domingo, 25 de diciembre de 2016

LA BALSA DE LA MEDUSA THÉODORE GÉRICAULT

 LA BALSA DE LA MEDUSA 1891

La balsa de la Medusa
óleo sobre lienzo 491 x 716 cm
Museo del Louvre, Paris






Este cuadro "Balsa de la Medusa (1818), que se encuentra en el Museo Nacional del Louvre, se basa en un suceso real, el hundimiento del barco francés Medusa a causa de la negligencia de su capitán, vinculado al gobierno conservador, tardando los náufragos varios días en ser rescatados.


Esta obra llena de pasión y fuerza fue pintada por el abanderado del romanticismo francés Thédore Géricault ( 1791-1824 ) y en la actualidad se considera una afirmación de los principios del movimiento que propugnaban el realismo y la emoción.


La escena narra la historia auténtica del naufragio , además de la fragata del gobierno francés La Medusa. El capitán y los oficiales se reservaron los botes salvavidas y abandonaron en una balsa improvisada a unas ciento cincuenta personas , entre tripulación y pasajeros , que se hundieron en la desesperación , el salvajismo y el canibalismo 

Géricault se atrevió a mostrar este episodio sórdido de la historia contemporánea con un estilo que se asemeja a sus colosales obras heroícas del pasado .

Por un lado , en el cuadro se advierte una dosis macabra de realismo ya que el artista estudió diversos cadáveres para captar bien los detalles en que la pincelada extraordinariamente enérgica acentúa la sensación de arremolinamiento y garantiza la emoción. Por otra parte, los cuerpos y la composición en forma de pirámide son clásicos de su estilo 

Mercedes Tamara
25-12-2016

Bibliografia : Wikipedia 




domingo, 18 de diciembre de 2016

GUARDIÁN ÁRABE MARIANO FORTUNY

GUARDIÁN ÁRABE 1863
Guardián árabe
óleo sobre lienzo 58, 4 x 49, 2 cm
The Tall Museum, Cincinatti, Ohio

De una ejecución nerviosa y brillante , caracterizado por los bellos efectos cromáticos , esta composición resume perfectamente las diferencias que existen entre la pintura marroquí de Delacroix y de Fortuny . Nos muestran sobre todo las divergencias entre los dos artistas, relativas a los objetivos estéticos : mientras Delacroix quería encontrar en el norte de África una antigüedad viviente , Fortuny evoca una realidad más tangible , más cotidiana , explotando una vena estética que, de acuerdo con los aires de su tiempo , resultaba una moda tan excitante como lucrativa.

Aunque parezca mentira , el tema oriental bebe también de la influencia de los maestros de género holandeses , redescubiertos fundamentalmente en Francia con el comienzo del realismo . en los años 1840- y que proporcionaron a pintores como Eugene Fromentin sus temas sencillos y sus discretas composiciones . Fortuny debe mucho a pintores como Fromentin y, al igual que el francés, siente una clara admiración por la escuela del norte , expresado con franqueza en un cuadro como este , en el que parece sustituir la elegante sobriedad de los interiores burgueses por el estallido del color oriental´

Muchos aspectos nos recuerdan estas influencias : la sencillez de la composición , la habitación interior y umbría, el gusto por el detallismo y los bodegones de objetos simples de la vida cotidiana , etc. La larga pipa refuerza el mensaje de languidez y sensualidad que se subraya a través de una cierta inmovilidad muy moderna , como la consistencia inmaterial y casi abstracta de la ambientación de este interior . El punto de vista interior demuestra la fascinación que ejercían sobre el artista los espacios de la habitabilidad - a veces inaccesibles -en los que se desenvolvía la vida cotidiana de sus personajes



Herrador marroquí 1863
óleo sobre lienzo 42 x 65 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña


Por lo que se refiere a Herrador marroquí , se trata de un tema al aire libre , con una composición muy sencilla , marcadamente horizontal y frontal que remata, en último término, con la ya conocida tapia blanca. Como siempre , el pintor " empuja " literalmente nuestra vista hacía el fondo por medio de varias diagonales - la pared en talud de la derecha ,
el grupo de burros, las gallinas . que forman un aspa , en cuyo centro se encuentra el protagonista de la escena : el herrador marroquí 

Ante el vasto espacio del fondo , los personajes están representados en un crepúsculo de penumbra , compuesto en semitonos : la escena capta el momento en que el hombre , situado ante un fila de borricos en una amplia plaza cerrada , coge la pata de uno de los animales para mostrársela al herrero que, acuclillado, se dispone a herrarla . Las gallinas pululan sin orden ni concierto por el lugar mientras, al fondo , se insinúan varias figuras ante la pared blanca , donde impacta una cegadora luz .

El cambio en el punto de vista - del interior al exterior. y la adopción de una visión frontal , le permite el placer de colocar a sus personajes delimitando espacios distintos, entre el soleado mundo que rodea a la tapia y a las figuras más en la sombra. Así parece que el cuadro ha sido dividido, mediante una diagonal que va de izquierda a derecha , en dos mitades de diferente color e iluminación. 

                                                                Mercedes Tamara
                                                                      18-12-2016

Bibliografia : Fortuny, Museo Nacional de Arte de Cataluña

sábado, 10 de diciembre de 2016

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS JOSHUA REYNOLDS

CUPIDO DESATANDO LA CINTURA DE VENUS
Cupido desatando la cintura de Venus
óleo sobre lienzo 127 x 110 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo





Parece ser que la modelo que posó para Cupido desatando la cintura de Venus fue la famosa Lady Hamilton , que Reynolds había pintado en varias ocasiones . Pero también , se dan otras hipótesis : así en el libro del pintor del año 1874 se menciona el nombre de miss Wilson, una modelo profesional que posaba para Reynolds en sus ninfas.

Por cuanto el rostro de Venus está medio cubierto , y las figuras femeninas que realizó el pintor por lo general tienen rasgos comunes , es difícil establecer definitivamente la identidad de la modelo 

El cuadro se considera inacabado , pero está plenamente elaborado en su composición y colorido : los tonos cálidos del segundo plano lanzan destellos rosados sobre el cuerpo de la diosa ; se ha captado con viveza la postura  del niño : la cabeza echada atrás con picardia 


                                                      Mercedes Tamara
                                                        10-12-2016

Bibliografia : Guia de los Grandes Museos Edit Planet 

jueves, 8 de diciembre de 2016

DAMA CON MANTILLA ALEXANDER ROSLIN


DAMA CON MANTILLA 1768

Dama con mantilla
óleo sobre lienzo 65 x 54 cm
Museo Nacional de Estocolmo

Al pintor sueco Alexander Roslin le debemos uno de los retratos más encantadores de todo el rococó europeo,  la Dama con mantilla cuya modelo era Suzanne Giroust esposa del pintor.

Aunque la mayor parte de su  carrera de Roslin se desarrolló en París , donde trabajó bajo el magisterio de Boucher , sus obras de madurez como ésta- que es de 1678 , cuando el artista contaba unos cincuenta años responde a una gran sobriedad compositiva que tiende ya al neoclasicismo 

Esta figura femenina es una verdadera delicia de coquetería por ese gesto con que el abanico aparta la mantilla de seda negra y descubre el gracioso rostro e insinúa la turgencia del seno.

El color está muy trabajado en cuanto a las calidades , pero sin fatiga, sin abusos efectistas, con un admirable seguridad en el toque 

Mercedes Tamara
8-12-2016



Bibliografia : Guía de los Grandes Museos Edit Planeta

martes, 29 de noviembre de 2016

EL ENANO GREGORIO IGNACIO ZABALETA

EL ENANO GREGORIO
El enano Gregorio
óleo sobre lienzo 187 x 154 cm
Museo del Ermitage San Petesburgo






Ignacio Zuloaga nació en Eibar, en 1870, y falleció en Madrid, en 1945. Es un claro ejemplo de cómo influyó en el arte el pesimismo de España tras la guerra por la independencia de Cuba, en 1898.

Hasta el momento, el artista había recorrido París e Inglaterra entre otros, pero nosotros vamos a hacer hincapié en su trayecto desde 1892. Los tres años siguientes los pasó en Andalucía, donde consiguió un estilo muy marcado tratando temáticas andaluzas y taurinas, que expondrá próximamente en París, en 1985. Esta etapa se conoce como la “España Blanca” de Zuloaga, pero no será hasta pasada esta, cuando consigue mayor éxito, sobre todo a nivel internacional.






El artista se inscribe en el grupo de pintores modernistas que incorporaron las tradiciones nacionales del arte español a través de la herencia pictórica del pasado y que simultáneamente se formaron bajo la influencia de los maestros franceses entre los siglos XIX y XX. El pintor estudió a los grandes maestros de la pintura española , El Greco, Velázquez , Goya y era amigo de Rodin , Degas y Gauguin .

El tema del cuadro El enano Gregorio, está indiscutiblemente inspirado en los maestros del siglo XVIII  y, en primer lugar,  en los cuadros de Velázquez . El rostro del enano , a pesar de su condición, es inusitadamente expresivo ; en él se perciben la inteligencia , la obstinación y cierta astucia campesina . Al artista le ha interesado mostrar en su cuerpo pequeño y deforme una gran fuerza ( la carga que debe soportar Gregorio es claramente grande ) . Esta fuerza se traduce en orgullo y seguridad . De fondo aparece un paisaje tipícamente español , severo y solitario . El cuadro está pintado en tonos oscuros y sordos que encajan maravillosamente con el tema.



Mercedes Tamara
29-11-2016



Bibliografia : ARTEHISTORIA

miércoles, 23 de noviembre de 2016

LOS TRES FILÓSOFOS GIORGIONE

LOS TRES FILÓSOFOS
Los tres filósofos
óleo sobre lienzo 124 x 145 cm
Kunthistoriches Museum, Viena






Giorgione es el pintor clave en la innovación pictórica veneciana durante el Cinquecento. La clave de su arte se encuentra en la relación entre pintura y naturaleza así como la plasmación de la luz y la atmósfera. Estas características se aprecian a la perfección en este lienzo que aquí contemplamos, ubicado en el centro de la trayectoria estilística del maestro de Castelfranco. Las tres figuras se insertan a la perfección ante la naturaleza, recibiendo un potente foco de luz que resalta las tonalidades de sus vestimentas y crea una sensación atmosférica en sintonía con el "sfumato" de Leonardo.





La disposición de las figuras en el espacio es muy acertada, situándolas en diferentes planos mientras que el punto de fuga se halla en el paisaje, diferente al quattrocentista en tanto en cuanto se acerca más a la realidad y se intenta representar la naturaleza tal y como es.


La poesía que el maestro aporta al paisaje estaría en relación con su elevada cultura, estrechamente relacionada con el neoplatonismo por lo que algunos especialistas interpretan esta escena como una alegoría de las tres edades del hombre, mientras otros críticos consideran que estamos ante un tema menos profano al apuntar a los tres Reyes Magos, que hacen sus cábalas para encontrar la estrella que les guiará al Niño Jesús.


Mercedes Tamara
23-11-2016

Bibliografía : ARTEHISTORIA

miércoles, 16 de noviembre de 2016

RETRATO DE LA EMPERATRIZ JOSEFINA PIERRE-PAUL PRU´HON

RETRATO DE LA EMPERATRIZ JOSEFINA

Retrato de la emperatriz Josefina
óleo sobre lienzo 244 x 178
Paris Museo del Louvre


Aunque la obra de Pierre- Paul  Pru´hon se alinea con los románticos , existen en ella elementos estéticos que la convierten en el nexo entre el clasicismo de David y el apasionamiento descriptivo de Géricault.

El Retrato de la emperatriz Josefina sirve perfectamente para analizar los componentes de manera artística . La figura, sentada sobre un apropiado escalonamiento rocoso , con su mano izquierda apoyada en la sien, se integra en un paisaje boscoso que participa de la atmósfera de un jardín, gracias a la presencia , en el lado izquierdo , de un gran jarrón de piedra .

La emperatriz encarna aquí el candor y la melancolía de la mujer que no era. Está ausente la penetración psicológica en esta ambientación poética de la retratada, sentada en actitud meditabunda junto a un arroyo en un jardín paisajista

El escenario es , pues, claramente romántico y su forma de ejecución revela el conocimiento, interpretación y finalmente la amalgama de estilos de autores como Correggio y Leonardo ya que el artista tuvo la oportunidad de estudiar la pintura renacentista , que tuvo lugar durante su estancia en Roma , junto a Canova en 1784.

El Retrato de la emperatriz Josefina fue ejecutado en 1805, es decir, en el momento de afirmación de la fama del pintor . Éste se benefició también del favor de la emperatriz Maria Luisa.


Mercedes Tamara
16-11-2016

Bibliografía : ArteHistoria


jueves, 10 de noviembre de 2016

DOÑA ANTONIA ZÁRATE FRANCISCO DE GOYA


DOÑA ANTONIA ZÁRATE 1805-1806

Doña Antonia Zárate
óleo sobre lienzo 191 x 82 cm
Dublin, National Gallery of Ireland 







Antonia de Aguirre y Murguía nació en Barcelona en 1775, aunque sus apellidos delatan su ascendencia vasca. Hija del actor Pedro de Zárate Valdés, autor de una compañía que actuaba "en tierras de Aragón" en el tiempo en que ella nació. Casada con Bernardo Gil y Aguado, también cantante y actor cómico, juntos actuaron principalmente en Madrid, donde en 1796 nacería su hijo el escritor y pedagogo Antonio Gil y Zárate. Murió de tuberculosis. Del dato de que otorgara poder para testar a favor de Manuel García de la Prada, también único heredero testamentario, puede deducirse que se había separado de su marido.






La cantante era una famosa actriz, la hija de Pedro de Zárate Valdés, también actor. t. Se casó con el cantante Bernardo Gil y Aguado y su hijo Antonio Gil y Zárate se convertiría en un reconocido poeta y dramaturgo.






En el cuadro su vestido negro y la mantilla del cordón crean un contraste fuerte con el sofá amarillo en el cual ella se sienta.Su rostro muestra una gran serenidad y su porte es muy distinguido; denota que pertenece a una clase social alta por la elegancia de su vestimenta . En su mano sostiene un abanico y sus brazos están cubiertos con los guantes blancos, sedosos 




Su mirada es ligeramente melancólica, mientras que en su sonrisa aparece una pizca de ironía.. Esta pintura está entre un número de retratos femeninos hermosos que Goya ejecutó antes de la guerra de la península. admiró grandemente el teatro y sus protagonistas, y pintó muchos de sus retratos. Unos años más tarde, la señora Zárate se sentó para él otra vez, y ese retrato, en menor escala, se encuentra hoy en el Museo del Hermitage, San Petersburgo.



Mercedes Tamara
10-11-2016


Bibliografia : Guía del Arte 
                       Wikipedia 
















martes, 8 de noviembre de 2016

PAULO III Y SUS SOBRINOS ALESSANDRO Y OTTAVIO FARNESE TIZIANO

PAULO III Y SUS SOBRINOS ALESSANDRO Y OTTAVIO FARNESE 1545-

Paulo III y sus sobrinos Alessandro y Ottavio Farnese
óleo sobre lienzo 210 x 174 cm
Gallerie Nazionale di Capodimonte, Nápoles



Este notable triple retrato del papa Paulo III y sus sobrinos Ottavio y el cardenal Alessandro Farnese fue realizado por Tiziano durante su viaje a Roma , y es considerado , entre sus tantas obras maestras , una de las principales. A las virtudes artísticas , la pintura añade un profundo estudio psicológico de los poderosos personajes, a los que muestra sin hacerles concesiones , como , sin embargo , era la costumbre de otros pintores cuando ejecutaban retratos de príncipes y eclesiásticos de alto rango .

En el centro , sentado, Paulo III dirige una lánguida  pero astuta mirada a Ottavio , quien se acerca haciendo una obsecuente reverencia . Hay estudiosos que a esta imagen la ven una semejanza con El discóbolo de Mirón, y creen que es un ataque de Tiziano al anticlasicismo manierista . A la izquierda, de pie , está el cardenal Alessandro Farnese , con una mirada entre desdeñosa y abstraída ; sus manos se aferran al trono , en una demostración de su ambición por suceder a su tío cuando fallezca. El Papa tiene una mano apenas abocetada sobre una mesa en la que hay un pequeño reloj : este mueble que parece salir del cuadro , contribuye a dar volumen a la composición . En el fondo destaca un gran cortinaje rojo que sustituye , para dar profundidad al cuadro, a los habituales fondos neutros de los retratos de Tiziano.

El colorido no es variado, pero el artista evita la monotonía con diferentes grados de un mismo tono y con reflejos , en particular del rojo , que predomina en las vestimentas , las cortinas y el mantel de la mesa y el morado . El blanco cubierto de luz dorada de la sotana papal y de las calzas de Ottavio , contrastan con las restantes tonalidades . Las pinceladas son rápidas y compactas y apenas se detienen en los detalles para que resalten la luz y el color. Incluso hay elementos que parecen sin terminar , como las manos del Papa y el calzado de Ottavio Es evidente que Tiziano experimenta con este cuadro nuevas formas expresivas y ya visualiza su " impresionismo mágico " de los años siguientes.


Mercedes Tamara
8-11-2016

Bibligrafia : Tiziano Edit Biblioteca El Mundo




viernes, 4 de noviembre de 2016

DANIEL EN EL FOSO DE LOS LEONES PIETER PABLO RUBENS

DANIEL EN EL FOSO DE LOS LEONES 

Daniel en el foso de los leones
Óleo sobre lienzo, 224,2 x 330,5
Galería Nacional de Arte, Washington D. C. 




De entre las variadas obras de gran tamaño de Pieter Pablo Ruben destacamos la obra Daniel en el foso de los leones , porque su aspecto y tema son algo inusitado dentro de la extensa producción del maestro flamenco.


Hacía 1615 , fecha asignada a esta pintura , es cuando Rubens alcanza la plena expansión de su estilo dramático y de su oficio . Ambas cosas aquí pone de manifiesto La actitud implorante del profeta desnudo es de un patetismo barroco , logrado por la expresión formal y externa.


En cuanto al buen oficio, los nueve leones , todos en posiciones distintas , dan su mayor interés a la obra por el concienzudo estudio animalístico que requieren y que debió exigir múltiples anotaciones del natural.


La observación ha sido completa , no sólo en cuanto a los movimientos y posturas de los animales , sino también en las calidades táctiles de sus miembros, pieles y pelajes .


Mercedes Tamara
4-11-2016


Bibliogarfia : Rubens Edic Taschen