sábado, 10 de agosto de 2013

BRINDO ALTOVITI RAFAEL




BRINDO ALTOVITI 1516-18




Brido Altoviti
óleo sobre tabla 59,5 x 43,8 cm
Washindton , National Gallery of Art





El retrato de Brindo Altoviti es una de las pocas pinturas de Rafael que han llegado hasta nosotros con una procedencia completa y diáfana. Permaneció en el Palazzo Altoviti de Roma hasta comienzos del siglo XIX , si bien para entonces se había perdido su identidad y se consideraba autorretrato de Rafael. En 1808 se vendió al  príncipe heredero Luis de Baviera por mediación del marchante y pintor Georg Dillis y en ese mismo año Luis lo cedió a la Alte Pinakothek. La pinacoteca lo conservó hasta 1938, año en el que, la creencia de que era de Giulio Romano, lo vendió a sir  Joseph Duveen para allegar fondos con los que adquirir un retrato alemán del Renacimiento que entonces se atribuía a Mathias Grünelwald.



Brindo Altoviti  ( 1491-1557 ) era un banquero florentino , gran aliado de los Médicis en la época en que pintó este retrato . Pero tras la caída de la República florentina en 1530 pasó a ser adversario de esa familia apoyando y financiando varias conspiraciones fallidas contra Alejandro y Cosme . Como consecuencia , éste confiscó las propiedades de Brindo en Florencia en 1555 lo que probablemente aceleró su muerte.









Brindo parece haber tenido amistad con muchos artistas , entre ellos Miguel Angel ,que le dio el cartón para la Embriaguez de Noé de la Capilla Sixtina , ahora lamentablemente perdido. Era entendido en arte y en 1516 fue designado para tasar la Virgen del Porto de Jacopo Sansovino en la iglesia de Sant Agostino encargo que probablemente llevó a cabo.En sus últimos años fue retratado por Jacopino del Conte ( Montreal, Museum of Fine Arts ) y también posó para el magnífico busto de Benvenuto Cellini que ahora se encuentra en el Isabella Stewart Gadner Museum de Boston. Su encargo más importante en la época que nos interesa se hizo a Rafael,un cuadro de altar para la capilla privada del palacio florentino de Altoviti, la llamada Madonna dell Impannata . Esta obra ha sido muy controvertida y es claro que estuvo largo tiempo en ejecución.



Retrato de una joven ( ¿ Fiammentta Soderini? ) Giulio Romano
óleo sobre tabla 59,5 x44 cm
Estragurgo , Musée des Beaux Arts






En 1965 Retrato de una joven ( ¿ Fiammentta Soderini ? ) Lachotte sugirió que este retrato formara pareja con el de Brindo Altoviti , le secundó en ello Curin  ( 1983 ) aunque Beguin ( 1981) y Ferino Pagden  ( 1989 ) expresaron escepticismo , al igual que, recientemente Meyer sur Capellen  ( 2008 ) ,La cuestión fue examinada con cierto detalle por Brown y Van Niummen en su estudio de 2005, donde resumieron las posiciones de otros estudiosos y añadieron sus puntos de vista .Como han señalado cuantos se han planteado la cuestión , las dos pinturas son emocional y psicologícamente congruentes  y complementarias : sus amorosos gestos bien podrían ser recíprocos.

Las dos tienen exactamente el mismo tamaño y en ambas cae la luz desde la izquierda . Las dos cabezas se recortan sobre un verde de tono similar , aunque en Retrato de una joven (¿ Fiammentta Soderini ? ) parece ser una cortina y el entorno de Brindo es indefinido . Sin embargo, parte del "efecto cortina " se debe a que esta zona del cuadro fue revisada, y ahora se transparenta un retrato
subyacente ; el efecto de tela, aunque probablemente estuvo siempre presente , sería menos pronunciado cuando la pintura estaba fresca . Y en el lado izquierdo de Brindo hay una banda vertical ancha que también podría ser una idea inicial de cortina. En cualquier caso, los escenarios de los pendants no suelen ser totalmente congruentes a los artistas en general, y a los italianos en particular, les gustaba introducir cierto grado de variedad entre uno y otro.

Estas dos pinturas forman una pareja admirable y es probable que como tal fueran proyectadas y pintadas y pintadas , la una por Rafael y la otra por Giulio Romano. Que Brindo encargara su propio retrato y después decidiera sumarle otro, o que  encargase ambos desde el principio, es un interrogante abierto. Los especialistas que han aceptado las dos pinturas como pareja han supuesto casi siempre que la Joven fuera la esposa de Brindo. Fiammentta Soderini , nacida en 1497 y casada con él en 1511. Brown y Van Niemmen consideran el asunto atentamente , pero datan con bastante imprecisión el retrato de Fiammentta dando preferencia a una fecha posterior a la muerte de Rafael.


Mercedes Tamara Lempicka
10 -agosto-2013



Bibliografía : Rafael, Edic Biblioteca El Mundo



jueves, 8 de agosto de 2013

BAUTISMO DE CRISTO ELGRECO

BAUTISMO DE CRISTO 1608-1622

Bautismo de Cristo
óleo sobre lienzo 330x 211 cm
Hospital Tavera , Toledo








En 1608 , El Greco recibe el que será su último gran encargo: el conjunto de retablos,esculturas y pinturas destinadas a la iglesia del hospital de san Juan Bautista de Afuera , también conocido como hospital Tavera . Cuando muere en 1614 , no estaban terminados los lienzos y Jorge Manuel asumió el compromiso de finalizarlos , compromiso que no pudo cumplir, lo que le acarreó serias consecuencias judiciales y económicas.



El bautismo de Cristo , finalizado en 1622, estaba destinado a presidir el altar mayor, si bien hoy en día ocupa el retablo lateral del templo. Wethey pensó que a El Greco sólo le dio tiempo a trazar el bosquejo general de la escena . A pesar de ello , se acepta que determinadas figuras pertenezcan por entero a su mano. De todo lo creado es lo único que se conserva in situ , ya que el encargo de Tavera es un ejemplo de la dispersión de los grandes conjuntos del cretense.



El precedente formal y compositivo más inmediato es el Bautismo que pintó a finales del siglo XVI para el colegio de D. Maria de Aragón. Pero como siempre, El Greco huye de las copias literales e introduce modificaciones evidentes que responden a significados concretos . La frontalidad que presidía el Bautismo del colegio madrileño ha desaparecido dando paso a un desplazamiento de Dios Padre hacía la derecha. Con ello rompe la simetría, impone una fuerte linea oblicua y aumenta la caída diagonal de las luces dando mayor arrebato a la escena. Tanto la figura de la divinidad como la gloria celestial que le acompaña traduce el deseo de hacer de los cuerpos celestiales " cuerpos alusivos "al decir de Dionisio de Aeropagita, esto es, cuerpos sutiles, transparentes y llenos de luz.



En la escena inferior se desarrolla la historia terrenal propiamente dicha , en un desdoblamiento familiar a Doménikos. Sobre el suelo rocoso , partido en dos por el simbólico Jordán , las dos grandes figuras del Bautista y de Jesús.  Marcando los contrastes anatómicos , acentúa también la diferencia de gestos, humilde y sumiso al Redentor, concentrado y obediente a san Juan . Entre ellos , de nuevo los ángeles que, a manera de oficiantes de la liturgia , ayudan a colocar el ropaje de la gracia divina al mismo tiempo que dan testimonio de la acción al introducir el reiterativo gesto , ya tan familiar,del brazo levantado con la palma hacía arriba.



La riqueza de personajes ahonda en la defensa de la Iglesia de la Contrarreforma de las ceremonías y defiendew el valor de la liturgia de los sacramentos. Todo ello con el estilo más exacerbado del pintor en sus horas finales. Cuerpos arbitrariamente deformados,escorzos atrevidos y llenos de dinamismo , luces y reflejos que anulan cualquier sensación espacial , aumentando la percepción de la visión y del milagro. Los colores entran en juego con fuerza y crean un diálogo lleno de contrastes. Con los años El Greco demuestra que no ha perdido un ápice de su fuerza cromática y así,depliega azules, rojos, amarillos y blancos, consiguiendo crear la atmósfera apropiada para el paisaje sobrenatural.


Mercedes Tamara Lempicka
8 -agosto-2013


Bibliografía : " El Greco " " El pintor humanista : Obras completas Edic Libsa

martes, 6 de agosto de 2013

LA ESPERA RICHARD OELZE

LA ESPERA 1935-1936
La espera
óleo sobre lienzo 81,6 x 100, 6 cm
Nueva York, The Modern Museum of Modern Art













La espera (Erwartung ) de Richard Oelze constituye una categoría en si misma , dentro del arte fantástico. No sólo es una de las obras más herméticas y misteriosas que existen, sino que también ha acabado por convertirse en un icono del arte europeo de los años treinta, consiguió capturar el espíritu de la época como ningún otro cuadro También puede verse en él un reflejo del artista , si bien la personalidad de Oelze sigue planteando aún hoy algunos interrogantes.



Oelze procuró aislarse siempre en Paris entre 1933 y 1935 ( hay cuadros surrealistas de su primera época ) Pintaba sus propias visiones y rechazaba toda influencia exterior, tanto la de su formación ( en la Bauhaus ) como la de su lugar de residencia ( vivió durante 16 años en Worpswede ) o la de sus colegas de ideas afines . El mismo destruyó parte de su obra manchándola, rasgándola, quemándola.






El ánimo que desprende La espera , pintado en Paris, resulta difuso y velado, apenas algunas pinceladas de tonos pardos y grises alteran el desvaído tono amarillo predominante en el lienzo . El centro del cuadro acontece, un hecho misterioso e imposible de averiguar, se encuentra en la amplitud del cielo Se manifiesta en una oscura mezcla de estrías y nubarrones que se arremolinan violentamente y despiertan gran expectación ; hay relámpagos en la lejanía. Unos
cuantos árboles dispersos, que recuerdan, uno de los primeros paisajes de helechos de Oelze, adornan un vasto terreno en cuyo centro se encuentra una hondonada . El terreno es de una extendida monotonía cromática , en el que nada sucede y nada puede descubrirse . Este rincón verdaderamente perdido , que el espectador ,podría sin más, haber pasado por alto, puesto que nada en él resulta atractivo , se convierte a medida que se observa con mayor detenimiento en segundo escenario de un suceso excepcional.








Al borde del terreno ,sobre el margen inferior del cuadro, aparecen un grupo de personas vestidas de calle, con abrigos que parecen contemplar absortos alguna cosa . Están vueltos de espaldas al espectador ; de modo que éste mira casi por encima de sus hombros . Sólo un hombre y una mujer apartan su mirada del suceso.La tensión de estas figuras se transmite en la mera contemplación, resulta casi palpable y constituye la clave de esta escena de fuerte contenido fantástico.Da la impresión de que se avecina una catástrofe natural a cuyos presagios nadie parece haber prestado particular atención . Cualquier horror, por muy grandes que sean sus dimensiones ,comienza con pequeñas señales apenas perceptibles para el ser humano. Así, es posible que el cuadro apunte a que en 1935 un pequeño grupo de personas intentó ya sofocar las primeras llamaradas del incendio que poco después se abatiría sobre el mundo . De ahí, que haya que buscar la fantasía de este cuadro en su latente ambigüedad, que hace de él, en tanto que documento contemporáneo , una visión profética del futuro.





Incluso aunque Oelze no hubiese pretendido formular un presagio artístico del destino de Alemania , desde el punto de vista puramente estético creo un cuadro increíble en el que puede leerse multitud de significados plasmados quizás inconscientemente sobre la tela. Pero la misma espera, crea por si sola una intensidad que se transmite de inmediato al espectador . Sin argumentos formales evidentes , sin estimulantes juegos de colorido, en una acción inequívoca y sin afán admonitorio alguno, Oelze evoca una tragedia ,única en su género








Mercedes Tamara 
6 agosto 2013


Bibliogragía "Arte fantástico " Edic Taschen