sábado, 4 de enero de 2014

CRISTO CRUCIFICADO CON DOS ORANTES EL GRECO

CRISTO CRUCIFICADO CON DOS ORANTES 1777-1580
Cristo crucificado con dos orantes
óleo sobre lienzo 260 x 178
Museo del Louvre, Paris



Firmado con letras mayúsculas al pie de la cruz, la escena contiene en germen todos los elementos que a posteriori El Greco mantendrá en futuras composiciones con el mismo tema . En esta ocasión representa una imagen cuya sobriedad realza la fuerza espiritual que contiene. En el centro dispone el eje de la cruz que adquiere una gran verticalidad , rasgo habitual de ahora en adelante, y sobre todo el bastial, el cuerpo de Cristo en leve " serpentinata ", se dispone con un modelado destinado a realzar la delicadeza de los rasgos anatómicos. Partiendo de un canon claramente manierista , la proporción longuilinea y la suave caricia de la luz sobre la musculatura acentúan la naturaleza divina del Redentor. Para su concepción se ha querido ver la influencia miguelangelesca, concretamente a partir del dibujo de  Cristo crucificado de Vittoria Colonna ensalzado por Vasari como ejemplo de la agonía en la cruz. Al igual que Miguel Angel, El Greco concibe a Cristo aún vivo, a punto de expirar, quizás en el momento en que se producen las palabras recogidas en el evangelio de San Mateo " Dios mío, Díos mío....¿por qué me has abandonado?. Reforzado el interrogante, la mirada del Salvador se dirige a algún punto abstracto, fuera del lienzo, mientras que el celaje del fondo simula el eclipse que acompaña a la muerte de Jesús . La bóveda celeste se rasga y El Greco concibe una contorsión de nubes atormentadas , a medio camino entre luces crepusculares y nocturnas. Sobre ese fondo abstracto, la luminosidad del cuerpo de Cristo se construye a partir de todos los elementos que la iconografía fija para este momento. El paño de pureza, ligeramente caído evita la desnudez inconveniente según las reglas del decoro; los tres clavos ayudan a mantener la contorsión de la " serpentinata ", ya que al montar un pie sobre el otro , la cadera se desplaza forzando la asimetría buscada por el Manierismo. El letrero, coronando la cruz, es fácilmente legible . En él , el cretense  ha dispuesto en hebreo , en griego y en latín el recordatorio de que quien allí yace es " Cristo , rey de los judíos ".



Al pie, los dos donantes se retratan con gran realismo , haciendo gala de la dualidad estilística con la que El Greco suele tratar los temas sagrados . A la izquierda, un clérigo con sobrepelliz junta sus manos en actitud de oración . A la derecha, un noble ataviado a la moda propia de Toledo del siglo XVI , parece actuar como testigo del milagro que presencia. Su identificación ha dado lugar a no pocas dudas. Para algunos historiadores se trataba del retrato de los hermanos Covarrubias , pero tal hipótesis está hoy prácticamente descartada. En cambio, la procedencia del cuadro puede aportar algunos datos que permitan reconstruir la identidad de ambos . Al parecer, el cuadro procede del convento de monjas jerónimas de la Visitación de Toledo, donde lo vio Palomino en 1715.  Los dos personajes pudieran ser, según Isabel Mateo, algunos de los que estuvieron relacionados con las obras del convento y avanza los nombres del canónigo Dionisio de Melgar , y de D. Blas de Fuentechada o de D. Pablo Ródriguez de Belalcazar ( ALVAREZ, 1993 ) Independientemente, su inclusión en el cuadro responde a la espiritualidad de la Contrarreforma en la que la aparición del donante se resuelve mediante una composición en " abisso " esto es, compartiendo el mismo espacio que la figura sagrada pero manteniendo una distancia decorosa con respecto a ella ( MARIAS, 1989 ). De este modo, la presencia de los dos retratos , en los que se ha señalado muchas semejanzas con algunos de los personajes que figuran en el Entierro del conde de Orgaz , no sólo sirve como testimonio del sacrificio de Cristo, sino que semeja una visión espiritual por parte de los dos testigos en un momento de recogida oración.



La cronología del lienzo se sitúa en los primeros años de su estancia en Toledo. Aunque es un tema netamente español, la ejecución formal, esw decir, el estilo utilizado por El Greco, está lleno de recuerdos italianos que se reflejan en otras composiciones de fechas similares como el de San Sebastián de Palencia o la Trinidad de Santo Domingo , el Antiguo. No sólo Miguel Angel . Es posible que también haya un recuerdo evidente del Cristo de Benvenuto Cellini regalado por Cosme de Médicis a Felipe II y colocado en la basílica de El Escorial , donde pudo contemplarlo El Greco.



Mercedes Tamara
4 -enero- 2014


Bibliografía : El Greco El pintor humanista : Obras completas Edic Libsa

viernes, 3 de enero de 2014

LA AURORA Y EL CREPÚSCULO MIGUEL ANGEL


LA AURORA Y EL CREPÚSCULO 1524-1527

La aurora y el crepúsculomármol 203 cm y 195 cm de anchura
Capilla Médicis , iglesia de San Lorenzo, Florencia



Miguel Angel comenzó las figuras de La aurora y El crepúsculo , en octubre de 1524 y en el año 1526 ya estaban casi finalizadas . La aparición de dos momentos del día tan indeterminados , como son la aurora y el crepúsculo , bajo la estatua sedente de Lorenzo de Médicis , duque de Urbino, se relaciona con la naturaleza dubitativa y pasiva de la vida contemplativa que éste representaba. Tradicionalmente se considera a la aurora la mensajera del sol porque precede al nacimiento del día. Los poetas la describen montada a un carro rutilante , tirado por cuatro caballos blancos, esparciendo sobre la tierra el rocío que hace crecer las flores.


En este monumento funerario yace sobre la curva del sarcófago del duque Lorenzo, mostrando su cuerpo robusto y laxo en una postura que se inspira en los modelos de las antiguas divinidades fluviales. Su cabeza expresa angustia y dolor, por lo que varios autores la han considerado como símbolo de la ciudad de Florencia.: vencida y humillada. De hecho, sus atributos son el velo que cubre su cabeza , como símbolo de luto , y las ataduras que rodean su pecho, emblema de la esclavitud u opresión . Parece que acaba de levantarse y se disgusta . Puede que esté triste por la muerte de Lorenzo , que le horrorice enfrentarse a un nuevo día , o que le espante despertar de su sueño y contemplar la figura de La noche , símbolo de la muerte , que se encuentra en la tumba de enfrente.




La escultura de la figura de La aurora vuelve la espalda a su pareja . El crepúsculo, formando una contraposición física y también conceptual, ya que ambos muestran estados de ánimo opuestos. Ambas figuras comparten la misma postura de sereno descanso, extendiendo sus piernas hacía el vacío. La actitud de El crepúsculo ,repite la que adoptaban la pareja de Castigo de Amán en la Bóveda de la Sixtina, que, a su vez, provenían de las divinidades fluviales y montañosas que aparecían en el arco romano de Septimio Severo. Ha sido considerado como símbolo del reposo y de la calma . Contrastando con su cuerpo pulido , casi terminado, la cabeza de El crepúsculo aparece sólo esbozada , delatando las marcas del cincel del maestro, lo que contribuye a expresar la incertidumbre del momento crepuscular . Además, conforme a la hora del día que representan, el rostro barbado y varonil de El crepúsculo refleja más madurez que la juventud de la escultura de La aurora.


Mercedes Tamara

3-enero-2014

Bibliografía : Grandes Maestros Miguel Angel, Edic Libsa

jueves, 2 de enero de 2014

PUEBLO PESQUERO NORUEGO LAURITS BERNARD HOLST

PUEBLO PESQUERO NORUEGO 1894
Pueblo pesquero noruego
óleo sobre lienzo 38,1x 48,3 cm
Russell Cotes Art Gallery , Boumemouth




Laurits Bernard Holst ( 1848-1934 ) autodidacta ,pintor danés de marinas , viajó a la edad de veinte años a Estados Unidos donde perfeccionó el arte de plasmar el mar en imágenes. Más tarde regresó a Dinamarca y acabó estableciéndose en Inglaterra en 1873.


En la composición de Pueblo pesquero noruego pueden diferenciarse tres planos:
las montañas y el cielo constituyen el telón de fondo, el pueblo se halla en el centro y el mar conforma el primer plano. El mar es sombrío, gris y poco invitador, una típica plasmación de las aguas costeras cercanas al círculo polar ártico.

Con el uso de tonos grises y un leve toque plateado , Holst ha transmitido una sensación de frío extremo. El pueblo cuyas casitas se arraciman al pie del fiordo,aparece diminuto e insignificante comparado con el agreste entorno . Rocas y empinadas laderas montañosas se alzan por encima y alrededor del pueblo, encerrando a los habitantes. Holst estaba fascinado por la dureza y belleza del mar , y lo convirtió en su fuente de inspiración habitual. Recibió amplio reconocimiento de las casas reales danesa e inglesa y después de su muerte, sus cenizas fueron esparcidas en el mar frente a la costa de Boumemouth






Mercedes Tamara
2-enero-2014




Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume


miércoles, 1 de enero de 2014

GIULIANO DE MÉDICIS MIGUEL ANGEL


GIULIANO DE MÉDICIS 1526-1534
Giuliano de Médicis
.mármol 173 cm de altura
Capilla Médicis, Iglesia de San Lorenzo, Florencia
















Giuliano de Médicis , duque de Nemours, era hermano de León X y murió en el año 1526, con treinta y ocho años de edad. Junto con Lorenzo , era el único antepasado directo de Cossimo de Médicis, el gran patriarca del clan. Su amistad con Baltasar Castiglione le llevó a ser uno de los protagonistas interlocutores de El Cortesano donde se muestra como defensor de los derechos de la mujer.






Desde un nicho situado sobre un sarcófago, decorado con las figuras de la Noche y el Día, Giuliano de Médicis contempla la figura de la Virgen y los santos patronos, que en un principio debían decorar la doble tumba de sus antepasados y hoy reposan sobre un sencillo altar . La posición que adopta el duque de Neumors es la misma que presenta la majestuosa escultura del Moisés , ejecutada diez años antes por Miguel Angel para decorar el mausoleo de Julio II . Su pierna derecha reposa sólidamente mientras la izquierda retrocede como si estuviera a punto de levantarse y salir del nicho. En esa actitud de alerta la que ha hecho que algunos le consideren como un símbolo de acción , frente a la figura de Lorenzo, que sería emblema de la contemplación . Los largos dedos de su mano derecha toman deliberadamente el bastón de mando de la Santa Iglesia , que descansa sobre sus rodillas, y, su mano izquierda cae, fatigada, sosteniendo varias monedas. Estas se han interpretado bien como un signo de generosidad del duque, bien como un simbolo de la muerte, por ser el tributo que su alma debe pagar a Caronte para poder atravesar el río Aquerón y llegar al otro mundo.




Esta es la única figura que quedó totalmente terminada . Al igual que en la efigie del duque de Urbino, Miguel Angel no trató de plasmar los verdaderos rasgos del difunto. Sabemos por otros retratos de la época que llevaba barba pero ahora aparece como un joven guerrero de hermosas facciones y cabellera de héroe al que la muerte ha purificado.



Mercedes Tamara
1-enero-2014

Bibliografía : Grandes Maestros Miguel Angel, Edic Libsa










lunes, 30 de diciembre de 2013

CORONACIÓN DE LA VIRGEN EL GRECO

CORONACIÓN DE LA VIRGEN 1591-1592
Coronación de La Virgen
óleo sobre lienzo 105 x 80 cm
Nuestra Señora del Rosario ( Talavera de la Reina )


En 1591, la cofradía de Nuestra Señora del Rosario del pueblo cacereño de Talavera la Vieja le hacía el primer encargo fuera de Toledo. Se trataba de que realizara el retablo completo , con la escultura de la Virgen y los lienzos de la Coronación de San Pedro para las calles laterales. El contrato también cita otras dos pinturas con la Visitación y la Presentación, aunque no hay certeza de que El Greco llegara a realizarlas . De todo este conjunto sólo han sobrevivido los tres lienzos , perdiéndose el resto en 1936.



El contrato exigía que la Coronación aparecieran San Juan Bautista , San Juan evangelista, Santo Domingo con el rosario, San Antonio abad, San Pablo y San Francisco. Fue entregado en 1592 y el artista repite para su composición el esquema de El entierro del conde Orgaz con lo que consigue esa síntesis entre lo real y lo sobrenatural que marca su estilo. En una elipse dispone las figuras de los santos, claramente identificados con sus atributos iconográficos . En ellos despliega una gran cantidad de movimientos, posturas y gestos con lo que crea una sensación anímica y espacial de gran realismo. A su vez la escena de la coronación la envuelve en un esquema romboidal, aportando equilbrio y simetría . El punto focal y el mayor cromatismo se centra en la figura de la Virgen que descansa en la media luna con lo que El Greco vuelve a rememorar el capítulo de la Inmaculada Concepción , como ya lo hiciera en la escena central del retablo de Santo Domingo el Antiguo. La imagen completa se inspira con mucha libertad en la estampa de Durero de la Asunción aunque frente a ésta aporta mayor coherencia y armonía.

El Museo del Prado posee una réplica firmada y de tamaño similar , lo que prueba que El Greco incorporó este tema a su repertorio de cuadros de devoción.

Mercedes Tamara
30 -12-2013


Bibliografía : El Greco El pintor humanista : Obras completas Edic Libsa