que tuvo lugar durante su estancia en Roma , junto a Canova en 1784.

El Retrato de la emperatriz Josefina fue ejecutado en 1805, es decir, en el momento de afirmación de la fama del pintor . Éste se benefició también del favor de la emperatriz Maria Luisa.


Mercedes Tamara
16-11-2016

Bibliografía : ArteHistoria


jueves, 10 de noviembre de 2016

DOÑA ANTONIA ZÁRATE FRANCISCO DE GOYA


DOÑA ANTONIA ZÁRATE 1805-1806

Doña Antonia Zárate
óleo sobre lienzo 191 x 82 cm
Dublin, National Gallery of Ireland 







Antonia de Aguirre y Murguía nació en Barcelona en 1775, aunque sus apellidos delatan su ascendencia vasca. Hija del actor Pedro de Zárate Valdés, autor de una compañía que actuaba "en tierras de Aragón" en el tiempo en que ella nació. Casada con Bernardo Gil y Aguado, también cantante y actor cómico, juntos actuaron principalmente en Madrid, donde en 1796 nacería su hijo el escritor y pedagogo Antonio Gil y Zárate. Murió de tuberculosis. Del dato de que otorgara poder para testar a favor de Manuel García de la Prada, también único heredero testamentario, puede deducirse que se había separado de su marido.






La cantante era una famosa actriz, la hija de Pedro de Zárate Valdés, también actor. t. Se casó con el cantante Bernardo Gil y Aguado y su hijo Antonio Gil y Zárate se convertiría en un reconocido poeta y dramaturgo.






En el cuadro su vestido negro y la mantilla del cordón crean un contraste fuerte con el sofá amarillo en el cual ella se sienta.Su rostro muestra una gran serenidad y su porte es muy distinguido; denota que pertenece a una clase social alta por la elegancia de su vestimenta . En su mano sostiene un abanico y sus brazos están cubiertos con los guantes blancos, sedosos 




Su mirada es ligeramente melancólica, mientras que en su sonrisa aparece una pizca de ironía.. Esta pintura está entre un número de retratos femeninos hermosos que Goya ejecutó antes de la guerra de la península. admiró grandemente el teatro y sus protagonistas, y pintó muchos de sus retratos. Unos años más tarde, la señora Zárate se sentó para él otra vez, y ese retrato, en menor escala, se encuentra hoy en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.



Mercedes Tamara
10-11-2016


Bibliografia : Guía del Arte 
                       Wikipedia 
















martes, 8 de noviembre de 2016

PAULO III Y SUS SOBRINOS ALESSANDRO Y OTTAVIO FARNESE TIZIANO

PAULO III Y SUS SOBRINOS ALESSANDRO Y OTTAVIO FARNESE 1545-

Paulo III y sus sobrinos Alessandro y Ottavio Farnese
óleo sobre lienzo 210 x 174 cm
Gallerie Nazionale di Capodimonte, Nápoles



Este notable triple retrato del papa Paulo III y sus sobrinos Ottavio y el cardenal Alessandro Farnese fue realizado por Tiziano durante su viaje a Roma , y es considerado , entre sus tantas obras maestras , una de las principales. A las virtudes artísticas , la pintura añade un profundo estudio psicológico de los poderosos personajes, a los que muestra sin hacerles concesiones , como , sin embargo , era la costumbre de otros pintores cuando ejecutaban retratos de príncipes y eclesiásticos de alto rango .

En el centro , sentado, Paulo III dirige una lánguida  pero astuta mirada a Ottavio , quien se acerca haciendo una obsecuente reverencia . Hay estudiosos que a esta imagen la ven una semejanza con El discóbolo de Mirón, y creen que es un ataque de Tiziano al anticlasicismo manierista . A la izquierda, de pie , está el cardenal Alessandro Farnese , con una mirada entre desdeñosa y abstraída ; sus manos se aferran al trono , en una demostración de su ambición por suceder a su tío cuando fallezca. El Papa tiene una mano apenas abocetada sobre una mesa en la que hay un pequeño reloj : este mueble que parece salir del cuadro , contribuye a dar volumen a la composición . En el fondo destaca un gran cortinaje rojo que sustituye , para dar profundidad al cuadro, a los habituales fondos neutros de los retratos de Tiziano.

El colorido no es variado, pero el artista evita la monotonía con diferentes grados de un mismo tono y con reflejos , en particular del rojo , que predomina en las vestimentas , las cortinas y el mantel de la mesa y el morado . El blanco cubierto de luz dorada de la sotana papal y de las calzas de Ottavio , contrastan con las restantes tonalidades . Las pinceladas son rápidas y compactas y apenas se detienen en los detalles para que resalten la luz y el color. Incluso hay elementos que parecen sin terminar , como las manos del Papa y el calzado de Ottavio Es evidente que Tiziano experimenta con este cuadro nuevas formas expresivas y ya visualiza su " impresionismo mágico " de los años siguientes.


Mercedes Tamara
8-11-2016

Bibligrafia : Tiziano Edit Biblioteca El Mundo




viernes, 4 de noviembre de 2016

DANIEL EN EL FOSO DE LOS LEONES PIETER PABLO RUBENS

DANIEL EN EL FOSO DE LOS LEONES 

Daniel en el foso de los leones
Óleo sobre lienzo, 224,2 x 330,5
Galería Nacional de Arte, Washington D. C. 




De entre las variadas obras de gran tamaño de Pieter Pablo Ruben destacamos la obra Daniel en el foso de los leones , porque su aspecto y tema son algo inusitado dentro de la extensa producción del maestro flamenco.


Hacía 1615 , fecha asignada a esta pintura , es cuando Rubens alcanza la plena expansión de su estilo dramático y de su oficio . Ambas cosas aquí pone de manifiesto La actitud implorante del profeta desnudo es de un patetismo barroco , logrado por la expresión formal y externa.


En cuanto al buen oficio, los nueve leones , todos en posiciones distintas , dan su mayor interés a la obra por el concienzudo estudio animalístico que requieren y que debió exigir múltiples anotaciones del natural.


La observación ha sido completa , no sólo en cuanto a los movimientos y posturas de los animales , sino también en las calidades táctiles de sus miembros, pieles y pelajes .


Mercedes Tamara
4-11-2016


Bibliogarfia : Rubens Edic Taschen 

martes, 1 de noviembre de 2016

RETRATO DE ISABEL DE PORTUGAL TIZIANO

RETRATO DE ISABEL DE PORTUGAL 1548
Retrato de Isabel de Portugal
óleo sobre lienzo 117 x 93 cm
Museo Nacional del Prado Madrid 


Este admirable retrato de la esposa de Carlos V fue realizado por Tiziano en Ausburgo , nueve años después del fallecimiento de la emperatriz. Resulta difícil señalar lo más destacado de esta obra maestra. puesto que ante el espectador se presenta como una unidad indivisible , en que cada detalle revela la pericia del artista y el alma del personaje.

El artista transmite la dignidad imperial a través de un rostro casi inexpresivo , serio, de mirada melancólica, , pero que revela la inteligencia , que , sin duda , poseía Isabel , también lo hace con el espléndido vestido de brocado rojizo , encajes y pedrerias , y con el largo collar de perlas rematado con un broche de piedras preciosas .La emperatriz está sentada de semiperfil , cerca de una ventana desde la que se divisa un paisaje montañoso , y sujeta un pequeño libro con la mano izquierda. La luz se centra en su figura , pero la que entra por la ventana suaviza la sombra del lado izquierdo del rostro. 

En varios aspectos , la obra escapa a los cánones de Tiziano , quizá porque carecía de un modelo real . No hay, en este caso , la habitual luz dorada , por lo que resalta la palidez de la soberana . La cortina y la pared sustituyen al fondo neutro de otros retratos, , en tanto el paisaje tiene algo menos de la luminosidad y del colorido con los que el artista , desde su juventud , representa la naturaleza.

De todas formas, el colorido es uno de los elementos fundamentales de esta obra . Tiziano hace prevalecer los tonos rojizos , en una gama que va del rosa al morado , y que comprende el vestido y el cortinaje . Estas tonalidades contrastan admirablemente con el color pardo de la pared y el blanco de la parte alta del vestido , los encajes de las mangas y las perlas del collar , que registran una suave color dorado que intensifica el broche a la altura del pecho y en los detalles del brocado . El paisaje que hace de contrapeso y brinda aire a la composición , está compuesto por verdes azulados , grises y una pálida tonalidad naranja que estaría indicando el comienzo del crepúsculo .

Isabel de Portugal era considerada como una de las reinas más bellas en toda la historia de la monarquia española . Este retrato confirmaría este juicio , a pesar de la tristeza que parecen reflejar sus ojos claros . Seguramente su carácter se vio afectado por las largas ausencias de Carlos V , impuestas por las exigencias de la conducción de un enorme imperio que estaba sacudido por las luchas religiosas. 

Mercedes Tamara
1-11-2016

Bibliografia : Tiziano , Edit Biblioteca El Mundo 

jueves, 27 de octubre de 2016

AMIDA ABANDONADA POR RINALDO TIÉPOLO

AMIDA ABANDONADA POR RINALDO
Amida abandonada por Rinaldo
óleo sobre lienzo 187 x 200 cm
Art Institute of Chicago



Giambattista (o Giovanni Battista) Tiepolo (Venecia, 5 de marzo de 1696-Madrid, 27 de marzo de 1770) fue un pintor y grabador italiano, considerado el último gran pintor de la era barroca. Es una de las figuras más importantes del rococó italiano.



En una primera época siguió el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, Federico Bencovich y Sebastiano Ricci. El claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros.

Habiendo conocido un gran éxito por sus obras de Venecia y Bérgamo llegó a distanciarse del academicismo para crear un estilo propio más cercano al rococó

Amida abandonada por Rinaldo
forma parte de una serie de cuatro composiciones que desarrollan la historia descrita por Tasso en " La Jerusalén liberada " de la seducción del cristiano Rinaldo por la pagana Amida - versión renacentista de la Dido clásica- hecho que comprometió la toma de Jerusalén .

El detalle del cuadro muestra a Rinaldo instado por amigos a abandonar a la bella pagana. Rinaldo se debate entre la llamada del deber y la pasión amorosa que sentía por Amida .

Es una   obra de carácter bíblico o mitológico en la que Tiépolo introduce fondos arquitectónicos como podemos apreciar en la parte izquierda del cuadro en la que vemos un trozo de columna sobre un horizonte de montañas azuladas que abriga los perfiles de la ciudad de Jerusalén con un colorido claro y ligero y una gran precisión para el dibujo


. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo. Tiépolo era un artista dotado de un gran virtuosismo , como demuestra por el excelente toque pictórico , el virtuosismo del dibujo y la claridad cromática que son unas de las características esenciales del estilo de Tiépolo

Tiépolo , influyó en
Goya debido a una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del cuadro. Los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino. Tenía una gran facilidad para el dibujo. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo.

Mercedes Tamara
27-10-2016


Bibliografía : Wikipedia
                 Grandes Museos , Edit Planeta

lunes, 24 de octubre de 2016

DIANA Y CALIXTO TIZIANO


DIANA Y CALIXTO 1560 



Diana y Calixto
óleo sobre lienzo 183 x 200 cm
Kunthistoriches Museum Viena ( Austria ) 






Esta obra es una réplica de la homónima de la serie Poesías , sobre temas mitológicos que Felipe II encomendó a Tiziano . Los cuadros de alto contenido erótico e inspirados en la Metamorfosis de Ovidio , fueron colocados en una cámara privada a las que el monarca solía retirarse a meditar. Estos encargos de Felipe II modificaron su habitual imagen de hombre reservado y taciturno , encerrado en su palacio , y lo muestran como un rey amante de las artes .






Tiziano representa el momento en que las ninfas de Diana, por su orden desnudan a Calixto , quien se resistía hacerlo a pesar del calor agobiante . Así la diosa descubre que su ninfa favorita está embarazada de Júpiter y la expulsa de su corte . Posteriormente , Juno , esposa del dios infiel , encolerizada transforma a Calixto en osos . En una cacería en la que participan varios dioses , Marte está a punto de matar a animales , pero Jupiter se apiada y los convierte en estrellas que forman la constelaciones de la Osa Mayor y la Osa Menor.






La imagen que muestra Tiziano es de intenso dramatismo y de gran tensión . El gesto de Calixto es de desesperación e impotencia , en tanto la rubia , esbelta y desnuda Diana extiende de manera acusadora su brazo derecho hacía quien considera culpable . Las ninfas comparten esta tensión y transmiten gran dinamismo , excepto la del primer término , que está sentada inmóvil a los pies de Diana , con una mano sosteniendo sus flechas y la otra sobre la aljaba . A la derecha del cuadro , el rostro de otra joven es el único que transmite placidez.




Como en las obras de tema mitológico de su jueventud, influidas por Giorgione , el artista enmarca e integra la escena en un paisaje que incluye la fuente en la que Diana y su corte pensaban refrescarse antes del incidente con Calixto . La luz es predominantemente dorada y brinda un ligero toque otoñal a los árboles de la derecha de la composición , y el cielo intensamente azul contrasta con las nubes arreboladas . En los escasos ropajes prevalecen colores clásicos , como rojo, blanco , azul y amarillo . Fueron aplicadas con pinceladas empastadas pero rápidas ,que resaltan detalles como pliegues y reflejos , al igual que en la composición del paisaje . Esta manera de pintar crea una atmósfera que ya se aproxima al último y notable período del Tiziano anciano , marcado por lo que los críticos han denominado " impresionismo mágico"



Mercedes Tamara

24-10-2016




Bibliografia : Tiziano , Edit Biblioteca El Mundo

martes, 11 de octubre de 2016

EL PUENTE DE PIEDRA REMBRANDT

EL PUENTE DE PIEDRA 1637-1638

El puente de piedra
óleo sobre tabla 30 x 43
Rijsmuseum Amsterdam





Parece ser que Rembrandt no quiso quedar al margen de esta especialidad tan demandada por los burgueses del norte de Europa, realizando algunos paisajes como éste que contemplamos. 


Poco después del establecimiento de Rembrandt en Amsterdam inició una serie de paisajes . Se trata por lo general de cuadros de pequeñas dimensiones , ejecutados sobre tabla.

Uno de los más característicos es El puente de piedra, paisaje realizado entre 1638 y 1638 , presenta un panorama fluvial cerrado por un bajo horizonte de vegetación arbórea que en su lado derecho permite entrever la silueta de un campanario. 

 .

El puente, único vestigio de la actividad humana frente a la naturaleza, está bañado por una luz mágica, dorada, que nos lo hace aparecer ante nuestros ojos como una aparición fantasmagórica y espectral.



Al igual que estos maestros , Rembrandt limita su paleta a unas pocas gamas cromáticas que, gracias a la personal técnica de empaste y a la original oposición de tonos , conceden al cuadro un profundo dramatismo . Su protagonista es, en realidad , el celaje tormentoso , que filtra efectos de luz concentrada que hacen resaltar el grupo central de los árboles con un método similar al que el artista utiliza en sus cuadros con figuras.


Mercedes Tamara
11-10-2016


Bibliografia : Rembrandt Edit Taschen


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domingo, 9 de octubre de 2016

EL INDIFERENTE JEAN- ANTOINE WATTEAU

EL INDIFERENTE 

El indiferente
óleo sobre tabla  26 x 19 cm
Museo del Louvre Paris





El título enigmático de la obra contribuye a la seducción ejercida por la gracia del personajes. En 1738 fue creada la Orden de los Indiferentes (Ordre des Indifférents), asociación cuyos miembros juraban sustraerse al imperio del amor.




El virtuosismo de Watteau para la composición de pinturas de pequeño formato queda atestiguado por piezas como ésta  En este cuadro aparece un solo personaje, en el centro de la composición, contra un fondo boscoso. Se realizó sobre soporte de tabla con una simple capa de preparación, delatándose las vetas de la madera a través de las pinceladas.


El protagonista adopta una postura de baile inestable: el pie izquierdo está girando, formando un ángulo recto con la pierna derecha, y de ésta sólo apoya la punta del pie; se representa así un momento concreto de gracia extrema y artificial, en el curso de la danza. Aparece ante un fondo de paisaje boscoso  muy inconcreto, de pinceladas muy difuminadas que se asemejan algo a la vestimenta del personaje que dan título al cuadro 


Mercedes Tamara
9-10-2016

Bibliografia : Wikipedia 






martes, 4 de octubre de 2016

YACT ACERCÁNDOSE A LA COSTA WILLIAM MAILLORD TURNER

YACT ACERCÁNDOSE A LA COSTA 1828 
Yact acercándose a la costa
óleo sobre lienzo 71 , 1 x 13, 5 cm
Tate Gallery Londres




Cuadros como Yact acercándose a la costa habían de chocar a sus contemporáneos por la ruptura violenta con las normas pictóricas vigentes en su época , sorprendiendo ingratamente a la buena parte de la afición y críticos de los que recibió muchas descalificaciones y burlas , ignorando que años más tarde el pintor llegaría a alcanzar el punto más alto de su proceso creativo.


Su ideal , largamente perseguido era llegar a lograr esta dinámica del color que se sobrepone a las formas de la realidad . En estos cuadros de este momento, hay como un torbellino que desde el centro se expande a los bordes . Y los tonos se combinan en una fosforescencia que acentúa aquel movimiento centrífugo


Hay en todo ello una especie de palpitación atmosférica que no debe ser confundida con una anticipación del impresionismo .Los impresionistas eran , al fin y al cabo, realistas de un tipo especial.


Turner no pretende, como ellos harán más tarde , apresar la vibración de la luz en el aire y fijar el momento . No llega a la naturaleza, sino que parte de ella para manipularla , para transfigurarla en un sentido poético . Es un arte de color puro , que experimenta sobre la realidad para empujar a ésta hacía la abstracción.




En esta marina, las referencias de la realidad son las indispensables, expuestas de una manera sumaria aunque fiel, suficiente para que reconozcamos el lugar y su ambiente. Pero ya el pintor se entrega a la especulación sobre la luz, creando un centro de intensidad principal como foco de irisación hacia la periferia y dando preponderancia a la materia pictórica, hecha cromatismo puro.


Mercedes Tamara
4-10-2016

Bibliografia : Grandes Museos , Edit  Planeta 

lunes, 3 de octubre de 2016

APARICIÓN DE SAN NICOLÁS DE BARI EN UN NAUFRAGIO GENTILE DE FABRIANO

APARICIÓN DE SAN NICOLÁS DE BARI EN UN NAUFRAGIO 
Aparición de San Nicolás de Bari en un naufragio
detalle de un retablo de 80  140 cm
Pinacoteca Vaticana




Esta escena representada por Gentile de Fabriano a un detalle de un retablo de cuatro composiciones dedicadas a San Nicolás de Bari . Los episodios de la vida del santo se agrupan en una secuencia narrativa que repite algunos de los temas tratados en la obra de Fray Angélico .


Esta escena representa el suceso del salvamento del navío que se halla en trance de naufragio .Aquí el artista ha obtenido efectos de profundo realismo que contribuyen a dramatizar la situación ; un torvo celaje oprime al bajel y su tripulación que, para salvar sus vidas, comienzan a arrojar el cargamento por la borda .


La vela se ha desgarrado y en el elemento marino pululan unas amenazadoras criaturas  : grandes peces, equinodermos y una sirena. El santo se aparece en el seno de una nube dorada , con una tea encendida en su mano izquierda . 

Mercedes Tamara
3-10-2016

Bibliografia Grandes Museos Edit Planeta

domingo, 2 de octubre de 2016

EL PASO DE LA LAGUNA ESTIGIA JOACHIM PATINIR

EL PASO DE LA LAGUNA ESTIGIA 1519-1524

El paso de la laguna Estigia
óleo sobre tabla 64 x 103 cm
Museo Nacional del Prado, Madrid 




Esta obra maestra de Patinir perteneció a Felipe II quien pudo descubrirla y sentirse atraído por ella durante su visita a los Países Bajos entre 1549 y 1511.


El pintor se muestra en esta pintura como un excelente paisajista . La naturaleza , que en la pintura flamenca habría ido cobrando una creciente importancia , alcanza su punto más alto en Patinir, quien , con una original utilización del color , concede al paisaje un carácter casi de género independiente .

Plasma en esta pintura una vista panorámica , precedente del representado por los pintores flamencos en los siglos XVI y XVII . El tipo de paisaje que vemos en esta obra supone una novedad frente a los realizados en su tiempo.

Presenta el horizonte alto - al igual que en los primitivos flamencos , realizando un corte radical que permite observar la curvatura de la tierra en en horizonte , obteniendo así una visión en perspectiva , muy vinculadas con las teorías de la esfericidad de la tierra.

Lo más destacable de esta pintura es el ancho río que , desde el primer término se encamina hacía el horizonte y dividiendo el paisaje en dos zonas contrapuestas : a la izquierda , los Campos Elíseos y a la derecha el Averno . En el eje de la composición, en las azuladas aguas que separa el Paraíso del Infierno , destaca la figura del barquero , semidesnudo , con el cabello en desorden y la barba descuidada , que dirige la pequeña embarcación en la que aparece una figurita desnuda , que representa el alma del difunto. Caronte guía el alma hasta el punto en que ésta ha de elegir entre dos caminos . La posición de la figura indica claramente que se ha decidido por el Averno.

A la izquierda de la laguna un río serpentea entre las rocas a través de un paisaje boscoso , en el que se percibe una construcción fantástica a modo de fuente globular de cristal ,El camino difícil que conduce hacia el Paraíso se expresa no solo por los accidentes del terreno sino a través del simbolismo religioso que se deduce de la representación del gladiolo, el nenúfar o el coral de la orilla, que hacen alusión a la Pasión y muerte de Cristo, cuyo sufrimiento debe ser imitado por el hombre para lograr la Salvación. Su profunda emoción ante la naturaleza se percibe en el carácter naturalista y el preciosismo con que ejecuta los animales, los árboles frutales y la vegetación, que permite casi la identificación de las especies.

 Estamos ante una representación del Paraíso terrenal con la Fuente de la Vida, los ángeles y almas que vagan por el jardín. Motivos que parecen inspirados en textos visionarios medievales (visiones de Tundal y de san Patricio), en las que las almas son conducidas por los ángeles. La Fuente de la Vida, con los cuatro ríos, responde a las descripciones bíblicas del jardín del Edén en el Génesis y en san Juan. 

La ciudad del último término es, pues, una alusión a la Jerusalén celestial, destino final de los elegidos. En la orilla derecha, el camino fácil está representado en una cala que lleva a las orillas fértiles y verdes de la tierra, poblada con las mismas especies de árboles frutales que el huerto del Paraíso. En el primer recodo el canal desaparece a las puertas del Infierno custodiado por el monstruo de tres cabezas, el Cancerbero, perro guardián del Averno. Hacia el fondo se desarrolla un impresionante paisaje iluminado por el resplandor del fuego en el que se perciben seres monstruosos y se desarrollan los castigos.

 En esta zona es de señalar también la construcción fortificada a modo de torre circular, que presenta igualmente conexiones con El Bosco. El cuadro es, pues, una compilación de motivos de diferentes tradiciones iconográficas. Patinir, manteniéndose fiel a las representaciones de los juicios particulares y finales de la pintura flamenca, representa el momento en que el alma toma la decisión que determinará su salvación o condena

. Según el pensamiento medieval, el hombre con su libertad debía elegir entre la vida virtuosa o la pecaminosa. En último término podemos ver en el programa desarrollado por Patinir el concepto bíblico del «Camino», descrito por san Mateo, 7, 13-14: «Entrad por la puerta estrecha, porque ancha es la puerta y espaciosa la senda que lleva a la perdición y son muchos los que por ella entran... ¡qué estrecha es la puerta y qué angosta la senda que lleva a la vida, y cuán pocos los que dan con ella!».

 Patinir fundiendo pues metáforas bíblicas y clásicas consigue dar a la obra un sentido moralizante y escatológico. Mezclando lo real y lo simbólico, ofrece una imagen de meditación que parece anunciar al espectador para que se prepare para la hora de la muerte y siga el verdadero camino. Pero al margen de este simbolismo religioso, el óleo, de ejecución perfecta, se convierte en una pieza maestra en el tratamiento del tema mitológico en el que la luz, la prodigiosa gama cromática y la atmósfera anticipan las obras holandesas del siglo XVII


                                            Mercedes Tamara ( copia del libro  )
                                              2- 10-2016

Bibliografia : Mª Angeles Blanca Piquero López ( autora )
                     100 Obras Maestras del Museo del Prado 

sábado, 1 de octubre de 2016

UNA SIBILA DOMENICHINO

UNA SIBILA 
Una sibila
óleo sobre lienzo 123 x 84 cm
Galeria Borghese Roma






El contraste total con el estilo de Caravaggio se halla en Domenico Zampieri, conocido por el Domenichino , a quien corresponde Una sibila de la Galeria Borghese . 




Domenichino ha tomado como tema central de su cuadro a la sibila de Cumas, aunque nada excepto el título nos da pistas sobre su identidad. La muchacha viste con lujo oriental, incluso con un extravagante turbante en la cabeza. Su rostro es perfectamente realista, lozano y con las mejillas coloreadas, como una sana muchacha romana de la época.


Este matiz de naturalidad es la herencia de Caravaggio, incluso en artistas que como Domenichino cultivaron la corriente idealista del Barroco, por oposición al naturalismo tenebrista. La sibila, además de su libro de profecías, está acompañada de un instrumento musical de cuerda y un rollo de papel pautado. Podría perfectamente recordarnos a una alegoría de la música o del oído, aunque parece ser que estos elementos se explican porque Domenichino tomó como modelo a la Santa Cecilia de Rafael, patrona de la música y los músicos. 




La figura femenina aparece representada en medio cuerpo, ante una mesa, con una partitura en sus manos. Lleva un abultado turbante de seda verde y su rostro aparece en posición frontal, la mirada dirigida a lo alto. El personaje ha sido definido con una firmeza y elegancia de dibujo que es muy característica de su autor, tratándose sus volúmenes con luces transparentes que proporcionan suaves efectos de modelado.



El procedimiento se halla en la linea del clasicismo muy alejado de la dureza tenebrista . La linea , el color y el esquema compositivo que repercutiría más tarde en la escuela boloñesa 



Mercedes Tamara

1-10-2016


Bibliografia : ARTEHISTORIA 








jueves, 29 de septiembre de 2016

MUCHACHA DORMIDA DOMENICO FETTI

MUCHACHA DORMIDA 

Muchacha dormida
óleo sobre lienzo 68 x 74 cm
Museo Nacional de Bellas Artes Budapest


La Muchacha dormida  de Domenico Fetti es una obra en la que confluyen influencias diversas . La figura femenina , sobre una mesa cubierta por un mantel de brocado, recibe una iluminación efectista, realzada por un sólido claroscuro , que denota el fervor caravaggista del pintor.

Éste , en efecto, se había formado en Roma junto a Ludovico Cigoli, y conocía la obra de diversos maestros de aquella tendencia, entre ellos Elsheimer, cuyo método de iluminación adoptaría en los temas de género .

Por otra parte, desde su establecimiento en Venecia , en 1621 , Fetti había trabajado en contacto con el genovés Strozzi y el germánico Johan Liss, por quienes también aparece influido este cuadro, que , en consecuencia, ha de corresponder a los tres últimos años de actividad. del pintor.

Dominante en esta composición es, sobre las anteriores, la influencia de Veronés , a la que responde el escorzo de la figura y el concepto del modelado . En el detalle se aprecia la técnica de pinceladas paralelas siempre de propósito efectista , con la que se han construído las formas , difuminados sus contornos en sombra para fundirlos con la atmósfera . 

También en este proceder se reconoce el profundo estudio de la pintura veneciana del siglo XVI, la admiración por Ticiano y Veronés , cuyos rasgos estilisticos caracterizan la pintura de Fetti es el realce lineal en claro de ciertos elementos que se hallan en la penumbra - lazo y sarta de perlas del lado derecho de la cabeza - con la cual consigue una trémula ilusión de realidad 

                                                                Mercedes Tamara
                                                                        29-09-2016



Bibliografia . Grandes Museos Edit Planeta