sábado, 1 de junio de 2013

EL CARRO DE HENO DE JOHN CONSTABLE

EL CARRO DE HENO 1821
El carro de heno
óleo sobre lienzo 130,2 x 185,4 cm
National Gallery Londres


John Constable ( 1776-1837 ) es uno de los mejores pintores del paisaje inglés, renovó el género con libertad e inventiva . Subestimado en Gran Bretaña , su trabajo influyó en los pintores franceses más destacados de su tiempo y, a través de ellos, los impresionistas .Se crió en Suftolk ( Inglaterra ) y desde muy pronto manifestó su  pasión por el paisaje local . Principalmente autodidacta, no asistió a las escuelas de  la Royal Academy de Londres hasta bien cumplidos los veinte años . La obra temprana de Constable estaba influida por Gainsborough y los paisajistas holandeses del siglo XVII , pero no tardó en desarrollar un estilo propio y original  de pincelada vigorosa que capta los efectos de la luz y el clima. A los críticos sus pinturas les parecían inacabadas , y no podían entender su pasión por pintar el paisaje natural en una época en que estaban de moda los temas clásicos . A partir  de 1821 Constable vivió y trabajó en Londres, pero, pasó mucho tiempo pintando  en Suftolk, hoy apodado " Constable country ". También pintó el parque de Hampstead y la catedral de Salisbury . En 1829 , finalmente , fue nombrado miembro  de la Royal Academy.



El carro de heno es un espacioso cuadro que evoca un día de verano en el campo inglés . Se trata del lugar en que el artista , John Constable , jugaba de niño .El  paisaje , con el carro atravesando el río poco profundo , parece de lo más convencional , pero cuando la obra se expuso por primera vez en Londres en 1821, supuso una ruptura radical tanto por el tema como por la técnica y no fue tomada
en serio. No obstante, unos tres meses más tarde, en París, fue recibida de modo  más favorable : obtuvo una medalla de oro, y su tema poco pretencioso y su  pincelada suelta fueron muy elogiados por los pintores franceses.
 

Para Constable , el mundo natural-sobre todo el paisaje exuberante y fértil de Suftolk- era una fuente de inspiración que le afectaba profundamente , e intentó comunicar su respuesta personal ante la naturaleza a través de sus cuadros, que constituían una novedad por representar el paisaje cotidiano inglés a gran escala . En cuanto a su técnica , su pincelada expresiva fue incomprendida y criticada por excesivamente suelta . En El carro de heno , el pintor quiso transmitir el movimiento, la vitalidad y la luz que veía en este hermoso tramo del río Stour , el entorno de su niñez. El cielo, en particular , da una realista sensación de profundidad con las nubes hinchadas, cuyos cambiantes patrones quedan reflejados en la superficie tanto de los campos como del río, y confieren ritmo y movimiento a la escena .Las pequeñas manchas blancas, marrones y rojas en el campo lejano bajo la línea de los árboles representan a labriegos segando el heno con hoces. También se ve otro carro bien cargado de heno recién cortado. Las luces y las sombras que se aprecian sobre la superficie del campo reproducen las formas cambiantes de las nubes en el cielo





Joh Constable trabajaba despacio, y sus preparativos para los grandes paisajes como El carro de heno eran minuciosos. Llenó muchos cuadernos con esbozos hechos al aire libre en el valle de Stour. Después, en su taller londinense, realizaba un esbozo al óleo de tamaño natural para trabajar en la composición , un método  de trabajo inusual . El esbozo al óleo para El carro de heno se encuentra en la colección de Victoria and Albert Museum de Londres
Mercedes Tamara 
1 -junio 2013


Bibliografía : El Greco El pintor humanista : Obras completas Edic Libsa

viernes, 31 de mayo de 2013

LA CAZA EN EL BOSQUE PAOLO UCCELLO

LA CAZA EN EL BOSQUE 1470

La caza en el bosque
temple y óleo sobre tabla 73,3 x 177 cm
Ahsmolean , Oxford ( Reino Unido )

 






Paolo Uccello ( 1397 -1475 ) nació en Florencia , fue apodado Uccello ( pájaro en  italiano ) por su amor a las aves y otros animales . Se formó en el taller del escultor florentino Lorenzo Ghibert. Es difícil establecer la cronología de su carrera, pero en los documentos conservados consta que en 1425 fue invitado a Venecia para trabajar en el diseño de los mosaícos para la basílica de San Marcos. En Florencia trabajó en La creación de los animales y La creación de Adán y Eva , un fresco en uno de los claustros de la iglesia de Santa María de Novella , y más adelante realizó otros dos. También diseñó vidrieras para la catedral de Florencia de las cuales se conservan dos ; La caza en el bosque , los tres paneles que componen  La batalla de San Romano y San Jorge y el dragón son quizás sus obras más famosas.





La caza en el bosque en esta impresionante panorámica Paolo Uccello exhibe su dominio de la nueva técnica de la perspectiva , en la que el tamaño de los objetos y las figuras disminuyen con la distancia creando la ilusión de espacio y profundidad . Jinetes, caballos y cazadores, al galope o corriendo junto a sus perros, se dirigen hacía el centro del cuadro, donde un grupo de venados se interna en el bosque ; todas las líneas convergen en este punto de fuga central .



Uccello emplea hábilmente la perspectiva para evocar la emoción de la persecución y atraernos hacía la oscuridad del bosque tras los cazadores y los perros que desaparecen con rapidez entre los árboles. El vivo bermellón de los tocados y las chaquetas de los cazadores, las calzas de los bastidores y los arneses de los caballos destaca dramáticamente sobre el verdor de la hierba y el follaje y la  oscuridad del fondo, dotando a la composición de una fuerte cualidad decorativa.Todos los cazadores de la pintura tienen rostros similares ,aunque varían las posturas y algunos parecen dar voces, todos tienen los mismos rasgos faciales. La mayoría de los cazadores aparecen de perfil , lo cual resalta el parecido entre ellos. Esta redundancia, junto con el insistente uso del rojo vivo en la ropa y los tocados , dota a la escena de una uniformidad que refuerza su atmósfera de un mundo imaginario.



Las estlizadas formas de los venados son , a primera vista , similares a la de los perros. Al compararlos , sin embargo, se ve que los perros están corriendo, mientras los venados saltan. Por estlizado y decorativo que sea el tratamiento, cuando se observa de cerca esta obra queda clara la habilidad de Uccello para representar con gran realismo la forma de los animales. En medio del cielo azul oscuro entre las copas de los árboles centrales se vislumbra apenas una tenue  luna. La media luna es un símbolo de Diana , la diosa romana de la caza

 

El significado de La caza en el bosque no resulta evidente . La estilización del entorno y los motivos simbólicos dan a la obra de Ucello una aire fastuoso que  hace pensar en una fantasía caballeresca más que una representación realista. Algunos estudiosos han interpretado como una alegoría de la búsqueda del  amor. Dicha búsqueda , que puede llevar a la oscuridad de un territorio desconocido, podría quedar representada simbólicamente por la caza , y la obra habría sido un regalo de boda, quizá destinado a la cabecera de una gran cama.  Existe una explicación alternativa para la obra de Uccello según la cual puede tratarse tan solo de un encargo de un noble sofisticado que deseaba decorar el interior de una gran estancia con una escena original de un artista contemporáneo.
 
Mercedes Tamara 
31 -mayo-2013


Bibliografía :Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

jueves, 30 de mayo de 2013

GRAN MATA DE HIERBA ALBERTO DURERO

GRAN MATA DE HIERBA 1503
Gran mata de hierba
Acuarela , pluma y tinta sobre papel 40,8 x 31,5 cm
Albertina Viena ( Austria)








Alberto Durero fue sin duda el más grande de todos los pintores alemanes . Fue un brillante dibujante , grabador y pintor del Renacimiento nórdico Su trabajo se caracteriza sobre todo por la precisión y la intuición.




Hijo de un maestro orfebre, Alberto Durero nació en Nuremberg, importante centro de actividad artística y comercial en los siglos XV y XVI . Fue aprendiz en el taller de  xilografía de Michael Wolgemut y después viajó como oficial realizando granados y acuarelas. Visitó Italia en dos ocasiones y se vio muy influido por el arte y las ideas renacentistas italianas . De vuelta en Nuremberg Durero revolucionó el arte del grabado . Realizó varias series de xilografías de tema religioso, estudió el desnudo  y publicó varias obras sobre las proporciones del cuerpo humano y la perspectiva. Fue pintor de la corte de los emperadores Maximiliam I y Carlos V . Además fue el pintor que se autorretrató



Gran mata de hierba es una exquisita representación de una simple mata de un prado es de una precisión casi fotográfica . Pintada hace más de quinientos años , es uno  de los primeros grandes estudios de la naturaleza. Durero nos ofrece aquí la perspectiva de la naturaleza que tiene un insecto , recreando la enmarañada vegetación con tal claridad que se puede identificar cada planta ( podría decirse que  la obra constituye uno de los primeros estudios europeos sobre la biodiversidad.




Gran mata de hierba es una obra maestra del arte ; pero, como su contemporáneo  italiano Leonardo da Vinci , Durero realizó sus estudios en la naturaleza ante todo para ampliar su conocimiento del mundo natural y de cara al detalle de sus grabados, como La caída del hombre ( 1504 ) y sus cuadros de gran tamaño como La fiesta del Rosario ( 1506 )



Durero usó aquí la acuarela lo que le permitió trabajar relativamente rápido y concentrarse en los colores y las texturas de las plantas. A diferencia del óleo, que Durero empleó en sus obras mayores, la acuarela permite mezclar fácil e instantáneamente tonos sutiles y aplicar una capa sobre otra sin tener que esperar
mucho a que se sequen. Durero mezcló los distintos tonos de verde con gran  exactitud , tanto para diferenciar unas plantas de otras como para dotar de profundidad a la composición. Las hojas carnosas de un llantén destacan entre las hierbas. Durero emplea pinceladas finas y secas de un verde más oscuro para modelar la forma de las hojas para resaltar los nervios y los bordes de las hojas



Mercedes Tamara
30 -mayo-2013


Bibliografía : Durero , Edit Biblioteca El Mundo

miércoles, 29 de mayo de 2013

JUDITH Y HOLOFERNES DE ARTEMISIA GENTILESCHI

JUDITH Y HOLOFERNES 1612-1613
Judith y Holofernes
óleo sobre lienzo 199 x 162, 5 cm
Museo di Capodimonti  Nápoles


Artemisia Gentileschi  ( 1597-1651 ) se formó con su padre y recibió clases del 
pintor de marinas Agostino Tassi. Este cuadro en su segunda versión del episodio 
del Antiguo Testamento en que Judith emborracha al general asirio Holofernes que 
estaba asediando su ciudad Betulia y le corta la cabeza .

Después Judith y su criada vuelven a Betulia con la cabeza de Holofernes. Gentileschi aborda el tema de una manera que sorprende por su novedad y crudeza. 
A pesar de la influencia de Caravaggio está interpretación queda muy lejos de su 
plácida visión del tema. El remolino de brazos que se acercan o se apartan de la cabeza convierten a esta última en el foco ineludible de un semicírculo de acción 
brillantemente iluminada .

Según la Biblia , la cabeza fue cortada con dos cuchillos , proeza de la que parece 
muy capaz esta Judith tan musculosa . El preciosismo de los vestidos y las pieles 
da la medida de la habilidad de la pintora. Algunos textos y películas recientes  
relacionan el cuadro con la biografía de 
Gentileschi y adivinan en la obra un deseo 
de venganza por haber sido violada por Tassi y por la tortura del juicio posterior.

Esto tiende a eclipsar el mérito real de la pintora como primera artista aceptada en la 
Academia de Dibujo de Florencia y una de las primeras que pintó temas históricos 
y religiosos, que entonces se consideraban fuera del alcance de las mujeres. En vida 
 
Gentileschi fue muy respetada por sus clientes y sus colegas, pero a su muerte 
aparecieron textos que hacían más referencia a su fama que a su talento. Solo en los 
últimos tiempos se le ha reconocido su gran valía.


Mercedes Tamara Lempicka 
29 -mayo- 2013

lunes, 27 de mayo de 2013

LA SEPARACIÓN DE LA LUZ Y LAS TINIEBLAS MIGUEL ANGEL



LA SEPARACIÓN DE LA LUZ Y LAS TINIEBLAS 1511


La separación de la luz y las tinieblas
Fresco 180 x 260 cm
Vaticano, Capilla Sixtina

 



Es el principio del libro del Génesis pero la última escena pintada por Miguel Angel en la franja central ; concluye el camino al revés en el tiempo desde la dispersión de la estirpe de Noe hasta el primer día de la Creación. La separación de la luz y las tinieblas es el acto inicial del universo , pero también, en la concepción neoplatónica , el inicio de la eterna lucha entre el bien y el mal. La figura de Dios ocupa casi toda la composición y en parte se queda fuera , como para expresar que antes de ese acto existía solo la infinita corporeidad de Dios, que en las escenas  siguiente se va haciendo cada vez más pequeña.





En la nube gaseosa de lo indiferenciado se sumergen las manos del Padre Eterno, que, abriendo los brazos , en la simultaneidad del pensamiento y de acción ( "Dios dijo "hágase la luz " y la luz se hizo) realiza la separación de masas claras y oscuras. La figura se atornilla sobre si misma como impulsando la cabeza hacía  delante para situarse solamente en el reino de la luz, dejando las tinieblas a los  demonios rebeldes . El cuerpo, de poderosa musculatura, está envainado en la túnica rosa , que se infla alrededor del talle y se difumina progresivamente en  la nube. La cabeza está en escorzo desde abajo, en la misma postura que hay  que adoptar para contemplar la bóveda : el punto de vista del espectador se identifica con el de Dios y nos vemos arrastrados por el milagro de la existencia universal.





Pero la postura del Creador es también la misma que mantuvo Miguel Angel durante cuatro años que, según cuentan las fuentes, hasta que acabó la obra se vio obligado a leer libros o cartas sujetándolos en alto. El acto creador de  Dios es el mismo del artista: las dos con los brazos levantados hacia la´ bóveda, ya de la Capilla ya del universo, da forma a la idea que está en la mente de ambos, plasman la imagen según el principio que es la raíz supraterrena de todos las corrompidas formas terrenales.



Mercedes Tamara 
27 -mayo-2013


Bibliografía : Miguel Angel, Edit Biblioteca El Mundo