viernes, 17 de enero de 2014

LA VIRGEN DE LA ESCALERA MIGUEL ANGEL


LA VIRGEN DE LA ESCALERA 1490-1492
La Virgen de la escalera
mármol 55,5x 40 cm
Casa Buonarroti, Florencia






Vasari cuenta que este relieve fue realizado por el joven Miguel Angel antes de los dieciséis años, cuando éste se encontraba viviendo en el palacio de Médicis-llamado " el Magnífico " -era un gran mecenas que coleccionaba esculturas y antigüedades . Éstas eran conservadas en los jardines del convento de San Marco ,donde podían ser estudiadas por los jóvenes artistas que, como Miguel Angel , se encontraban bajo la protección de los Médicis. El perfil que presenta la Virgen de esta temprana obra de Miguel Angel demuestra la notable influencia que las antiguas lápidas griegas ejercieron en su plástica.





Este relieve fue heredado del artista florentino que en 1566 o 1567 se lo regaló al duque Cosimo I de Médicis . La familia Buonarroti lo recuperó, cuando en 1617, Cosimo II se lo entregó a Miguel Angel Buonarroti el Joven. Desde entonces este relieve ha permanecido en la Casa Buonarroti.




Se trata de un bajorrelieve inconcluso, realizado en una placa rectangular de mármol con la técnica de extremo bajorrelieve ( rilievo achiacciato ). Esta técnica se había puesto de moda durante el siglo XV en Florencia gracias a escultores como Donatello ( 1386- 1466 ). Pero la influencia de este gran escultor florentino, cuya obra fue la culminación del espíritu medieval, está patente en el estilo de este relieve , que ya desde Vasari fue considerado como una consecuencia de Donatello. Es sobre todo la refinada linealidad de los pliegues que acentúan los contornos la que recuerda la delicadeza de los paños donatellescos.




En cuanto al tema, Miguel Angel eligió el motivo devocional de la Virgen con el Niño Jesús, tema que aparecía en numerosas obras de arte de la segunda mitad del siglo XV y que Buonarroti volvería a tratar repetidamente a lo largo de su carrera artística.




La novedad que llama más la atención es la fusión plástica que presentan madre e hijo. Éste aparece ya como un pequeño gigante que se hunde en el regazo de la Virgen mostrando una espalada hercúlea y un brazo de marcado bíceps. Se perciben errores en la perspectiva y en la forma . Los pies de la Virgen , representados de perfil y no en escorzo , resultan muy pequeños respecto de la monumentalidad del cuerpo y sus grandes manos . La mano izquierda de la madre lactante , que protege el cuerpo desnudo de su hijo, y un cierto aire sombrío son los mismos que aparecerán en sus futuras Piedades




Mercedes Tamara

17-enero-2014


Bibliografía : Grandes Maestros Miguel Angel, Edic Libsa

jueves, 16 de enero de 2014

PAISAJE CON ARCO IRIS JOSEPH ANTON KOCH

PAISAJE CON ARCO IRIS 1815

Paisaje con arco iris
óleo sobre lienzo 188x 171, 2 cm
Münich, Bayerische Neue Pinakothek



En 1814 , Joham Georg Dillis ( 1759-1841 ) solicita dejar el puesto de profesor de pintura paisajista en la Academia de Múnich . Como motivo expone, que el principio académico , según el cual el paisaje- por darse por satisfecho con la imitación de la naturaleza - era muy inferior a la pintura de historia , se encuentra en crasa contradicción con su propia idea naturalista del arte. El Múnich oficial acogió de un modo completamente distinto las obras de Joseph Anton Koch, quien una y otra vez se expresó en contra de tal naturalismo . Por ejemplo, en 1810 escribía: " La mera imitación de la naturaleza es muy inferior al arte que transforma la naturaleza " De acuerdo con esta idea creó una serie de obras que se denominan " paisajes heroicos " .La más destacada es Paisaje con arco iris , de la que existen tres versiones . 


Al artista del Tirol- que en el revolucionario Estraburgo se unió a los jacobinos y en los Alpes suizos se dedicó al estudio de la naturaleza, antes de trasladarse a Roma- le servían de guía el arte y la literatura clasicista . Paulatinamente cambió de estilo , desde el puro paisaje de acuarela suiza hasta el paisaje cuyo decorado resulta ser una naturaleza llena de historia . En el arte- dice el mismo Koch- " La historia y la naturaleza (...) no se pueden representar separadas (...) porque Dios tampoco las ha separado a lo largo del tiempo ".


El cuadro introduce al observador en un mundo lejano y pretérito. Pastores de diferentes edades pueblan , según las palabras del mismo Koch, " un paisaje con el arco iris , después de la tormenta , como se ve en el sur de Italia ( Salerno ) o en Grecia ". La mirada atraviesa bosquecillos y suaves valles , fluviales hasta costas soleadas y montes escarpados , en cuyas faldas se extienden ciudades antiguas y medievales, como imágenes ideales de la vida cívica . El arco iris, como símbolo de la gracia divina , une cielo y tierra, las formas de vida antigua y cristiana para formar una unidad armónica . Según pensaba el artista, la idea y el significado del paisaje solo se acaban de conseguir cuando se añadía el decorado, que lo convierte en una " poesía idílica pictórica " comparable con las poesías de la Antigüedad clásica. Con esta era, tal y como se representa en el paisaje heroico , se siente unido el individuo burgués , en tanto y en cuánto a finales del siglo XVIII había adquirido conciencia de si mismo y deseaba salir del marco acostumbrado de su vida privada para, siguiendo la estela de la Revolución Francesa, configurar el marco político-público por sí mismo. El pasado heroíco de la Humanidad se convierte en la obligación y en la reivindicación de conseguir un estado armónico del mundo , tal y como se presentan en la poesía y pintura.


En todos los cuadros de Koch , la naturaleza conserva su grandeza y su dignidad incólumes e indestructibles . Un extraordinario ejemplo de ello es también la Cascada de Schmadribach ( Múnich, Neue Pinakothek ) un espectáculo natural en las tierras altas bernesas. En este panorama, geográficamente exacto , así como la riqueza de detalles geomorfológicamente verídicos, la composición hace conscientemente cambios, por ejemplo con la nieve con lo que se corona el monte de la izquierda - el Grosshom- para intensificar la expresión poética y sublime del conjunto.


Mercedes Tamara
16 -01-2014

lunes, 13 de enero de 2014

LA CHIQUITA PICONERA JULIO ROMERO DE TORRES

LA CHIQUITA PICONERA

La chiquita piconera
óleo sobre lienzo 100x 80 cm
Museo Julio Romero de Torres , Córdoba








La chiquita piconera es la obra más famosa de Romero de Torres. La escena se desarrolla en el interior de una humilde habitación, con una joven sentada en una silla de enea que se adelanta sobre un brasero, sosteniendo en su mano derecha una badila de cobre con la que mueve el picón, el carbón. Una puerta abierta nos permite contemplar el fondo, con el paseo de la Ribera y el Puente Romano bajo un cielo de anochecer. El hombro desnudo, el incipiente nacimiento de los pechos y las bien torneadas piernas abiertas de la joven embutidas en medias de seda presionadas por ligas de color naranja constituyen la oferta de la muchacha para brindar su joven cuerpo a cambio de alguna moneda que la libere de su humilde condición. La modelo que posó para este cuadro fue María Teresa López, argentina de nacimiento que con 14 años ya era modelo del maestro. 

La chiquita piconera es el auténtico testamento pictórico de Romero de Torres al sintetizar toda su concepción de la pintura y el arte. Con una técnica casi fotográfica en el tratamiento de los planos, la modelo mira penetrante, no al infinito, sino de una forma directa y próxima, convirtiéndose en un cuadro expresionista ya que Romero nos transmite algo más que el placer de contemplar un bellísimo y original retrato; nos muestra el sufrimiento y la penuria de una joven que no duda en dedicarse a la prostitución para salir de su delicada situación. En definitiva, en esta obra se expone todo el arte del genial pintor cordobés que falleció en Córdoba, la ciudad que le vio nacer, al atardecer del 10 de mayo de 1930, a la edad de 55 años. La noticia corrió por la ciudad como la pólvora y los comercios, casinos, teatros y tabernas cerraron sus puertas. En el entierro se dieron cita miles de cordobeses de toda condición social, incluso el Ministro de Gracia y Justicia acudió en calidad de representante del rey Alfonso XIII. El féretro fue llevado por los obreros cordobeses hasta el Cementerio de San Rafael, donde el Ayuntamiento de Córdoba había cedido un terreno en perpetuidad para celebrar el entierro, corriendo también con los gastos de los funerales. Fueron necesarios nada menos que 26 automóviles para llevar las coronas que llegaron desde todos los puntos de España. He aquí una muestra del cariño hacia el maestro, cariño que él también supo transmitir hacia todo el mundo.

Mercedes Tamara
13-01-2014


Bibliografía : Wikipedia