viernes, 18 de mayo de 2012

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS EL BOSCO

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS  1510

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS
Óleo sobre madera 220 x389 cm
Madrid , Museo del Prado



Bosch , contemporáneo de Leonardo da Vinci ,es uno de los pintores europeos más importante de la época . Los esfuerzos por descifrar el lenguaje simbólico de su obra , el cual es ciertamente importante para entender la historia del pensamiento , han hecho olvidar a menudo la consideración de la calidad de las pinturas . No se sabe apenas nada sobre el aprendizaje y las primeras obras del Bosco . La minuciosa ejecución que caracteriza incluso sus trípticos de gra n formato , ha llevado a pensar en su  formación de miniaturista , pero faltan pruebas seguras que apoyen esta tesis . 

A medida que va evolucionando , El Bosco perfecciona su técnica pictórica , en cuanto que el color llega a adquirir la misma  importancia que la linea . Por algo , fue El Bosco contemporáneo de Leonardo , aunque no está claro que conociera sus obras .El  Bosco fue junto a Geertgen tot Sint Jans el gran paisajista de los Países Bajos de finales del siglo XV y principios del XVI El impulsó el desarrollo de la pintura  paisajista en Europa ( por ejemplo en Palinir ) así como en la de los Países Bajos ( por ejemplo en el ciclo de los" Meses del año " de Pieter Brueghel ) Bosch, que ya fue admirado antes de su muerte , fue particularmente apreciado en España , precisamente allí donde la Inquisición cometió los mayores excesos.

Al igual que el Carro de Heno y Juicio  Final , el Jardín de las Delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica tradicional. De entre los trípticos de El Bosco , el Jardín de las Delicias es el mayor , el más detallista y el más tardío , pudiendo considerarse como  su obra maestra. Lleva su título desde el siglo XVI : cuando se llevó a El Escorial el 3 de julio de 1593 se designó como" una pintura de la variedad del mundo " . Sólo el ala izquierda se inscribe en el mundo familiar de las representaciones cristianas : en el primer plano , Dios Padre y un Adán y Eva para que vivan en armonía con la naturaleza y todos los seres de la creación 

El paraíso terrenal compuesto de suaves colinas , praderas, setos y un estanque, cobra vida con los animales y plantas ,entre los que llama la atención especies exóticas. Solo los extraños contornos de los montes rocosos del fondo indican una posible perturbación de la pacífica convivencia . En cualquier caso , la tabla central presenta a la humanidad dándose los placeres de los sentidos , representados en inagotables variaciones , cuya comprensión se revela en su contemplación.

En el centro aparece un estanque , cuya forma circular queda subrayada por un cortejo de jinetes , compuesto por desnudos¿ Se trata de una fuente de juventud ? un  motivo muy extendido en la pintura del siglo XVI , o de las aguas en que los hombres bañan sus pecados .En el ala derecha El Bosco ha pintado los tormentos del infierno a los que se ve expuesta toda la humanidad .Aquí no hay justos ni pecadores, como en la representación del Juicio Final sino solo condenados sin esperanza de salvación.

Quiere expresar El Bosco un profundo pesimismo , influenciado por los trastornos que conmovían a la iglesia, presagiando asi el tambalearse dela esperanza en la salvación firme durante siglos . En cualquier caso describe un mundo oniríco , demoníaco,opresivo de innumerables tormentos . A pesar de estar compuesto por numerosos pequeños detalles , el tríptico se basa en una composición muy reflexionada El paraíso y la tierra están unidos por la misma claridad y un mismo horizonte 

Mercedes Tamara
18 mayo 2012


Bibliografía : El Bosco, Edit Biblioteca El Mundo


jueves, 17 de mayo de 2012

LA PARRA DE ANTONIO LÓPEZ

LA PARRA 1955

La parra de Antonio López 
óleo sobre lienzo 48,5x 48,5 cm
Colección particular


Sin duda, uno de los temas hacía los que Antonio López se muestra fiel durante toda su vida es el de la representación de la naturaleza . Como conjunto,como paisaje , o captada como detalle ,como nacimiento y definición de una forma de efímero esplendor . En este caso se trata de uno de los primeros cuadros en los que plantea esa especial lucha  contra algo cambiante , por estar vivo, como en la naturaleza vista en detalle.

El pintor se fija en un racimo de uvas  rojas , y el estallido de la luz sobre ellas. La captación de esa luz cambiante que altera la visión de la realidad, es un problema difícil para un pintor, máxime  si además es joven . La solución es un espléndido estudio del color , de las formas , de la incidencia de la luz solar sobre ellas , del nacimiento de motivos a veces definidos y recortados a modo de sombras -y abstractas presencias del color . De nuevo es visible la huella de la pintura romana , pero también de los recursos casi constructivos de 
Cézanne.

El problema pictórico planteado es similar al que afronta , décadas después , cuando inicía un cuadro y Victor Erice en El sol del membrillo, 1992 ) sigue la evolución de su diálogo, de su disputa , de su persecución de ese imposible que es detener la naturaleza en su proceso de evolución . El sistema de trabajo es similar en ambos casos: el pintor sigue los cambios y los corrige en el lienzo . La diferencia es que, al pintar, La parra todavía cree poder alcanzar el reto.

Actualmente es partidario de seguir la evolución de cada fragmento ( una flor que se abre, una fruta a punto  de madurar ) y dar la obra por concluida cuando la evolución del motivo lo ha transformado , lo que no deja de ser un acto de sinceridad y seguimiento.

Mercedes Tamara
17 mayo 2012


Bibliografía : Antonio López , Edit Biblioteca El Mundo

miércoles, 16 de mayo de 2012

LAS TRES GRACIAS DE PEDRO PABLO RUBENSS





LAS TRES GRACIAS 1636 -1639  

LAS TRES GRACIAS DE RUBENS
Óleo sobre tabla 221x181 cm
Madrid, Museo del Prado




Las Tres Gracias es la obra más famosa de Rubens. Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid. Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen  desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse.



Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. El asunto y la manera de tratarlo se remontan al arte clásico pero fue Rafaeel, en el Renacimiento, quien lo recobró. Rubens mantiene la composición del italiano, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad
al grupo.

También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes. La sensación de movimiento gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena.



Las flores de la guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas,en  cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las  os esposas del pintor -Isabella Brant y Hélène Fourment-mientras otros opinan que se trata de diferentes variaciones de ésta última. La belleza femenina de la pintura de Rubens está resumida en este magnífico trío.

  Mercedes Tamara 
16 mayo 2012


Bibliografia : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

lunes, 14 de mayo de 2012

LOS JUGADORES DE CARTAS DE PIETER DE HOOCH

LOS JUGADORES DE CARTAS 1663-1665

Los jugadores de cartas de Pieter de Hooch
óleo sobre lienzo 67 x 77 cm
París Musée du Louvre






Sus comienzos en el mundo de la pintura no fueron  precisamente difíciles. Hijo de albañil, realiza su primer aprendizaje en Haarlem con Nicolaes Berchem. Hacía 1650 se convierte en pintor y ayuda de cámara de un comerciante de paños y coleccionista de obras de Rotterdam; al que acompaña en sus viajes a Leiden, La Haya y Delt . 


Después de contraer matrimonio de Delf es aceptado en 1655 en el gremio de San Lucas de la ciudad . Hacía 1667 se traslada a Amsterdam  donde permanecerá hasta su muerte.

El período más creativo de Hooch fueron los  diez años que pasó en Delf . Bajo la influencia de Caret Fabritius , discípulo de Rembrandth  y de Jan Vermeer pinta escenas costumbristas en las que refleja de forma idilíca la vida cotidiana holandesa: viviendas o patios con jardínes , donde una suave luz se derrama sobre las figuras dejándolas en suspenso, como si fueran objetosde una naturaleza muerta. 

Es típico de Hoosch cuya paleta es más cálida que la de Vermeer, la utilización de la vista perspectiva, el escalonamiento espacial y las puertas abiertas. Durante el período de Amsterdam , en el que disfruta moviéndose entre gente distinguida, los interiores modestos y sencillos de sus cuadros son a menudo sustituidos por nobles aposentos con columnas y chimeneas de mármol , el dibujo del suntuoso mobiliario es exageradamente minucioso, los colores se hacen fríos y secos.

De Hoosch es conocido en la historia del arte por ser un pintor preciso de la vida doméstica holandesa . Sus temas predilectos son lo cotidiano, la existencia del mundo burgués en tranquilidad y orden, en donde nada turba la paz.De Hoosch nos muestra estrechas callejuelas , casas con pequeños jardines y patios y nos permite echar un vistazo a las habitaciones adyacentes y a los salones de sociedad. Como Vermeer se especializó en la representación de interiores.

Entre 1664 y 1685, el pintor vive en Delf , aquí influido por Veermer y por Fabritius , discípulo de Rembrandth . De Hoosch pinta sus obras maestras , entre las que se encuentra Los jugadores de cartas . Aunque se aprecia una cierta predilección por estancias suntuosas y sociedades elegantes, la realización pictórica denota una gran atención, por ejemplo, en la arquitectura, con las baldosas en forma de tablero de ajedrez que refuerzan
la impresión de profundidad.

Desde que De Hoosch , en 1667 se tralada a Amsterdam donde comienza a tratar con la sociedad distinguida , sus interiores adquieren un carácter más noble , los hogares sencillos quedan sustituidos por espacios prácticamente regios . Al mismo tiempo la representación se vuelve  imprecisa , comienza a faltar la vitalidad del cuadro holandés de género . Y también  pierde lo que en el lenguaje pictórico se denomina valores. 

Mercedes Tamara
14 mayo 2012



Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo