domingo, 25 de diciembre de 2016

LA BALSA DE LA MEDUSA THÉODORE GÉRICAULT

 LA BALSA DE LA MEDUSA 1891

La balsa de la Medusa
óleo sobre lienzo 491 x 716 cm
Museo del Louvre, Paris






Este cuadro "Balsa de la Medusa (1818), que se encuentra en el Museo Nacional del Louvre, se basa en un suceso real, el hundimiento del barco francés Medusa a causa de la negligencia de su capitán, vinculado al gobierno conservador, tardando los náufragos varios días en ser rescatados.


Esta obra llena de pasión y fuerza fue pintada por el abanderado del romanticismo francés Thédore Géricault ( 1791-1824 ) y en la actualidad se considera una afirmación de los principios del movimiento que propugnaban el realismo y la emoción.


La escena narra la historia auténtica del naufragio , además de la fragata del gobierno francés La Medusa. El capitán y los oficiales se reservaron los botes salvavidas y abandonaron en una balsa improvisada a unas ciento cincuenta personas , entre tripulación y pasajeros , que se hundieron en la desesperación , el salvajismo y el canibalismo 

Géricault se atrevió a mostrar este episodio sórdido de la historia contemporánea con un estilo que se asemeja a sus colosales obras heroícas del pasado .

Por un lado , en el cuadro se advierte una dosis macabra de realismo ya que el artista estudió diversos cadáveres para captar bien los detalles en que la pincelada extraordinariamente enérgica acentúa la sensación de arremolinamiento y garantiza la emoción. Por otra parte, los cuerpos y la composición en forma de pirámide son clásicos de su estilo 

Mercedes Tamara
25-12-2016

Bibliografia : Wikipedia 




jueves, 10 de noviembre de 2016

DOÑA ANTONIA ZÁRATE FRANCISCO DE GOYA


DOÑA ANTONIA ZÁRATE 1805-1806

Doña Antonia Zárate
óleo sobre lienzo 191 x 82 cm
Dublin, National Gallery of Ireland 







Antonia de Aguirre y Murguía nació en Barcelona en 1775, aunque sus apellidos delatan su ascendencia vasca. Hija del actor Pedro de Zárate Valdés, autor de una compañía que actuaba "en tierras de Aragón" en el tiempo en que ella nació. Casada con Bernardo Gil y Aguado, también cantante y actor cómico, juntos actuaron principalmente en Madrid, donde en 1796 nacería su hijo el escritor y pedagogo Antonio Gil y Zárate. Murió de tuberculosis. Del dato de que otorgara poder para testar a favor de Manuel García de la Prada, también único heredero testamentario, puede deducirse que se había separado de su marido.






La cantante era una famosa actriz, la hija de Pedro de Zárate Valdés, también actor. t. Se casó con el cantante Bernardo Gil y Aguado y su hijo Antonio Gil y Zárate se convertiría en un reconocido poeta y dramaturgo.






En el cuadro su vestido negro y la mantilla del cordón crean un contraste fuerte con el sofá amarillo en el cual ella se sienta.Su rostro muestra una gran serenidad y su porte es muy distinguido; denota que pertenece a una clase social alta por la elegancia de su vestimenta . En su mano sostiene un abanico y sus brazos están cubiertos con los guantes blancos, sedosos 




Su mirada es ligeramente melancólica, mientras que en su sonrisa aparece una pizca de ironía.. Esta pintura está entre un número de retratos femeninos hermosos que Goya ejecutó antes de la guerra de la península. admiró grandemente el teatro y sus protagonistas, y pintó muchos de sus retratos. Unos años más tarde, la señora Zárate se sentó para él otra vez, y ese retrato, en menor escala, se encuentra hoy en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.



Mercedes Tamara
10-11-2016


Bibliografia : Guía del Arte 
                       Wikipedia 
















martes, 4 de octubre de 2016

YACT ACERCÁNDOSE A LA COSTA WILLIAM MAILLORD TURNER

YACT ACERCÁNDOSE A LA COSTA 1828 
Yact acercándose a la costa
óleo sobre lienzo 71 , 1 x 13, 5 cm
Tate Gallery Londres




Cuadros como Yact acercándose a la costa habían de chocar a sus contemporáneos por la ruptura violenta con las normas pictóricas vigentes en su época , sorprendiendo ingratamente a la buena parte de la afición y críticos de los que recibió muchas descalificaciones y burlas , ignorando que años más tarde el pintor llegaría a alcanzar el punto más alto de su proceso creativo.


Su ideal , largamente perseguido era llegar a lograr esta dinámica del color que se sobrepone a las formas de la realidad . En estos cuadros de este momento, hay como un torbellino que desde el centro se expande a los bordes . Y los tonos se combinan en una fosforescencia que acentúa aquel movimiento centrífugo


Hay en todo ello una especie de palpitación atmosférica que no debe ser confundida con una anticipación del impresionismo .Los impresionistas eran , al fin y al cabo, realistas de un tipo especial.


Turner no pretende, como ellos harán más tarde , apresar la vibración de la luz en el aire y fijar el momento . No llega a la naturaleza, sino que parte de ella para manipularla , para transfigurarla en un sentido poético . Es un arte de color puro , que experimenta sobre la realidad para empujar a ésta hacía la abstracción.




En esta marina, las referencias de la realidad son las indispensables, expuestas de una manera sumaria aunque fiel, suficiente para que reconozcamos el lugar y su ambiente. Pero ya el pintor se entrega a la especulación sobre la luz, creando un centro de intensidad principal como foco de irisación hacia la periferia y dando preponderancia a la materia pictórica, hecha cromatismo puro.


Mercedes Tamara
4-10-2016

Bibliografia : Grandes Museos , Edit  Planeta 

jueves, 29 de septiembre de 2016

MUCHACHA DORMIDA DOMENICO FETTI

MUCHACHA DORMIDA 

Muchacha dormida
óleo sobre lienzo 68 x 74 cm
Museo Nacional de Bellas Artes Budapest


La Muchacha dormida  de Domenico Fetti es una obra en la que confluyen influencias diversas . La figura femenina , sobre una mesa cubierta por un mantel de brocado, recibe una iluminación efectista, realzada por un sólido claroscuro , que denota el fervor caravaggista del pintor.

Éste , en efecto, se había formado en Roma junto a Ludovico Cigoli, y conocía la obra de diversos maestros de aquella tendencia, entre ellos Elsheimer, cuyo método de iluminación adoptaría en los temas de género .

Por otra parte, desde su establecimiento en Venecia , en 1621 , Fetti había trabajado en contacto con el genovés Strozzi y el germánico Johan Liss, por quienes también aparece influido este cuadro, que , en consecuencia, ha de corresponder a los tres últimos años de actividad. del pintor.

Dominante en esta composición es, sobre las anteriores, la influencia de Veronés , a la que responde el escorzo de la figura y el concepto del modelado . En el detalle se aprecia la técnica de pinceladas paralelas siempre de propósito efectista , con la que se han construído las formas , difuminados sus contornos en sombra para fundirlos con la atmósfera . 

También en este proceder se reconoce el profundo estudio de la pintura veneciana del siglo XVI, la admiración por Ticiano y Veronés , cuyos rasgos estilisticos caracterizan la pintura de Fetti es el realce lineal en claro de ciertos elementos que se hallan en la penumbra - lazo y sarta de perlas del lado derecho de la cabeza - con la cual consigue una trémula ilusión de realidad 

                                                                Mercedes Tamara
                                                                        29-09-2016



Bibliografia . Grandes Museos Edit Planeta

martes, 20 de septiembre de 2016

EL CASTILLO DE CARNAVON JOSEPH MAILLORD TURNER


EL CASTILLO DE CARNAVON 1775-1781
El Castillo de Carnarvon  Óleo sobre tela, 90 x 140 cm.. Museo de Arte de Sao Paulo, Brasil.




El paisajismo inglés alcanza en la obra de Joseph Maillord Turner , el punto extremo de su evolución formal preludiando en muchos aspectos el impresionismo .

El Castillo de Carnarvon, corresponde a la etapa de madurez del artista y pone de manifiesto su interés prioritario por la expresión del espacio atmosférico en una dimensión personal , ilustrada por efectos luminosos de peculiar gravidez colorista.

Al observar la abstracción y dramatización de los fenómenos que se producen en el paisaje , debe tenerse en cuenta ya que la carrera de Turner se inició como dibujante topográfico y perspectivo junto a Thomas Malton , es decir, en un género artístico respecto al cual su producción posterior supone una violenta reacción . De este aprendizaje queda, sin embargo, una óptica determinada en la forma de situar los términos y las referencias espaciales . Pero , por encima de ello, prevalece un cuadro de hondo sentimiento romántico que le lleva a simbolizar las fuerzas de la naturaleza en trágicas masas de color agresivo y deslavazado. 



Mercedes Tamara 
20-09-2016

Bibliografia : Turner , Edic Taschen

domingo, 28 de agosto de 2016

ASEO PERSONAL AUTORRETRATO ZINAIDA YERGUÉNIEVNA SEREBRIAKOVA

ASEO PERSONAL AUTORRETRATO 1909

Aseo personal .Autorretrato
óleo sobre lienzo 76 x 65 cm
Galeria Tetriakov









Zinaída Yevguénievna Serebriakova (de soltera Lanceray
](en ruso, Зинаи́да Евге́ньевна Серебряко́ва, en ucraniano, Зінаїда Євгенівна Серебрякова; Neskuchnoye, 10 de diciembre de 1884-París, 19 de septiembre de 1967), fue la primera pintora de Rusia de distinción.

Los autorretratos de Zinaida Serebriakova se convirtieron en la parte más notable de su creación artística . Su educación en el mundo de la pintura no se debía sólo al aprendizaje de los estudios de los artistas rusos Ilya Repin y O Braz, sino también a la atmósfera reinante en su familia : el arte era la profesión de su padre , conocido escultor y sus hermanos pintor y arquitecto respectivamente , también sus amigos pertenecían al círculo de los maestros de la asociación " Mundo del arte " .

Este Autorretrato del año 1909 fue pintado en un soleado día de invierno , durante la estancia de Serebriakova en su aldea natal ,sin intención alguna de presentar el trabajo en una exposición.

El cuadro expresa la belleza de la propia artista durante la realización de su aseo personal Transmite una profunda sinceridad por la jubilosa belleza que posee la juventud , por la frescura y pureza de los colores . La escena tiene lugar en la habitación de la artista , en la cual podemos ver en primer plano un candelabro y una botella con colores difuminados que contrastan con la nitidez de la figura de la artista .

Como telón de fondo está la cama junto a una ventana cuyos postigos están cerrados y también tienen un color muy difuminado que muestran un gran deterioro y al otro lado del cuadro aparece una especie de tetera  Estamos ante una obra de gran simplicidad pero dotada de una gran frescura y belleza en la que se pone de relieve la maestría de la artista

Mercedes Tamara ( autora )
28-08-2016

Bibliografía : Wikipedia



domingo, 19 de junio de 2016

VIRGEN CON EL NIÑO SANDRO BOTTICELLI

VIRGEN CON EL NIÑO 1467
Virgen con el Niño
temple sobre tabla 71,6 x 51 cm
Aviñón, Museo du Petit Palais






Se sitúa probablemente entre las primeras obras del artista. Con esta obra parece ser que el artista inicia un ciclo dedicado a la Virgen y el Niño , en las cuales se inspiran muchas de las obras de Botticelli.


Aparece aquí bajo el arco , bajo el cual se colocaban las figuras, motivo que hallará más cumplida formulación en la Virgen con el Niño de París. Se observa la sorprendente mano , algo desproporcionada, con que la Virgen ofrece el seno para amamantar al Niño , que recuerda la influencia de Verrochio .


El tema iconográfico de María ofreciendo el seno a su Hijo tuvo enorme difusión y está relacionado con la reflexión teológica que se expresa en los temas esenciales , por un lado el que atañe a la encarnación de Dios , por otro lado el papel mediador de María , Bernardo de Claraval fue uno de los más ardientes paladines de la devoción a la humanidad de Cristo , que llevó a efecto su efecto su acción salvífica a través de su Madre. Desde un punto de vista estrictamente devocional, cuadros como éste tenían probablemente un destino doméstico y se inscribían en el ámbito de las referencias cultas a la maternidad y a la infancia.


Este cuadro está dotado de una elegancia acentuada por el arco que delimita la escena dando así relevancia a la figura de la Virgen y el Niño Destaca la belleza de la gama de colores : el vestido rosado y la túnica celeste que envuelve en delicados pliegues a la figura del Niño
vestido de un blanco radiante y luminoso




                                  Mercedes Tamara ( autora )
                                         19-06-2016




Bibliografia: Botticelli, Edit Biblioteca el Mundo



lunes, 16 de mayo de 2016

LA DUQUESA DE ALBA DE NEGRO FRANCISCO DE GOYA

LA DUQUESA DE ALBA DE NEGRO 1797
La duquesa de Alba de negro
óleo sobre lienzo 210 x 149 cm
Nueva York, The Hispanic Society of America









Goya pintó a la Duquesa con traje y mantilla negra , sobre una blusa dorada y una banda roja , que le rodea la cintura . Goya quiere convencer a los observadores de que nunca antes se habían pintado con mayor virtuosismo los efectos del color , sobre todo los matices del negro . Las pinceladas de los ribetes de ganchillo de la mantilla parecen como si estuvieran hechas tempestuosamente La duquesa de Alba aparece de pie , mirando fijamente al observador, quien en primer lugar es el propio Goya . Se apoya con un brazo en la cadera , mientras que con el otro señala al suelo , donde la firma de Goya aparece escrita sobre la arena . La relación entre los dos se refuerza con los anillos que lleva la Duquesa , en cada uno de los cuales aparece un nombre " Alba y Goya " .

Con estos nombres , Goya abre un juego de doble significado , sabe que su amor , aunque solo sea por las diferencias sociales , no tiene futuro y no tendrá duración. La confesión en imágenes de la Duquesa - Sólo Goya aparece como si con ella hubiera ubicado el cuadro , que el pintor autentifica con la fecha . A pesar de que el viento se puede llevar el escrito sobre la arena, la pintura le da continuidad como queda sellado con los anillos.


Mercedes Tamara ( autora )
16-05-2016