sábado, 2 de febrero de 2013

CONCIERTO A TRES DE JAN VERMEER

CONCIERTO A TRES 1665
Concierto a tres
óleo sobre lienzo 72,5 x 64.7 cm
Boston, Isabella Steward Gadner Museum




Perteneció entre otros al estudioso Thoré Bürger y pesenta evidentes similitudes con Caballero y señora que toca la espineta , la técnica pictórica utilizada por Vermeer y la aparente naturalidad de la escena sugieren , sin embargo, una fecha posterior a la experimentación , con cuadros de una sola figura en los años 1663-1665.


La ambientación es semejante a la del anterior cuadro de música : las figuras se hallan en una habitación con pavimento de damero blanco y negro, amueblada con una mesa negligentemente cubierta con un tapete de lana. El instrumento musical, un clavicémbalo ,se encuentra al fondo; en primer plano se ven hojas de música , un instrumento de cuerda  y una viola abandonada a los pies de la mesa. Las figuras están al fondo; una mujer sentada toca , un hombre al que se ve de espaldas la acompaña y otro joven , de pie , canta y marca el compás. En la pared del fondo aparecen dos cuadros : uno representa un paisaje boscoso,que parece desarrollado en un estilo contrastado y dramático, mientras que en el otro se reconoce la Alcahueta de Dirck von Bahuren . Esta obra, reproducida también en Mujer tocando la espineta , formaba parte de la colección de Vermeer y está entre las enumeradas en el inventario de los bienes familiares a la muerte del pintor.


La semejanza con Caballero y señora que toca la espineta y la presencia del motivo del " cuadro dentro del cuadro " hacen pensar que la escena tenga un valor simbólico. La tradicional asociación entre la música y el amor sensual parece confirmada por el tema del cuadro de la derecha; en la actitud de los personajes , sin embargo, no se traduce alusión alguna a vínculos de este tipo. Por el contrario, la tácita armonía que les une remite a los significados espirituales ya supuestos en Caballero y señora que toca la espineta, los cuadros del fondo se habían incluido aquí, pues, con una función de contraste.


Mercedes Tamara Lempicka
2 -febrero 2013


Bibliografía : Vermeer, Edic Biblioteca El Mundo 

viernes, 1 de febrero de 2013

LA MUERTE DE SARDANÁPALO DE EUGÈNE DELACROIX


LA MUERTE DE SARDANÁPALO 1827
La muerte de Sardanápalo
oleo sobre  lienzo 392x 496 cm
Musée du Louvre París



Eugène Delacroix ( 1798 -1863 ) quien suele ser considerado como el gran romántico francés, fue un pintor muy de su época . Como su gran amigo Géricault mantuvo algunos elementos  clásicos de su primera formación, pero al mismo tiempo abrió nuevos caminos con su osadía, su cromatismo y su amor por lo exótico.


Esta gran tela Muerte de Sardanápalo, de movimientos salvajes y colores sensuales , explota en los sentidos como una orgía de exotismo desencadenado .Sardanápalo era un rey asirio en la Antigüedad con gustos decadentes. En respuesta a la vergüenza de una importante derrota militar .hizo una pira gigántesca en ña que se quemó, junto con los tesoros de su palacio, sus amantes y sus esclavos .


Regodeaándose en este drama byroniano, Delacroix parece abandonar cualquier pretensión de realismo en la perspectiva o de coherencia en la composición para crear un torbellino de cuerpos y objetos distorsionados , un mundo saturado de colores intensos e invadido por ardientes sombras . Se entiende enseguida que el cuadro marcara a los artistas posteriores,por su investigación desinhibida de la violencia, su dinamismo y su técnica atrevida del  color
Mercedes Tamara
 1 -febrero -2013


Bibliografía : París, Museo del Louvre, Edic Uffmann

martes, 29 de enero de 2013

LOS CONDENADOS LUCA SIGNORELLI

LOS CONDENADOS 1499-1503

Los condenados
Fresco( detalle ) anchura total aprox 670 cm
Orvieto, Duomo, Capella di San Brizio







Nacido en la zona fronteriza entre Toscana y Umbría, parece que Signorelli recibió su formación  artística decisiva en Florencia. Es característico del influjo que recibió de la escultura y, en  particular , de la escultura en bronce. Los maestros más importantes del joven pintor debieron  ser Pollaiuolo y Verrochio , ya que parece que trabajó unos años en su taller . Signorelli se dedicó a esttudiar intensamente la constitución del cuerpo humano y sus funciones motrices .




Volverá a trabajar en uno de sus temas principales de la pintura florentina de principios del  siglo XV , la representación plástica del cuerpo humano sobre la superficie; pero él no pone énfasis en el aspecto global de las figuras , sino en la exacta réplica de los detalles . Esta  habilidad de Signorelli quedará reflejada por igual en sus pinturas de temas profanos y de temas religiosos. En 1481 ya forma parte del escogido círculo de pintores italianos que  trabajan en los frescos de la parte baja de la Capilla Sixtina del Vaticano ( junto a Boticelli, Ghirlandaio yPerugino entre otros ) .


 No debería sobrevalorarse el supuesto y repetido influjo  de Piero della Francesca sobre Signorelli. Si bien es cierto que podría proceder de Piero la tendencia al planteamiento abstracto del cuadro ( La Virgen rodeada de santos , Perugia,
Domopera, 1484 ) y la preferencia por los efectos luminosos , Signorelli no pretendía crear  una atmósfera llena de luz y de aire , sino hacer resaltar el preciso modelado del cuerpo, mediante el contraste entre zonas luminosas y un sombreado bien definido. La evolución de Signorelli alcanza su punto culminante con los frescos del Juicio Final , de la catedral de 
Orvieto ( 1499-1504 ).




Ya en 1447, Fra Angelico y Benozzo Gozzoli habían comenzado a pintar la Capilla de San  Brizio, pero a finales de siglo se da el encargo de nuevo . En la representación más amplia del Juicio Final y de la historia del Anticristo que hasta entonces había conocido la pintura occidental, Signorelli alcanza la cima de su evolución artística . Renuncia a la más mínima alusión al paisaje y se concentra en la reproducción de la figura humana, con un movimiento febril. En ninguna obra anterior a Miguel Angel aparece tan puramente como en este conjunto el concepto básico de la pintura toscana , fuertemente influenciada por la escultura.




El color sirve exclusivamente para caracterizar a los objetos y lo cual es aún mas importante,para elevar la plasticidad mediante el contraste entre luces y sombras. Aquí domina claramente la linea fuertemente delimitadora. Las posiciones y escorzos poseen una riqueza inagotable, loque hace pensar en el relieve del Juicio Final realizado en el siglo XIV en la fachada de la catedral de Orvieto. Más estrechas son aún las relaciones con el género de las pequeñas estatuas en bronce, que comienzan a desarrollarse a finales del siglo XV . Para El Juicio  Final de Miguel Ángel , los frescos de Orvieto son el antecedente más importante.





" En la iglesia de la Madona, la principal de
Orvieto, representó....todas las escenas del
fin del mudo con una fantasía extraña y
grotesca : ángeles, demonios, milagros del
Anticristo y muchas otras cosas más como
desnudos, escorzos en perspectiva y muchas
figuras bellas ...una imagen del horror , que
reinará en los últimos días "

Giorgio Vasari


               Mercedes Tamara 
                29 -enero-2013


Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

lunes, 28 de enero de 2013

FRAILE MENDIGANDO DE MARIANO FORTUNY

                                        FRAILE MENDIGANDO 1867







Fraile mendigando
acuarela 26,8 x 15, 5 cm
Sterling Clark Art Insitute ( Massachusets )



La composición forma parte del importante corpus iconográfico realizado por el pintor a lo largo de sus intermitentes y discontinuas presencias en la Ciudad Eterna . Coincide  este grupo de obras en mostrar como denominador común el interés en representar  tipologías populares que formaban parte del horizonte visual y vivencial del artista . La temática cultivada por Fortuny , el género costumbrista, deviene un lugar común para una buena parte de los artistas activos en Roma en esa época.


De hecho , la fortuna del motivo representado es muy anterior en el tiempo y constituye una de las tradiciones pictóricas más arraigadas en el imaginario y en la cultura figurativa de la pintura occidental . En cualquier caso , aunque tampoco debemos considerarlo una absoluta novedad , la aportación más destacada de la obra es la ausencia de anécdota, la inexistencia de una acción , de una actividad que pueda justificar el protagonismo de este personaje anónimo. El pintor se aleja de esta formulación más estereotipada y convencional y opta por centrar su visión en la figura humana aislada , que es observada con un interés pictórico , si bien es cierto que la disposición de la mano abierta , en una actitud caritativa , ayuda a proyectar una imagen sentimental y compasiva hacía el retratado.


Mención aparte. merece el despliegue de virtuosismo a que ya nos tiene acostumbrados Fortuny . En este sentido, la magnífica factura de la composición permite comprobar el dominio técnico y la brillante facilidad con que el pintor resuelve los problemas de orden compositivo , con una sorprendente economía de 

recursos figurativos

Mercedes Tamara 
28 -enero-2013


Bibliografía : Mariano Fortuny , Museo Nacional de Arte de Cataluña