miércoles, 31 de enero de 2018

LA ALCAHUETA JOHANNES VERMEER

La alcahueta
óleo sobre lienzo 1,43x 1,3 cm
Galeria de Pinturas de Dresde






La mayor parte de los trabajos de Vermeer en la clasificación de pinturas de género con las que pretende narrar una historia. En la Holanda del Barroco serán habituales las escenas de burdel -Bordeeltje- muy demandadas por la clientela, lo que es interpretado por los especialistas como una reacción del público frente a las cada día más rígidas normas morales. También podemos considerar que este tipo de representaciones esconderían algún significado moralizante, aludiendo a la facilidad con que el "usuario" era engañado por las cortesanas, al tiempo que se advertía contra el abuso del alcohol. 






Vermeer nos presenta a las figuras como si estuvieran en un palco o lugar elevado: una mujer joven, con las mejillas sonrosadas por efecto del vino -no en balde, sujeta una copa con su mano izquierda- extendiendo la mano para recibir una moneda del caballero con tabardo rojo y sombrero de plumas, que con su mano izquierda toca el pecho de la muchacha. Un segundo hombre, vestido de oscuro, observa la escena y dirige su mirada cómplice al espectador mientras que la alcahueta cierra la composición en el fondo, dirigiendo su interesada mirada hacia el hombre de rojo.




 El trabajo de encaje de bolillos, situado a la derecha, sobre el tapiz que cubre la mesa, hace suponer que nos encontramos en una casa particular, donde se podría estar produciendo una relación extramatrimonial auspiciada por la alcahueta. 
Como es habitual en la producción del maestro, la escena se desarrolla en un reducido espacio interior, colocando en primer plano algún objeto que separa la composición del espectador


. Las figuras se arremolinan en el espacio, colocadas en diferentes planos para crear efecto de profundidad. Una potente luz ilumina la figura de la joven y resalta las tonalidades amarillas de su camisa, provocando intensos contraste de sombra que recuerdan a la obra de Caravaggio. Paulatinamente Vermeer va utilizando la característica técnica "pointillé" con la que reparte los chispeantes puntos de luz por toda la superficie del lienzo. Otro recuerdo digno de mención lo encontramos en la sensación atmosférica creada, en sintonía con la escuela veneciana que tanto admiraba Rembrandt.



Mercedes Tamara
31-01-2018

Bibliografia : ARTEHISTORIA. 
                     Wikiart






martes, 23 de enero de 2018

RETRATO DE LA SEÑORA CEÁN DE BERMUDEZ FRANCISCO DE GOYA

 RETRATO DE LA SEÑORA CEÁN DE BERMUDEZ 1786

Retrato de la señora de Ceán de Bermudez
óleo sobre lienzo 121 x 85cm
Real Museo de Bellas Artes de Budapest








El Retrato de la señora de Ceán de Bermudez ofrece las características de la agilidad y toque incisivo que marcaron el estilo De Goya desde su época de juventud . La identificación del personaje como esposa del historiador del arte se basa en la identidad de dimensiones y composición de este retrato ,con el que formaría pareja lienzo en el que Bermudez aparece sentado y vuelto hacía la derecha 











El corpiño es una obra maestra de la transparencia.en el que destaca la simpatía que fluye de sus ojos irónicos. Azules, rosas y platas, brujulean en un retrato rococó que tiene un halo de improvisación magistral. Relámpagos de color cremoso sobre fondo negro. Sobre el regazo luce un estuche rojo -¿un costurero?- en el que reposan las manos, la izquierda con sortija en el meñique, y la diestra ensartando una aguja de coser, como si estuviese bordando un pañuelo para su esposo. Interrumpe la labor y nos mira con una mezcla rara de ingenuidad pueril y leve picardía.





Mercedes Tamara
23-01-2018


Bibliografia : Goya, Edit Biblioteca El Mundo 





domingo, 21 de enero de 2018

LA FORTUNA PIETER PAUL RUBENS

LA FORTUNA 1636-1638
La Fortuna
óleo sobre lienzo 182,3 x 100.5 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado






Es uno de los lienzos de formato vertical con una sola figura que guarda relación compositiva con otras obras de similares dimensiones, como son Mercurio (P1677), Sátiro (P1681) y La Razón (el lienzo está desaparecido, pero el boceto se conserva en el Museo Provincial de Bellas Artes de La Coruña (n. 284) que representan personajes aislados, la mayoría de los cuales son de mano de Rubens y otros con colaboración de taller. Este tipo de representaciones dejan fuera la historia relacionada con estos personajes para centrarse en la fuerza de la figura aislada y los múltiples significados…



IV. A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de sesenta obras para esta casa de recreo situada en los montes del Pardo. La mayor parte de las escenas narraban las pasiones de los dioses, según fueron descritas en las Metamorfosis del poeta romano Ovidio y otras fuentes clásicas. Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes. Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos




.Situada en el centro del lienzoLa Fortuna se alza victoriosa sobre una esfera con una mano alzada en señal de victoria aunque puede traer la dicha o la desgracia, dualidad que muestra el pintor en el contraste entre la calma y la tempesta




La Fortuna. 1636 - 1638. Óleo sobre lienzo, 182,3 x 100,5 cm. Museo del Prado. Obra de Peter Paul Rubens, y taller. La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV. A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de sesenta obras para esta casa de recreo situada en los montes del Pardo. La mayor parte de las escenas narraban las pasiones de los dioses, según fueron descritas en las Metamorfosis del poeta romano Ovidio y otras fuentes clásicas. Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes. Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.



El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000. El Prado también conserva la mayor parte de los cuadros ejecutados a partir de los bocetos, entre ellos los catorce realizados por el propio Rubens o por su taller (los demás cuadros fueron pintados por otros artistas).

La Fortuna, apoyada sobre una esfera, parece navegar por el mar. La diosa puede traer la dicha o la desgracia, dualidad que muestra el pintor en el contraste entre la calma y la tempestad. Rubens representa a la diosa con las carnaciones rosadas en un cuerpo voluminoso propio del artista 

  En el conjunto de la Torre de la Parada alude a la incertidumbre que resulta de las pasiones..

Mercedes Tamara
21-01-2018

Bibliografia : Foroxerbar

martes, 16 de enero de 2018

MARIA MAGDALENA JAN VAN SCOREL

Mary MARIA


MARIA MAGDALENA 1530


Maria Magdalena
óleo sobre lienzo 66,3 x 76 cm

Rijmuseum de Amsterdam






En la introducción del estilo renacentista neerlandés , jugó un papel muy destacado Jan van Scorel , que tras un viaje a Italia ,recibió la influencia de pintores renacentistas italianos . En 1519 se trasladó  a Venecia , ciudad en la que inició un periplo por el Mediterráneo oriental que habría de conducirle a Jerusalen, tras la visita de Chipre, Rodas y Creta. Tal experiencia más los años en que estuvo vieviendoen Italia, en Roma ,la protección del pontífice Adriano VI había de ser trascendental para su obra Maria Magdalena.


En esta obra del Rijkmuseum Jan van Scorel revela la admiración del pintor por los maestros italianos como Giorgione y Palma el Viejo , de quienes  adoptó el modelo de representación de la figura en tres cuartos , ante un fondo de paisaje . La efigie femenina se halla colmada de la luz veneciana , si bien el tratamiento de los rasgos físicos y y el tratamiento colorista pertenece a la tradición neerlandesa propia de su autor.


Lo mismo puede decirse del paisaje , animado por formaciones rocosas de extravagantes formas que son insólitas en la pintura veneciana , Jan van Scorel, fue uno de los primeros maestros neerlandeses de la primera mitad del siglo XVI , que asimiló el espíritu renacentista ,dotado de una técnica minuciosa y segura que gozó de una aceptación en las cortes de España, Francia y Suecia.



Mercedes Tamara
16-01-2018






Bibliografia : La pintura en los Grandes Museos, Edit Planeta





En B

sábado, 13 de enero de 2018

RETRATO DE LA CONDESA DE CARPIO GOYA

RETRATO DE LA CONDESA DE CARPIO 1794-1795


Retrato de la condesa de Carpio
óleo sobre lienzo 1,81 x1,22 cm
Museo del Louvre, Paris



El genio tan variado de Goya destaca particularmente en el género del retrato, a menudo tratado con una sorprendente crueldad satírica. Sin embargo esta obra, legada en 1942 por Carlos de Beistegui, añade a la distinción del modelo una armonía de color, con tonos grises, negros y blancos, rosas y lilas, que la refuerza aún más.




El lienzo muestra a la modelo en tamaño casi natural , sobre un fondo impreciso cruzado por una zona sombría , en la cual se funden armónicamente los tonos grises, azules y verdes.






El personaje ha sido representado en tres cuartos de perfil y el rostro casi de frente , dado el color negro de la indumentaria , su contorno se confunde en algunas partes con el telón que establece el último término.






Todo ello contribuye a integrar la figura en su ambiente y a centrar la atención del espectador en el rostro de la retratada , que se halla realzado por la blanca mantilla y un. lazo rosado. Para conseguir efectos de difuminación de formas, el pintor se ha servido de su característica pincelada ligera y fluida , mediante la cual cobran transparencias los tules y mitigados reflejos el lazo, los guantes y el zapato.


Toda la intención expresiva se concentra en el rostro , que aparece vacío de expresión Goya ha querido sin duda transcribir su carácter reprimido que oculta las reacciones de la modelo tras una máscara de hieratismo.






Mercedes Tamara


13-01-2018










Bibliografía : Goya, Edit Biblioteca el Mundo





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jueves, 11 de enero de 2018

LA CAIDA DE ICARO PIETER BRUEGHEL EL VIEJO

LA CAIDA DE ICARO 
La caída de Icaro
óleo sobre lienzo 74 x 112 cm
Reales museos de Brusela 

En esta obra , Pieter Brueghel el Viejo nos muestra una obra mitológica El asunto propuesto es una fábula en la que Icaro escapa del laberinto de Creta volando con las alas de cera que le ha fabricado su padre Dédalo , pero el orgullo le hace elevarse hacía el sol, el calor derrite la cera y el joven se precipita en el mar .

Gracias al título podemos reconocer e identificar, con seguridad, pues el pintor ha minimizado el asunto de tal modo que únicamente se ven las piernas de Icaro , hundiéndose en el agua . Más importancia concede al labrador que conduce el arado, al pastor que guarda su rebaño y a la nave que atraviesa el estrecho , con lo que parece indicar que la humanidad queda indiferente ante la desgracia que ocurre a su lado . Pero más allá de la intención moral , si la hay, Brueghel ha aprovechado el pretexto del mito para pintar un paisaje encantador e irreal, como si de una ensoñación se tratase 

Originariamente esta pintura estaba elaborada sobre tabla, pero para asegurar su conservación fue trasladado a tabla que es su soporte actual Es una pintura muy detallista como se puede apreciar en las pequeñas figuras , y en los árboles



Mercedes Tamara
11-01-2018

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos, Edit Planeta

sábado, 6 de enero de 2018

SEÑORA Y SIRVIENTA DE PIETER DE HOOCH

SEÑORA Y SIRVIENTA DE PIETER DE HOOCH


Señora y sirvienta
óleo sobre lienzo 53 x 42 cm
Museo del Hermitage





Los lienzos de Pieter de Hooch -perfectos en su pintura-fueron la expresión clásica de toda la diversidad de género holandés La señora y la sirvienta contiene en sí todo un poema : la existencia cabal y regalada del mundo burgués holandés . Se representa con amor y claridad cada ladrillo , su cuidadosa distribución , la construcción de los postigos y la forma de las ventanas : se reproducen con detalle cada una de las baldosas del suelo , toda la pieza de la balaustrada de madera que rodea la terraza, el diminuto jardín vecino , el jarrón de claveles y la elegante construcción que  se divisa desde la pared del parapeto .


Todo el cuadro parece un canto a la vida sosegada en el mundo cerrado de una casa sólida y recogida, un himno a una forma de vida sólida y recogida , un himno a una forma de vida honesta y mesurada . La propia señora sentada en la terraza no es menos sencilla y hacendosa que su sirvienta . Pieter de Hooch capta lo bello en las cosas más ordinarias . El mundo de la felicidad burguesa aparece en su pincel con colores luminosos y ricos en poesía.




Mercedes Tamara
6-01-2018

Bibliografia : ARTEHISTORIA 








domingo, 25 de diciembre de 2016

LA BALSA DE LA MEDUSA THÉODORE GÉRICAULT

 LA BALSA DE LA MEDUSA 1891

La balsa de la Medusa
óleo sobre lienzo 491 x 716 cm
Museo del Louvre, Paris






Este cuadro "Balsa de la Medusa (1818), que se encuentra en el Museo Nacional del Louvre, se basa en un suceso real, el hundimiento del barco francés Medusa a causa de la negligencia de su capitán, vinculado al gobierno conservador, tardando los náufragos varios días en ser rescatados.


Esta obra llena de pasión y fuerza fue pintada por el abanderado del romanticismo francés Thédore Géricault ( 1791-1824 ) y en la actualidad se considera una afirmación de los principios del movimiento que propugnaban el realismo y la emoción.


La escena narra la historia auténtica del naufragio , además de la fragata del gobierno francés La Medusa. El capitán y los oficiales se reservaron los botes salvavidas y abandonaron en una balsa improvisada a unas ciento cincuenta personas , entre tripulación y pasajeros , que se hundieron en la desesperación , el salvajismo y el canibalismo 

Géricault se atrevió a mostrar este episodio sórdido de la historia contemporánea con un estilo que se asemeja a sus colosales obras heroícas del pasado .

Por un lado , en el cuadro se advierte una dosis macabra de realismo ya que el artista estudió diversos cadáveres para captar bien los detalles en que la pincelada extraordinariamente enérgica acentúa la sensación de arremolinamiento y garantiza la emoción. Por otra parte, los cuerpos y la composición en forma de pirámide son clásicos de su estilo 

Mercedes Tamara
25-12-2016

Bibliografia : Wikipedia 




domingo, 18 de diciembre de 2016

GUARDIÁN ÁRABE MARIANO FORTUNY

GUARDIÁN ÁRABE 1863
Guardián árabe
óleo sobre lienzo 58, 4 x 49, 2 cm
The Tall Museum, Cincinatti, Ohio

De una ejecución nerviosa y brillante , caracterizado por los bellos efectos cromáticos , esta composición resume perfectamente las diferencias que existen entre la pintura marroquí de Delacroix y de Fortuny . Nos muestran sobre todo las divergencias entre los dos artistas, relativas a los objetivos estéticos : mientras Delacroix quería encontrar en el norte de África una antigüedad viviente , Fortuny evoca una realidad más tangible , más cotidiana , explotando una vena estética que, de acuerdo con los aires de su tiempo , resultaba una moda tan excitante como lucrativa.

Aunque parezca mentira , el tema oriental bebe también de la influencia de los maestros de género holandeses , redescubiertos fundamentalmente en Francia con el comienzo del realismo . en los años 1840- y que proporcionaron a pintores como Eugene Fromentin sus temas sencillos y sus discretas composiciones . Fortuny debe mucho a pintores como Fromentin y, al igual que el francés, siente una clara admiración por la escuela del norte , expresado con franqueza en un cuadro como este , en el que parece sustituir la elegante sobriedad de los interiores burgueses por el estallido del color oriental´

Muchos aspectos nos recuerdan estas influencias : la sencillez de la composición , la habitación interior y umbría, el gusto por el detallismo y los bodegones de objetos simples de la vida cotidiana , etc. La larga pipa refuerza el mensaje de languidez y sensualidad que se subraya a través de una cierta inmovilidad muy moderna , como la consistencia inmaterial y casi abstracta de la ambientación de este interior . El punto de vista interior demuestra la fascinación que ejercían sobre el artista los espacios de la habitabilidad - a veces inaccesibles -en los que se desenvolvía la vida cotidiana de sus personajes



Herrador marroquí 1863
óleo sobre lienzo 42 x 65 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña


Por lo que se refiere a Herrador marroquí , se trata de un tema al aire libre , con una composición muy sencilla , marcadamente horizontal y frontal que remata, en último término, con la ya conocida tapia blanca. Como siempre , el pintor " empuja " literalmente nuestra vista hacía el fondo por medio de varias diagonales - la pared en talud de la derecha ,
el grupo de burros, las gallinas . que forman un aspa , en cuyo centro se encuentra el protagonista de la escena : el herrador marroquí 

Ante el vasto espacio del fondo , los personajes están representados en un crepúsculo de penumbra , compuesto en semitonos : la escena capta el momento en que el hombre , situado ante un fila de borricos en una amplia plaza cerrada , coge la pata de uno de los animales para mostrársela al herrero que, acuclillado, se dispone a herrarla . Las gallinas pululan sin orden ni concierto por el lugar mientras, al fondo , se insinúan varias figuras ante la pared blanca , donde impacta una cegadora luz .

El cambio en el punto de vista - del interior al exterior. y la adopción de una visión frontal , le permite el placer de colocar a sus personajes delimitando espacios distintos, entre el soleado mundo que rodea a la tapia y a las figuras más en la sombra. Así parece que el cuadro ha sido dividido, mediante una diagonal que va de izquierda a derecha , en dos mitades de diferente color e iluminación. 

                                                                Mercedes Tamara
                                                                      18-12-2016

Bibliografia : Fortuny, Museo Nacional de Arte de Cataluña

sábado, 10 de diciembre de 2016

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS JOSHUA REYNOLDS

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS
Cupido desatando la cintura de Venus
óleo sobre lienzo 127 x 110 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo





Parece ser que la modelo que posó para Cupido desatando la cintura de Venus fue la famosa Lady Hamilton , que Reynolds había pintado en varias ocasiones . Pero también , se dan otras hipótesis : así en el libro del pintor del año 1874 se menciona el nombre de miss Wilson, una modelo profesional que posaba para Reynolds en sus ninfas.

Por cuanto el rostro de Venus está medio cubierto , y las figuras femeninas que realizó el pintor por lo general tienen rasgos comunes , es difícil establecer definitivamente la identidad de la modelo 

El cuadro se considera inacabado , pero está plenamente elaborado en su composición y colorido : los tonos cálidos del segundo plano lanzan destellos rosados sobre el cuerpo de la diosa ; se ha captado con viveza la postura  del niño : la cabeza echada atrás con picardia 


                                                      Mercedes Tamara
                                                        10-12-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos Edit Planet