sábado, 8 de junio de 2013

MATRIMONIO A LA MODA : CONTRATO MATRIMONIAL WILLIAM HOGARTH

MATRIMONIO A LA MODA : CONTRATO MATRIMONIAL 1743
Matrimonio a la moda: Contrato matrimonial
óleo sobre lienzo 69,9 x 90.8 cm
National Gallery , Londres
.

William Hogarth ( 1579-1764 ) era un innovador pintor y grabador. Popularizó el arte británico mediante el grabado. Además, contribuyó a la aprobación de una ley de derechos de autor. A los 23 años , tras servir como aprendiz a un grabador, Hogarth abrió su propia imprenta en Londres. Además , estudió pintura en la academia libre de sir James Thornhil en St Martin´s Lane. Más adelante , establecería allí su propia escuela de arte.


Durante la década de 1730 , Hogarth pintó retratos de grupo para familias ricas ,conocidos como conversation pieces, pero parece que sus retratos no eran lo bastante halagadores para el gusto de sus clientes y tuvo un éxito limitado .Comenzó a desarrollar su propio género de pintura satiríca que alcanzaría enorme popularidad y le haría rico. De hecho , fue uno de los primeros artistas británicos en trabajar de forma independiente y sin mecenazgo . Sus series más conocidas son La carrera de una prostituta ( 1735 ) y Matrimonio a la moda ( 1743 (.




En el lujoso interior de una casa londinense , un comerciante rico y un conde negocian un acuerdo matrimonial que beneficiará a ambos de distinta manera . El comerciante ( con casaca roja ) ingresa en la aristocracia al casar su hija con el hijo del conde Squander , sentado enfrente , quien, como indica su apellido ( squander= despilfarrar ) , ha dilapidado su fortuna. El novio con casaca azul  parece ajeno a lo que sucede ; un abogado susurra algo al oído de la novía y un contable tiende otra factura impagada al conde . Esta animada escena es la primera de una serie narrativa de seis obras que William Hogarth, maestro de la sátira, en las que representa el desafortunado curso y la trágica conclusión de un matrimonio de conveniencia. Esta mirada satiríca a las bodas por dinero representa de manera cómica , pero sin paliativos, la flaqueza moral humana.



SATIRA VISUAL INNOVADORA Los cuadros satíricos de Hogarth eran innovadores  tanto por la forma como por el tema . Se trataba de series narrativas que trataban temas de actualidad , y revelaban así su crítica visión de la materialista sociedad londinense del siglo XVIII, su irreverencia y su actitud subversiva. Con estos "temas morales modernos ", Hogarth fundó un nuevo género de pintura .



El contrato matrimonial es un buen ejemplo de las obras de este género en la medida  que se semeja un escenario teatral y en el que la serie completa relata una historia. a la manera de los actos de una obra de teatro. En este primer cuadro de la serie, la joven pareja no parece interesada en lo que se negocia y se sientan de espaldas  el uno al otro. Partiendo de este comienzo tan poco prometedor está a punto de desplegarse un terrible melodrama que incluye la infidelidad, la enfermedad venérea, la indolencia, la autocomplacencia, la violencia y la muerte.


El cuadro presenta una composición inteligente y está bien ejecutado. Hay muchos detalles de los que disfrutar , desde la expresión de los personajes hasta los cuadros que cuelgan en las paredes y la escena que se ve por la ventana . Hogarth desarrolló este estilo satírico porque no ganaba suficiente dinero pintando retratos y obras  históricas. No obstante, El contrato matrimonial y las otras cinco pinturas de la serie no fueron muy bien recibidas en un primer momento: a Hogarth le fue difícil venderlas; pero una vez que convirtió estas imágenes pintadas en grabados de calidad e hizo circular sus impresiones por suscripción , llegaron a un amplio público  y le generaron unos ingresos considerables.



Los cuadros satíricos de William Hogarth nos siguen fascinando por el atractivo intemporal de sus temas y por la inteligencia con que llevan la narración hasta su desagradable conclusión a través de una serie de escenas cautivadoras. Podría  considerarse como el equivalente de la época de ciertas series televisivas actuales

 

Mercedes Tamara 
8 -junio 2013


Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume



jueves, 6 de junio de 2013

EL SEÑOR Y LA SEÑORA ANDREWS THOMAS GAINSBOROUGH

EL SEÑOR Y LA SEÑORA ANDREWS 1750
 Gainsborough: Robert Andrews y su esposa.
El señor y la señora Andrews
óleo sobre lienzo 69,8 x 119 cm
National Gallery , Londres






Thomas Gainsborough ( 1727 -1788 ) Uno de los grandes maestros de la pintura del siglo  XVIII, fue conocido sobre todo por sus retratos y por su lírica y naturalista representación del campo inglés . Nacido y criado en Salisbury ( Suffolk ) , Thomas Gainsborough se mudó  a Londres a los trece años para estudiar dibujo y grabado con el francés Hubert François  Gravelot, dibujante y grabador. Puede ser que estudiara también en la academia que William Hogarth abrió en Londres en 1735



Hacía 1748 Gainsborough regresó a Suffolk , donde trabajó durante diez años pintando retratos de la aristocracia local y de comerciantes . Desarrolló un estilo naturalista , pintando bustos más que conversation pieces o retratos informales de grupo. En 1759 se mudó a Bath , donde encontró  una ávida demanda para su talento como retratista . La obra de Van Dyck le inspiró un nuevo y estilo que atrajo a sus ricos clientes, y en 1768 fue elegido fundador de la Royal Academy. En 1744 se estableció definitivamente en Londres-



El señor y la señora Andrews es un retrato acerca de la vida provinciana inglesa. Con este cuadro, Gainsborough comenzó una moda de retratos informales entre las clases acomodadas del siglo XVIII. Thomas Gainsborough recibió el encargo de este retrato hacía el principio de su carrera, justo después de regresar de Londres a Suffolk , pero su verdadera pasión era la pintura de paisajes, y esta composición exhibe su brillantez en ambos géneros . El encargo probablemente pretendía conmemorar la reciente boda de la pareja , y este retrato fresco y luminoso es ante todo una afirmación de su categoría social.



Los recién casados se encuentran en el amplio campo de Auberies, la propiedad familiar del señor Andrews próxima a Sudbury, en el este de Inglaterra, propiedad que se había ampliado como  resultado del matrimonio. No solo el paisaje, sino también el rostro del señor y de al señora Andrews son inconfundiblemente ingleses. Gainsborough decidió situar a los retratados desplazados respecto al centro del lienzo , con sus tierras a la vista y extendiéndose a la derecha.El señor Andrews , noble rural de la cabeza a los pies , se apoya de modo informal en el banco  junto a su esposa y muestra con orgullo la amplitud de sus fértiles dominios , prueba visible de su riqueza y su categoría El cuadro presenta alusiones a los más recientes métodos agrícolas , es una manera de expresar que la pareja , además de próspera , está abierta a lo nuevo. El señor Andrews viste como un señor rural, pero su mujer lleva con elegancia la última moda de inspiración francesa y el banco de estilo rococó , es una prueba más de sus gustos cosmopolitas El paisaje de este cuadro es evocador . Los campos verdes y dorados , las nubes , el atado de las gavillas de trigo y el perifollo silvestre de los campos dan todos testimonio del profundo amor del artista por la naturaleza



Mercedes Tamara 
6 -junio 2013


Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo























miércoles, 5 de junio de 2013

EL TRES DE MAYO DE 1808 FRANCISCO DE GOYA

EL TRES DE MAYO DE 1808 , 1914
El tres de mayo de 1808
´oleo sobre lienzo 268 x 374 cm
Museo del Prado, Madrid 








Francisco de Goya ( 1746-1828 ) El pintor y grabador español fue una de las figuras más destacadas del romanticismo. Pintó retratos de la aristocracia y produjo aguafuertes extraordinarios, pero su obra es muy heterogénea , Nacido en Fuendetodos ( Zaragoza ) hijo de un maestro dorador . Goya se hizo aprendiz a los 14 años . Después se instaló en Madrid donde diseñó cartones para la Real Fábrica  de Tapices y empezó a ganarse la vida como retratista. En 1789 se convirtió en pintor de la corte , inspirándose en las obras de Velázquez , desarrolló su propio e innovador estilo , expresando el carácter de sus modelos reales y aristocráticos con una franqueza no siempre favorecedora. En 1792 una enfermedad grave de dejó sordo y en 1789 Goya produjo una serie de inquietantes aguafuertes satíricos titulados Los caprichos , entre ellos El sueño de la razón produce monstruos . Su  otra gran serie de grabados Los desastres de la guerra publicada tras su muerte,representa atrocidades de uno y otro bando durante la ocupación francesa . En  sus últimos años pintó los famosos murales conocidos como " pinturas negras ".Murió en Burdeos.


El tres de mayo de 1808 presenta a un hombre indefenso que está de rodillas ,ante  el pelotón de ejecución , con la luz de una linterna apoyada en el suelo reflejada en su camisa blanca. Con los brazos abiertos en un gesto poderoso y trágico - el  gesto de Cristo crucificado -se enfrenta a un sólido muro de uniformes y mosquetes.  Es la escena de una ejecución en un monte pelado a las afueras de una ciudad cuyos edificios fantasmales con aspecto de fortaleza se recortan contra el cielo nocturno. La densa negrura , sin estrellas ni luna, llena casi un tercio de la composición e  intensifica la atmósfera de pesadilla de la escena.


Este dramático cuadro representa el destino cruel de un grupo de civiles que se rebelaron contra el ejército invasor francés en la Guerra de la Independencia Española ( 1808-1814 ) Después de un día de violenta insurrección en Madrid, las tropas francesas detuvieron a los rebeldes y a los que tuvieron la mala suerte de
estar en el lugar equivocado y los fusilaron al día siguiente , el 3 de mayo de 1808.Esto desencadenó un levantamiento a escala nacional y la guerra de guerrillas.


LA BRUTALIDAD DE LA GUERRA Con El tres de mayo de 1808 , el pintor español no solo rindió homenaje al valor de los sublevados españoles, sino que,además, creó una imagen memorable de los efectos deshumanizadores de la guerra. Los soldados , decididos a llevar a acabo su tarea, tienen la cabeza gacha frente a  ellos , el terror en el rostro de los que van a ser fusilados y sus gestos de impotenciaestán pintados de modo elocuente. A diferencia de otros pintores contemporáneos como Jacques Louis David, ni en esta obra ni en el cuadro El dos de mayo de 1808  que le acompaña , intentó Goya glorificar la guerra . Se limitó a plasmar una atrocidad y a condenar la inhumanidad del hombre para con el hombre .




La composición de la pintura refuerza el sentido de fatalidad, trazando una diagonal a la derecha , los soldados forman una barrera uniforme e impenetrable , ante ellos, se arrodillan la heroica figura central y sus compatriotas, de aspecto diverso y una larga fila de condenados asciende por la colina para tomar su lugar. Los coloresson apagados y sombríos , hay áreas de profunda sombra , y los detalles son escasos. La atención se centra en el hombre de la camisa blanca y la imaginación anticipa lo inevitable.



El tres de mayo de 1808 ( detalle ) 1814






Goya pintó El tres de mayo de 1808 seis años después del acontecimiento . Fue él  que sugirió a la regencia del restaurado Fernando VII la posibilidad de conmemorar la insurrección contra los franceses en dos cuadros . El encargo fue formalizado  y Goya pintó los dos lienzos; pero este, su obra maestra, no fue del gusto del rey y quedó guardado durante 40 años. Cuando finalmente salió a la luz , resultó ser una verdadera fuente de inspiración para otros artistas , ya hasta la actualidad sigue siendo uno de los cuadros más famosos sobre la atrocidad de la guerra




Goya más que ofrecer una representación narrativa de la masacre , con este cuadro Goya pretendía suscitar una respuesta emocional y utilizó la forma y el color con esa intención . En realidad, los fusilamientos tuvieron lugar de día, pero el artista  ambiento la escena de noche y usó una gama dominada por marrones, negros y
grises para crear una atmósfera de pesadilla. Mientras que muchos de sus contemporáneos buscaban en sus pinturas un aspecto pulido y prodigaban sus  detalles, Goya pintaba con una pincelada suelta , enérgica y dinámica , y a veces  aplicaba la pintura con un cuchillo o incluso con los dedos , en busca de un estilo más expresivo. En sus palabras. " Mi vista jamás descubre ni lineas , ni detalles (...) mi pincel no debe ver mejor que yo " El dramático empleo del color y la libertad de las pinceladas se aprecían también en este detalle , tanto en la cara como en lacamisa blanca a la derecha.



El punto local de esta obra es el mártir -ese hombre arrodillado a punto de ser fusilado- con los brazos extendidos de un modo que recuerdan a Cristo crucificado. En su mano derecha hay incluso una herida similar a un estigma. Fuertemente  iluminado , su camisa blanca y sus pantalones de color claro parecen emitir luz. Goya pintó a este personaje proporcionalmente mayor a los demás para aumentar  el efecto dramático ,de pie habría hecho pequeños a los soldados.



Los condenados que se hallan detrás de la figura central parecen aterrorizados. Tienen expresiones distintas , lo cual subraya su individualidad . Algunos s tapan los ojos, pero hay uno que mira a sus verdugos desafiante. Sus ropas son pardas  y parecen fundirse entre las sombras



Para finalizar hay que decir que Goya pintó dos cuadros para conmemorar el heroísmo de los españoles sublevados ante los franceses. El otro lienzo El dos  de mayo de 1808 muestra una multitud en las proximidades de la Puerta del Sol  atacando a los mamelucos, la caballería turca de la guardia imperial francesa de Napoleón , que carga contra ella.La noticia de que los miembros más jóvenes de la familia real eran llevados a Francia había sacado a la gente a la calle Y el cuadro de Goya muestra el sangriento caos que se desató. Al día siguiente el ejército apresó a los rebeldes y los ejecutó.



Mercedes Tamara
5 junio 2013


Bibliografía : Obras Maestras del Arte , Edic Blume

lunes, 3 de junio de 2013

LA GIOCONDA LEONARDO DA VINCI


LA GIOCONDA 1503-1506
La Gioconda
óleo sobre tabla 77x53 cm
Museo del Louvre  Paris 






Leonardo da Vinci ( 1452-1519 ) Fue un genio por autonomasia . Famoso por su amplitud y la variedad de su talento , que abarcó las artes y las ciencias . Fue uno de los creadores más destacados del Alto Renacimiento. Nacido en Vinci o en sus alrededores, cerca de Florencia, Leonardo fue aprendiz en el taller del artista florentino Andrea del Verrochio y desarrolló la mayor parte de su carrera entre Milán  y Florencia. Pasó sus últimos años al servicio del rey de Francia y murió en la ciudad francesa de Amboise.




Dada la diversidad de los intereses de Leonardo, fueron poco los cuadros que terminó, pero dejó en cambio muchos dibujos y cuadernos de notas . Entre otros  muchos temas , estudió anatomía , el vuelo de las aves e insectos , la forma de las rocas y las nubes y los efectos de la atmósfera sobre el paisaje . Todas sus observaciones se reflejan en sus cuadros , caracterizados por la grandeza de la forma, la unidad ambiental y el detalle exquisito . Su maestría compositiva se puede apreciar en todos sus trabajos , especialmente en La última Cena , que, por desgracia se ha deteriorado mucho con el tiempo debido a la técnica experimental de su empleo



Tras el cristal antibalas del Louvre , La Gioconda ,(también conocida comp la Mona  Lisa ) contempla a la multitud que la admira . Esta bella mujer está envuelta de misterio  no solo por su controvertida identidad sino también por la ambigüedad de la expresión de su rostro , extrañamente abierta y al mismo tiempo reservada.




Sentada y levemente vuelta hacia el espectador , como si se encontrara en un balcón ante el fondo de un paisaje imaginario y enmarcada por dos columnas apenas visibles, la Gioconda sonríe y nos mira directamente a los ojos, pero sus brazos cruzados nos mantienen a distancia. En esta obra memorable , Leonardo consiguió crear la sensación de un vínculo psicológico entre modelo y espectador , una aportación al arte del retrato que no tardaron en adoptar otros artistas.




EL REALISMO EN EL RETRATO La gran habilidad de Leonardo logró dotar de vida a este extraordinario retrato, cuyo sujeto parece prácticamente una persona real.  La tersura de la piel de la Gioconda, el brillo de su cabello y de sus ojos están logrados mediante una minuciosa atención al detalle. Vestida de forma sencilla y en principio relajada , es en especial famosa por su sonrisa, que se suele calificar
de enigmática . Es muy difícil decir cuál es exactamente su estado de ánimo a partir de la expresión de la boca o los ojos: en los labios se aprecia el esbozo de una sonrisa , pero en los ojos hay pocos indicios de alegría.


En la retratística de la época , la tendencia era pintar a las mujeres como figuras mitológicas , religiosas o históricas que encarnaban determinadas atributos femeninos deseables, como la gracia o la belleza. Tales retratos exageraban los rasgos para representar dichos ideales, alargando la nariz o el cuello. Leonardo
da Vinci no plasmó a la Gioconda ni como una Venus, diosa romana de la belleza  y del amor y la fecundidad, ni como una Virgen, dos papeles femeninos idealizados  muy populares entonces. Al celebrar los rasgos de esta mujer , perfectamente equilibrados , sin recurrir a embellecimiento alegórico ni al adorno de ropas y joyas, Leonardo rompía de un modo con la tradición.




No hay documentos relativos al encargo de este retrato y lo que sabemos de la modelo procede de las biografías de Leonardo . Tal vez era Lisa Cherandini,  esposa de Francesco de Giocondo,un rico comerciante florentino , de ahí los  nombres de Gioconda y Mona Lisa ( monna es contracción de madonna "señora " en italiano ) . La compra de una nueva casa por Giocondo en fecha cercana a la del cuadro , así como el nacimiento del tercer hijo de la pareja en 1502 son ambas  razones plausibles para encargar un retrato . La Gioconda aparece sentada en unacomposición de medio cuerpo ; este es uno de los primeros ejemplos italianos de este tipo de pose en un retrato.

DETALLES DE LA MONA LISA
Para entender mejor este retrato voy a describir minuciosamente algunos detalles de  esta obra maestra . 

SONRISA ENIGMÁTICA  Leonardo introdujo la técnica pictórica conocida como sfumato, en la que los tonos se funden de manera sutil. Usada aquí con gran efecto dota a la sonrisa de la Gioconda de una misteriosa suavidad . Las comisuras se curvan delicadamente hacía arriba , pero la expresión es difícil de leer.Junto con otros aspectos de su actitud, su sonrisa dio a la Gioconda un aire de distante tranquilidad.


CONTACTO VISUAL Mirar a los ojos es algo natural , los ojos de la Gioconda parecen devolver una mirada al espectador y seguirle si se mueve . Leonardo logró esta ilusión enfocando el ojo izquierdo directamente hacía el espectador y ladeando un poco la posición del derecho.




CABELLO.- Si se observa el cuadro con detenimiento se ve un velo oscuro que cubre  la cabellera de la Gioconda , probablemente un signo de su virtud. En cuanto a las cejas , es probable que las llevara totalmente depiladas , como en la moda de entonces.






BRAZOS Y MANOS.- Los antebrazos cruzados de la Gioconda forman la base de un  triángulo cuyo vértice superior es la cabeza . Leonardo utilizó esta composición para conseguir un efecto armonioso desde el punto de vista geográfico y grato a la vista. La Gioconda no lleva anillos ni pulseras y sus manos son carnosas y juveniles. Tanto estas como los brazos tienen el aspecto relajado propio de alguien que se halla comódamente sentado




PUENTE EN PERSPECTIVA Detrás del hombro derecho de la Gioconda se atisban los arcos de un puente sobre un río.Como otros elementos de este paisaje imaginario , Leonardo pintó desde arriba los ojos de la Gioconda , sin embargo, están al mismo  nivel que los del espectador .




MANGAS La habilidad del autor en la aplicación del óleo se puede apreciar en el modelado y los tonos de las mangas . Originalmente, estas habrían sido amarillo azafrán , pero el pigmento se ha ido perdiendo con el paso del tiempo y el barniz  aplicado a la superficie ha oscurecido el color.




DIFUMINADO
El aspecto neblinoso del paisaje es el resultado de una técnica llamada veladura, en la que se aplican capas sucesivas de pintura disuelta y transparente: cada capa debe secarse antes de aplicar la siguiente . El color azul refuerza el efectoonírico del paisaje y contribuye a dar la impresión de que el fondo se aleja.



CAMINO SINUOSO Leonardo da Vinci había usado en un dibujo temprano el recurso pictórico de un largo camino o río para conducir la mirada del espectador hacía la  distancia . Parece un elemento más del paisaje, pero es un recurso absolutamente utilizado para dar a la tabla una ilusión de profundidad y hacer que el espacio parezca plano y unidimensional.





TECNICA.- Leonardo habría hecho estudios previos de todos los elementos del retrato, esbozando cada parte por separado . Esta atención al detalle era poco frecuente y contribuyó al realismo de sus obras. Este estudio de drapeado ( abajo ) muestra el modelado de la tela con un empleo de carboncillo, tiza y aguada, la impresión de los pliegues es muy verosímil. Para pintar las mangas de la Gioconda , Leonardo aplicó la misma técnica al óleo. A la hora de pintar drapeados, Leonardo usaba modelos rígidos, sumergía trapos en escayola , que inmoviliza la tela y subraya los pliegues , lo que facilita la realización de dibujos detallado


CONTEXTO .- La icónica imagen de la Gioconda se ha subvertido varias veces a lo  largo de la historia, el caso más famoso es el el la obra L.H.O.OQ de Marcel Duchamp. de 1919. El artista tomó una postal del famoso retrato , le puso barba y bigote, y  añadió esas letras debajo, que leídas en francés dicen Elle a chaud au cul ( Ella tiene el culo caliente , esto es está excitada ) Más allá de la provocación Duchamp sugería acaso la ambigüedad sexual del personaje





Mercedes Tamara

3 -junio 2013

Bibliografía : " Obras Maestras del Arte , Edic Blume



domingo, 2 de junio de 2013

LA BAÑISTA DE VALPINÇON JEAN-AUGUSTE DOMINIQUE-INGRES


LA BAÑISTA DE VALPINÇON 1808
La bañista de Valpiçon
óleo sobre lienzo 146 x 97 cm
Museo del Louvre , París












Ingres, uno de los gigantes de la pintura francesa del siglo XIX , es valorado por la pureza y el rigor de su estilo, pero su obra tiene también un lado profundamente  personal y sensual. La larga carrera de Ingres se desarrolló principalmente entre  Paris e Italia, fue como alumno de la Academia Francesa en Roma y la segunda, como director de la misma . En sus inicios, su obra fue a veces controvertida,  pues los críticos conservadores la consideraban extravagante, pero en su vejez  fue una de las figuras más estimadas de la pintura francesa. Además de ser uno de los más grandes maestros del desnudo femenino , Ingres fue famoso por sus cuadros de tema histórico, mitológico y religioso y también como retratista ( su producción de retratos , tanto dibujos como óleos, fue muy abundante ) . Legó  una gran colección de arte ( propio y de otros artistas ) a su ciudad natal de  Montauban , que en la actualidad alberga un museo que lleva su nombre.




La bañista de Valpiçon es un lienzo con un perfecto equilibrio de intimidad y  grandeza, de contemplación despegada y encanto sensual, Ingres creó uno  de los más grandes desnudos de la historia del arte. El cuadro , originalmente  titulado Mujer sentada , toma su nombre de un coleccionista al que perteneció antes de que lo adquiriera el Louvre en 1879, Ingres lo pintó en Roma, pero la falta de fondos -eran tiempos revueltos en Francia -retrasó su viaje a Italia. Como los ganadores de este prestigioso premio en otros años , durante su estancia en Roma , Ingres tuvo que enviar varias obras a Paris para que las autoridades comprobaran que hacia un uso apropiado de los fondos públicos y este es uno de los cuadros elegidos por Ingres para demostrar sus progresos.No obstante , fue recibido con frialdad , al igual que otras obras tempranas de  Ingres. Algunos críticos pensaban que sus figuras carecían de la solidez y tridimensionalidad tradicional y que su aspecto era insípido y sin osamenta. Ingres sin embargo, miraba más allá del naturalismo convencional y estaba  dispuesto a modificar o a exagerar el aspecto de sus figuras en beneficio de la armonía pictórica. Era un dibujante excelente, muy capaz de representar la anatomía humana con precisión , pero en su elevada concepción del arte las imperfecciones de la naturaleza debían corregirse para crear una belleza "ideal".




Esta actitud estaba influida por su principal maestro, Jacques- Louis David el mayor exponente del neoclasicismo pictórico que pretendió recuperar el espíritu. además del estilo, del mundo grecorromano. Pero aún más importante  que David fue el efecto que sobre el pintor tuvo Roma. Ingres halló inspiración no sólo en los restos del arte antiguo, sino también en la pintura del Alto Renacimiento y sobre todo en la obra de Rafael. Hay un hilo de claridad y equilibrio que une el arte clásico , la pintura de Rafael y la pintura de David. Ingres también apreciaba tales cualidades . pero en cierto aspecto difirió mucho de sus referentes.



En particular, su estética era menos severa que la de su maestro David y se aprecia un énfasis personal en la suavidad de lineas y en el pulido exquisito de las superficies. Así, en La bañista de Valpiçon , al artista le interesó más dar al cuerpo de la mujer un contorno fluido que sugerir la estructura ósea subyacente . Esto resulta especialmente claro en la pierna derecha: está dibujada con suprema  elegancia, pero si se observa con detenimiento no parece unida al cuerpo de  forma convincente.




Ingres era un perfeccionista que revisaba sutilmente sus temas y motivos favoritos. Por ejemplo, en El baño turco de 1863 ,una de las figuras principales recrea claramente La bañista de Valpiçon , aunque allí toca una mandolina . El baño turco es una obra maestra indiscutile-con una carga erótica sorprendente teniendo en
cuenta la edad a la que lo pintó Ingres- `pero el artista no consiguió superar la belleza intemporal que había logrado más de medio siglo antes en La bañista de Valpiçon


COMPOSICIÓN- Este lienzo transmite una sensación de dignidad monumental , frutode la seguridad compositiva del artista. Las firmes verticales trazadas por las telas del cuadro encuentran ecos sutiles en las curvas del cuerpo de la mujer . La linea predomina sobre el color , pero el autor demuestra una gran maestría a la hora de equilibrar las amplias áreas de piel y tela . La amplia área de la espalda está formada  por una serie de majestuosas formas abstractas , pero a la vez transmite el tacto y la textura de la piel . Ingres sostuvo siempre la primacia del dibujo sobre el color, pero lo cierto es que con frecuencia lograba efectos de color deslumbrantes, como en la gloriosa extensión de la piel dorada . El rostro de la bañista solo es visible en parte, por lo que el tocado rayado cobra un protagonismo notable. Los turbantes aparecieron en la pintura europea en el siglo XV, y en la época de Ingres se veían a menudo en el arte de estilo orientalista, que puso de moda las imágenes inspiradas en las culturas de Oriente Próximo y Medio del norte de Africa .

Una tela blanca de elaborados pliegues envuelve el codo izquierdo de la bañista. Ingres debió de incluir este detalle por razones puramente pictóricas, a fin de suavizar al agudo ángulo del codo y para obtener un contraste de color y de textura con la piel de la bañista. El único movimiento obvio del cuadro se encuentra en el chorro  de agua que sale de un surtidor en forma de cabeza de león. La ambientación general del cuadro es neutra, pero este detalle aporta una nota exótica lejana en el tiempo y en el espacio



Mercedes Tamara Lempicka
2-junio 2013



Bibliografia : París, Museo del Louvre Edic Ufmann