sábado, 11 de enero de 2014

NATIVIDAD MÍSTICA ALESSANDRO BOTTICELLI

NATIVIDAD MÍSTICA 1501
Natividad mística
temple sobre tabla 108,5 x 73 cm
Londres, National Gallery

Es la única obra firmada y fechada , dentro de la larga inscripción en griego de la parte de arriba de la tabla . El texto es oscuro ; la traducción habría de entenderse así : " Este cuadro de finales del año 1500, durante las turbulencias de Italia, yo, Alessandro , lo pinté en el tiempo medio , después del tiempo , según el XI de san Juan en el segundo dolor de la Apocalipsis , en la liberación de los tres años y medio del Diablo ; después será encadenado en el XII y lo veremos precipitado como en el presente cuadro " .
La inscripción se ha interpretado de diversas maneras, especialmente la referencias a las " turbulencias de Italia " , según algunos alusión a la situación tras la muerte de Lorenzo el Magnífico , o a la invasión francesa, o acaso a las mabiciones expansionistas de Cesar Borgia. La cita del Apocalipsis , al parecer guarda relación con el difícil momento por el que pasaba Florencia y con el presagio de nuevas desventuras que se podrían abatir sobre la ciudad.
En este sentido la visionaria perspectiva apocalíptica se puede reconocer un eco de la predicción de Savanarola ; de este modo se explica el tono arcaíco de la composición y la presencia de los tres ángeles sobre el tejado de la cabaña, que contiene una reminiscencia de las predicaciones del fraile en torno a la Natividad, en las cuales la Virgen, adorante, estaba acompañada por tres muchachas que personificaban la Gracia, la Verdad y la Justicia . El mismo valor alegórico se podrá distinguir en las diferentes proporciones utilizadas para los demonios y para los ángeles abrazados a los hombres, proporciones en cuya reducción Botticelli ha querido tal vez indicar la oportunidad de retorno a los valores más simples de la fe.
Mercedes Tamara
11-01-2014


Bibliografía : Sandro Botticelli , Edit Biblioteca El Mundo

viernes, 10 de enero de 2014

DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ PIETER PAUL RUBENS

DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ 1611-1614
Descendimiento de la cruz
óleo sobre madera 421 x 464 cm
Catedral Nuestra Señora de Amberes

En 1611 , el gremio de arcabuceros de Amberes encargó a Pieter Paul Rubens ( 1577- 1640) este tríptico para su altar en la catedral. Al frente del gremio estaba el burgomaestre Nicolas Rockox, amigo íntimo de Rubens , cuyo retrato aparece en el panel derecho del retablo . Rubens empezó a pintarlo a su regreso de una larga estancia en Italia. El resultado es que el retablo refleja lo mucho que aprendió durante su viaje, desde la riqueza del color veneciano hasta el dramatismo de la iluminación de Caravaggio, pasando por la perfección muscular de la escultura clásica.
En el panel central , un grupo extraordinario de figuras entrelazadas se organiza alrededor del cuerpo laxo , sin vida de Cristo. La composición en diagonal de un dinamismo impresionante , sigue el movimiento del cuerpo pálido pero musculoso de Jesús al ser bajado de la cruz ( desde la figura de Nicodemo, que aguantan el sudario con los dientes en la esquina superior derecha , hasta las tres Marías , cuyos brazos extendidos dibujan un triángulo en la parte inferior izquierda) .
La actividad de las figuras solo es un aspecto de su implicación extensiva al dolor y la emoción del momento. Las escenas de los laterales no forman un continuo con la composición del panel central , pero están ligadas a ella iconográficamente. El santo patrono de los arcabuceros era san Cristóbal , cuyo nombre en griego signifiva " portada de Cristo " y que aparece en uno de los paneles exteriores del retablo . Las tres escenas -el Descendimiento ( centro ) la Visitación ( izquierda ) y la Presentación en el Templo ( derecha ) representan episodios de apoyo físico a Cristo 
Mercedes Tamara
10-enero-2014


Bibliografia :Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

jueves, 9 de enero de 2014

LA FAMILIA DE CARLOS IV GOYA

LA FAMILIA DE CARLOS IV 1800-1803
La familia de Carlos IV
Óleo sobre lienzo 280x 336 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado




Una de las obras más célebres y verdaderamente " definitivas " de Goya, con la cual el artista estaba poniendo fin a su relación como pintor de corte. Sabemos que, en abril de 1800, el rey había expresado el deseo de que se hiciera un retrato de familia. En consecuencia, Goya se trasladó a Aranjuez , donde residian los soberanos en aquella época del año, con los lienzos y todo el material para trazar estudios de las fisonomías individuales que luego habrían de componer el retrato de grupo.


Realizó dos estudios de miembros de la familia, si bien el gran lienzo incluía trece figuras, más el pintor. La extensísima literatura crítica ha abordado sobre todo dos cuetiones: la relación con Las Meninas de Velázquez y el oculto propósito expresivo de Goya. De la obra de Velázquez hereda Goya el autorretrato en el margen izquierdo, la presencia de cuadros en las paredes, la posición central del personaje femenino . Por el contrario, renuncia al complicado juego de espejos, perspectivas y puertas que se abren a otras estancias; en lugar de esta compenetración de espacios. Goya levanta un muro frontal que aplana el espacio como un telón. Pero delante se mueven las sombras, crean manchas, se arrastran, lamen la orla de las faldas y se deslizan pegadas a las paredes.


Según algunos críticos , Goya ha puesto un espejo delante del grupo y lo está retratando en el espejo ; esto explicaría tal vez por qué se encuentra detrás de ellos y por qué todas las miradas se dirigen fijas a una distancia intermedia, levemente enajenante. En el siglo XIX, Théophile Gautier vio el cuadro en el Prado e intuyó por primera vez su carga satírica. Lo que hoy nos resulta evidente no debía de serlo en el momento en el que pintó la obra , como testimonían los apreciativos comentarios sobre la labor del pintor en las cartas que se cruzan entre la reina y su amante Manuel Godoy.


Mercedes Tamara
9-01-2014


Bibliografía : Goya , Edit Biblioteca El Mundo


miércoles, 8 de enero de 2014

JASON WILLIAM M TURNER


JASÓN 1802
Jason
óleo sobre lienzo 90x 119, 5 cm
Londres, Tate Gallery





La obra , que forma parte del legado de Turner de 1856, fue trasladada a la Tate Gallery en 1910. Presentada en la Royal Academia en 1808, fue expuesta de nuevo en la British Institution, junto con La batalla de Trafalgar . En esta segunda ocasión , el lienzo tuvo una acogida favorable ; el crítico de la Review of Publication of Art, probablemente John Landseer escribió : " Una escena de románticas y misteriosas soledades . Los dos lienzos de Turner , auténticas poesías, revelan el enorme poder que ejerce sobre la imaginación de los lectores" . El uso del término " lectores " por parte del crítico justifica por la evidente derivación literaria de la obra , para la cual Turner se inspiró probablemente en Los argonautas , de Apolonio de Rodas , traducido al inglés en 1792.




El dragón con el que combate Jasón está representado , en efecto, como una serpiente, de acuerdo con la versión inglesa del poema, y muestra muchas afinidades con otra tela suya realizada algunos años después , Apolo y Pitón( 1805-181 1 ) para la cual Turner ejecutó numerosos bocetos. Además de la fuente literaria , el artista fue asimismo influido probablemente por el cuadro de Philip James de Louherbourg titulado Jasón lanzando el encantamiento sobre el dragón, actualmente en la colección Bryan.




En los cuadernos de trabajo de Turner se pueden rastrear diversas " ideas " relacionadas con las obras , amén de los bocetos del álbum " Jasón " de alrededor de 1801 , en el álbum " Muelle de Calais " se encuentra un estudio del personaje de Jasón

Mercedes Tamara
8- enero- 2014



Bibliografía : Turner, Edit Biblioteca El Mundo

martes, 7 de enero de 2014

EL ASTRÓNOMO JAN VERMEER

EL ASTRÓNOMO 1668
El astrónomo
óleo sobre lienzo 50 x 45 cm

París , Museo del Louvre







Hay noticias del cuadro desde el siglo XVIII; hasta finales del siglo circuló por el mercado juntamente con el que a todas luces parece su pendant . El geógrafo. Los dos cuadros tienen protagonistas masculinos , hecho único en la obra de Vermeer; se trata de dos científicos en medio de los instrumentos de su actividad.
Estas características inhabituales en un artista que gustaba de pintar figuras femeninas ocupadas en sencillas actividades cotidianas , hacen suponer la existencia de un comitente específicamente interesado en este tipo de asuntos.



Se ha supuesto también que pudiera tratarse de dos retratos de una misma persona , a la que habría que buscar entre los intelectuales holandeses de la época. La hipótesis de que se trate del célebre científico Amhonij van Leuwenhoeck que se piensa tendría con el pintor una relación de amistad , es muy sugestiva pero no la avalan documentos seguros .





La escena se construye según las modalidades típicas de de los retratos de intelectuales . Se muestra al astrónomo en su estudio; en torno suyo están los instrumentos de los que se sirve : un gráfico, un astrolabio y un compás. El estudioso está sentado a una mesa en la cual hay un globo celeste que reproduce con extraordinaria fidelidad el diseñado por Joduci¡us Hondius en 1600. En la escena , el protagonista se está levantando de la silla y hace girar la esfera , como para buscar o comprobar algo. Este gesto inmediato y natural confiere a la obra el mismo carácter narrativo de Criada entregando una carta a su señora . Los posibles significados simbólicos aventurados por la crítica se aclaran mejor si se analizan a la luz de la relación con el Geógrafo. Después de La Alcahueta de 1656, este cuadro es el único fechado de la producción segura de Vermeer , aunque la autenticidad de la inscripción que aparece en el armario ha sido puesta en duda . El astrónomo sigue siendo de todos modos un punto de referencia fundamental para reconstruir la evolución estilística del artista

Mercedes Tamara
7 -enero-2014





Bibliografia : Vermeer, Edit Biblioteca El Mundo