sábado, 15 de diciembre de 2012

NOCTURNO AZUL Y PLATA ( CHELSEA ) JAMES NC NEILL WHISTLER

NOCTURNO AZUL Y PLATA ( CHELSEA ) 1971

                         
Nocturno azul y plata ( Chelsea )
óleo sobre tabla 50 x 61 cm
Tate Colecction Londres







Esta pintura se llamó originariamente Armonía con luz de luna verdeazulada ,pero en 1872,  Frederic .R. Leyland , naviero y mecenas sugirió el nombre de Nocturno para la serie de visitas del río Támesis que pintó James McNeill Whistler ( 1834-1903) Whistler se sintió atraído de  inmediato por este título alternativo porque implicaba que una pintura podría aspirar a causar  el mismo efecto que la música ( un nocturno de una pieza musical de recogimiento indicada para la noche ) . Es más el título correspondía a la suprema preocupación de Whistler por que el arte fuera necesariamente autónomo : una fuerza dirigida por una lógica interna y un ímpulso propio.




Nocturno azul y plata ( Chelsea ) es el primer estudio de una serie de nocturnos de Wistler y representa una vista del Támesis desde Batersea , mirando hacía Chelsea. Cuando en 1871 se expuso por primera vez en en la Dudley Gallery con su título original tuvo una gélida acogida. Uno de los principales reparos fue que la pintura parecía inacabada . Aunque  Whistler no sería el único artista acusado de dejar incompletas sus telas : la obra de madurez de J. M. Turner y la obra tardía de Paul Cézanne fueron objetos de críticas parecidas.




Es cierto que Whistler reduce la escena a tan solo un puñado de elementos básicos, pero la economía que sustenta esta " impresión " contradice la destreza de la pincelada y la depurada sensibilidad del autor para captar el dominio de la luz con los medios más simples , Whistler logra plasmar una visión de Londres que es lírica, nostálgica, efímera y absolutamente personal

                                              Mercedes Tamara 
                                                15-12-2012


Bibliografía :1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo





                                                  
               

viernes, 14 de diciembre de 2012

MUJER EN UN PÁRAMO DE ALPHONSE MUCHA

MUJER EN UN PÁRAMO 1923
(
Mujer en un páramo
óleo sobre lienzo 201,5 x 299,5 cm
Museo Mucha , Praga



A finales del siglo XIX, el checo Alphonse Mucha ( 1860-1939 ) se trasladó a París y no tardó en verse desbordado de trabajo, además de pinturas , realizó carteles, anuncios e ilustraciones de libros, diseños para joyería , alfombra , papel pintado y decorados para el teatro.


En 1894 , la famosa actriz Sara Bernhardt, ensalzó uno de sus carteles y a partir de ahí, el éxito empezó a sonreirle . Sus obras representan hermosas jóvenes con vestidos ondulantes que, a menudo, aparecen rodeadas de flores. La tela Mujer en el páramo fue el resultado de cuatro estudios preparatorios . Una campesina rusa levanta la mirada al cielo , desesperada al adivinar su suerte . Está sola, en una paraje desolado e iluminado por una única estrella, salvo por la presencia de una manada de lobos que se cierne sobre ella.


Conocida también con el nombre de Estrella y Siberia la pintura expresa las simpatías de Mucha por el pueblo ruso . El lienzo nació como reacción frente a los sufrimientos de los rusos tras la revolución bolchevique, cuando la subsiguiente guerra civil de 1918 a 1920, provocó que muchos campesinos murieran de hambre . Mucha había viajado a Rusía en 1913 con el propósito de tomar unas notas preliminares para su proyecto La épica eslava (una crónica de los acontecimientos más relevantes de la nación eslava ).


Aunque seguía ganándose la vida con el estilo gráfico que respondía a su rúbrica, este lienzo penetrante y atmosférico muestra la capacidad de Mucha para comunicarse con el mundo en el plano más emotivo






Mercedes Tamara
14 -12-2012

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo



miércoles, 12 de diciembre de 2012

EL COLUMPIO DE NICOLAS LANCRET

EL COLUMPIO 1735

El Columpio
óleo sobre lienzo 70x 89 cm
Londres, Victoria and Albert Museum



Lancret aprendió , en primer lugar, las técnicas del grabado y del dibujo . A los 17 años empezó  a colaborar con Pierre Dublin , pintor histórico , pero este género nunca le reportaría el reconocimiento merecido . Tampoco logró obtener el Premio de Roma, que tanto deseaba ,de  modo que abandonó la pintura histórica para entrar en el taller de Guillot que también había  sido maestro de Watteau.


En 1718 fue admitido en la Academia con dos paisajes. El influjo de Watteau con el que pronto se enemistaría , fue evidente y decisivo desde los comienzos . Tras un nuevo intento fallido en el campo de la pintura histórica en 1723/ 1724 , Lancret se dedicó a pintar idilios campestres , escenas pastorales y fiestas galantes . Con cuadros como El columpio ,se convirtió en mediador entre Watteau y Fragonard , aunque nunca consiguió alcanzar su calidad poética y pictórica. Lancret también ilustró Las Fábulas de La Fontaine , continuando así la obra de Pater . Si  exceptuamos la Caza del tigre ( Amiens, Musée de Picardie ) y sus retratos, Lancret permaneció siempre fiel al estilo de Watteau.






La Tierra , 1736



Junto con Jean Baptiste Pater, Lancret está considerado como el representante más importante entre los numerosos seguidores de Watteau; generalmente,éstos tomaron algunos motivos aislados de sus fêtes galantes para hacer de ellas el tema de sus cuadros . Esta era una de las tendencias características del rococó: la inclinación por lo pequeño e intimista . Em el Columpio Lancret adopta un motivo muy extendido , que no sñolo se encuentra en Fragonard, Boucher y Pates, sino también en otros pintores menos importantes. Aquí se pone de manifiesto qué es lo que hace del columpio uno de los asuntos favoritos.


No se trata del aspecto erótico, que proporciona un " instante de placer " al permitir una mirada por debajo de las faldas de una mujer, sino también el hecho de que el columpio es símbolo del ámbito intermedio , que no pertenece ni a la tierra ni al aire, no se hace tangible ni en su pertenencia a un elemento ni en un lugar preciso. Por su balanceo se escapa al contacto físico que provoca . La coquetería , la intensidad que permite la libertad, el filtreo sin compromiso alguno, encuentran en la cuerda con la que el galante caballero pone en movimiento el columpio, si no en un símbolo, si al menos una alusión evidente.



Mercedes Tamara
12-12-2012


Bibliografía : El Rococó, Edic Taschen

lunes, 10 de diciembre de 2012

EL SUEÑO DEL CABALLERO RICHARD MAUCH

EL SUEÑO DEL CABALLERO 1902
El sueño del caballero
óleo sobre lienzo
Colección particular







Un caballero montado se abre camino a través de un paisaje onírico y erótico plagado de ninfas desnudas que retozan en un marco natural . En muchos aspectos , el retratista Richardv Mauch ( 1874-1921 ) nacido en Australia, creó un cuadro clásico del " arte nouveau " , en el que combina mitología romántica medieval , fantasía, motivos naturales y cierta sensualidad
decadente.



En la época que Mauch pintó esta obra, estaba muy relacionado con el art nouveau de Alemanía y Austria, en particular con la Secesión de Múnich , que se apartó de la corriente mayoritaria del arte mundial y abrió el camino para el movimiento Jugendstilt, muy influyente. Al contrario que la Visión de un caballero de Rafael ( 1504 ) en el cual un caballero dormido sueña con elegir entre virtud y placer , el caballero de Mauch, como los artistas librepensadores con los cuales se relacionaba, da la impresión de romper con es arte del pasado y su temática tradicional.



El caballero se abre paso sin vacilar por un sendero sembrado de flores , en dirección a una doncella desnuda , cuya pose sugiere una bienvenida sin ambigüedades. La inminente relación está subrayada por el rojo de su capa ( simbólicamente abierta ) un eco de la indumentaria roja del caballero. Las suaves pinceladas del artista transmiten la sensación de estar en un sueño . Las pinturas eróticas de Mauch fueron consideradas como escandalosas en su época , pero le situaron en un estado de ánimo de su tiempo, junto a artistas contemporáneos como el austriaco
Gustav Klimt, cuyo amor por las formas y el desnudo
femenino causaron gran sensación.



Mercedes Tamara
10-12-2012




Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo


domingo, 9 de diciembre de 2012

HERRADOR MARROQUÍ MARIANO FORTUNY

HERRADOR MARROQUÍ 1870
Herrador marroquí
óleo sobre lienzo 47 x 65 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña









Adquirida por la Junta de Museos a la Casa Jacobi de París en el año 1922, Herrador marroquí forma parte de la trilogía de pinturas ingresadas en el Museo de Barcelona ese mismo año. Igual que en Paisaje en Granada y Busto de hombre , en el caso de la pintura comentada también se puede advertir la inclusión de estampilla " Fortuny " en la parte inferior de la tela .No obstante, tampoco se encuentra ninguna referencia escrita que consigne su presencia entre las obras existentes en el taller del pintor en el momento de su muerte.




Al referirse a las primeras producciones de temática orientalística , Attilio Simonetti juzgo la  obra estudiada como la más importante de todas las realizadas en esta etapa creativa . Sin entrar a valorar el mayor o menor acierto del juicio artístico del pintor italiano, si que conviene recordar , tal y como ya mencionó el propio Simonetti , que Fortuny versionó el mismo motivo pictórico en dos composiciones distintas, una de las cuales regaló " a un suo amico spanolo , credo si chiami Sanz " . A pesar de la evidente laguna memorística , la mención al pintor  Francesc Sans Cabot, no admite interpretaciones equívocas , dado que existen pruebas documentales que confirman que Sanz tuvo la propiedad de una de las dos citadas versiones y que inicialmente tenía la voluntad testamentaria de legar la composición al Museo del Prado, aunque finalmente, por circunstancias que ignoramos , no llegó a ingresar en la pinacoteca madrileña y en fecha desconocida pasó a formar parte de la colección Gustavo Bauer de Madrid.





Herrador marroquí de Mariano Fortuny es de una factura muy libre. Determinados aspectos , entre los podemos mencionar la luminosidad de la obra o el abierto naturalismo que transmite toda la composición , evidenciado en el ramaje del árbol que sobresale por encima de la tapia, contribuyen a sugerir que el cuadro fue realizado en una fecha más tardía próxima a la época de la actividad granadina . Habrá que esperar nuevas aportaciones documentales , ya que la complejidad del tema obliga a mantener una prudente cautela metodológica .




El tema del herrador marroquí forma parte de los tópicos visuales del mito orientalista , hecho que justificaría la fortuna iconográfica de este motivo pintoresco 

Mercedes Tamara
9-12-2012


Bibliografía : Mariano Fortuny, Museo Nacional de Cataluña