LA MUDA RAFAEL

LA MUDA 1507-1508

La muda
tabla 64-48cm
Urbino, Galleria Nazionale delle Marche

No tenemos noticias de la procedencia de esta obra , que aparece mencionada por primera vez en 1710 en el Palazzo Pitti: conservada hasta 1740 hasta 1926 en los Uffizzi  ( donde desde 1773 forma parte de las obras custodiadas en la Tribuna ),al año siguiente llegó a su actual ubicación la Galleria Nazionalle delle Marche, en el Palacio Ducal de Urbino.




La concepción general del retrato , de tres cuartos, es leonardesca, como en los demás retratos femeninos de Rafael de la misma época, y permite poner bien de manifiesto no sólo la esmerada ejecución de los ropajes,aunque no especialmente fastuosos , de la mujer, pero sobre todo la representación de una " compleja y sutil realidad psicológica " por citar las palabras de De Vechi. Las investigaciones diagnósticas de la tabla han producido interesantes resultados, gracias a ellos, se sabe que debajo de la pintura actual hay un dibujo de mano de Rafael de su primera época, la de formación, que muestra un rostro de mujer de facciones mórbidas y juveniles , después una segunda versión de la mima figura pero con signos faciales de envejecimiento, y por último, una intervención en los hombros y quizá en la joya acabada en una cruz que la retratada lleva al cuello y le cae sobre el pecho.

De estos diversos replanteamientos se ha deducido que Rafael intervino varias veces en la misma imagen por causa del cambio de condición social de la retratada ,en la que se ha querido reconocer a Giovanna Feltria Della Rovere, hija de Federico de Montefeltro y madre de Francesco Maria, heredero del ducado de Urbino , la cual, conocida también como protectora de Rafael, se quedó viuda en 1501. Probablemente  después de esa fecha , en un lapso de tiempo entre 1507 y 1508,el artista pudo retratar a la mujer más madura y marcada por los acontecimientos que habían perturbado su existencia

Mercedes Tamara 

26-julio-2013

Bibliografía : Rafael , Edit Biblioteca El Mundo

EL CARRO DEL HENO EL BOSCO

EL CARRO DEL HENO 1516

Triptico del carro del heno óleo sobre tabla 135 cm x 100 cm Museo del Prado , Madrid

El carro de heno es una de las pinturas más famosas de la producción total del pintor holandés El Bosco. Está realizado en óleo sobre tabla. La tabla central mide 135 x 100 cm, y las tablas laterales 135 x 45 cm cada una. El rey Felipe II lo compró en 1570 a los herederos de Felipe de Guevara y fue trasladado, en el año 1574 al Monasterio de El Escorial. Se hizo una copia que quedó en dicho monasterio, trasladándose el original a la Casa de Campo primero y a la colección del Marqués de Salamanca después. Hubo una época en que estuvo desmembrado, recomponiéndose en el Museo del Prado.

Con el comienzo de la Guerra civil española fue trasladado al Museo del Prado, para que su conservación fuera mejor, y es donde sigue estando en la actualidad. La obra es un tríptico, por lo tanto está formado por tres tablas. En esta obra las figuras alargadas con perfiles sinuosos son aún de matriz gótico internacional.La  composición parece remitirse a la iconografía de los triunfos italianos ( Cinotti ) El carro es arrastrado hacía la derecha , es decir, hacía el Infierno, por seres monstruosos con cabeza de animal que, según Sigüenza representarían los distintos pecados 

Es acompañado por una muchedumbre variopinta y frenética , de todo origen social ,dispuesta a todo con tal de apoderarse de un poco de heno. En lo alto hay una pareja sentada ( lujuría ) , observada por una lechuza  ( la ceguera humana o la herejía) incitada por un demonio con cola de pavo a su derecha; a la izquierda, un ángel arrodillado reza y mira a Cristo , que aparece arriba entre nubes. En primer plano  hay una serie de personajes , solos o en parejas, que representan una variada casuística de los pecados humanos.

La obra figura a la humanidad pecadora que no se ocupa de Cristo , atenta sólo a adueñarse de los bienes materiales ( el heno ); la lechuza y el demonio azul sobre el carro simbolizan la lisonja y el engaño. La lechuza era utilizada como reclamo para capturar pájaros y por ende relacionada con el tema del amor y la lujuria; el demonio músico azul tiene la nariz en forma de flauta o trompa, que usa como instrumento musical. "El verbo neerlandés trompen tenía el sentido de "engañar " a los tañedores, eran considerados como los seductores por autonomasia. El heno en los siglos XV y XVI eran un motivo extendido en el folklore neerlandés y significaba " futilidad e inercia " por influjo de la tradición moralista religiosa, se convertirá en símbolo de la búsqueda de los bienes materiales y físicos. El carro de heno, además, aparecía a menudo en funciones teatrales y procesiones

 Mercedes Tamara

15 -julio 2013

Bibliografía : El Bosco , Edit Biblioteca El Mundo

                       " Obras Maestras del Arte ; Edic Blume

LOS EMBAJADORES HANS HOLBEIN EL JOVEN

LOS EMBAJADORES 1533


Los embajadores
óleo sobre tabla 207x209,5 cm
National Gallery Londres

Hans Holbein el Joven ( 1497-1543 ) Fue el pintor alemán más grande de su generación, es famoso sobre todo por sus incisivos retratos , pero un fue un artista de gran versatilidad con un talento de muchas facetas . Nació en Ausburgo
( Alemania ) en el seno de una familia de artistas y los inicios de su carrera se  desarrollaron sobre todo en Basilea ( Suiza ) . Allí realizó ilustraciones para libros ( Basilea era un gran centro editorial ) retablos, murales y diseños para vidrieras,
además de retratos y no tardó en convertirse en el pintor más destacado del lugar. Pese a su éxito, el conflicto religioso entre protestantes y católicos le llevó a probar  fortuna en otros lugares , y en 1526 se mudó a Inglaterra . Volvió a Basilea en 1528, pero en 1532 se establecería de manera permanente en Inglaterra. En 1536 se encontraba trabajando para Enrique VIII , y hoy se le puede conocer sobre todo por sus retratos, dibujos y pinturas de miembros de la casa real y la corte, en los que captó de modo memorable el boato y las intrigas de la época. Murió en Londres , probablemente a causa de la peste, antes de cumplir los 50 años y en la cumbre de su capacidad artística.

Los embajadores es una pintura dotada de un poderoso realismo Es un retrato doble cuyo tamaño supera a la estatura humana media lo cual resulta asombroso.Los embajadores del título son dos distinguidos jóvenes, que posan sobre un rico fondo verde esmeralda. Mostrados de cuerpo entero , mirando al espectador y reposando un brazo sobre un mueble con estantes repletos de objetos, captan  nuestra atención al instante. Cada detalle de su vestimenta y de los instrumentos científicos , musicales y astronómicos está meticulosamente representado. Las pesadas y hermosas prendas, la selección de objetos y la actitud de confianza en si mismos de ambos hombres dan fe de su categoría , riqueza y cultura, y ninguno de ellos ha cumplido los 30 años.







Holbein retrató a los modelos de un modo realista pero muy respetuoso. Los embajadores, encargados por Jean de Dinteville , el hombre susntuosamente atavíado de la izquierda, es uno de sus trabajos más espléndidos. De Diterville,
el joven embajador francés en la corte de Enrique VIII de Inglaterra , aparece  retratado con su amigo Georges de Selve ,obispo de Lavaur, durante una visita a Inglaterra en 1533 Holbein se había marchado de Suiza en 1532 . Era una época  de crisis política y religiosa en Europa . De hecho, ambos personajes, se encontraban en Londres con la difícil misión , finalmente fallida , de tratar de  impedir que Enrique se apartara de la iglesia católica.





Era habitual retratar a los hombres con sus libros y objetos personales , pero la  singularidad de esta pintura de Holbein consiste en la extraordinaria atención al detalle y en la cantidad de información que contiene . Los objetos que hay en el
estante superior , sobre el que se apoyan los personajes, son instrumentos científicos, mientras que los del estante inferior representan otras actividades artísticas e intelectuales, como la música . Con todo, el elemento , más insólito de la tabla es el extraño disco deformado colocado en ángulo en primer plano, entre los dos hombres: se trata de una calavera estirada que se vuelve reconocible si se mira la pintura desde un punto determinado a la derecha. Al incorporar este truco de perspectiva, con el que exhibía su capacidad técnica , Holbein pretendería subrayar la naturaleza transitoria de la vida .De este modo, la juventud de los personajes, su riqueza y posición , junto con los preciosos objetos de la obra, deben verse en el contexto de referencia a la mortalidad humana.





Este magnífico retrato doble es más complejo de lo que parece a primera vista,y con sus abundantes y sofisticados ´símbolos constituye un monumento conmemorativo a los dos jóvenes embajadores.




Originariamente , Los embajadores pudo estar destinado a ser colgado en el hueco de una escalera o junto a un umbral de modo que el espectador se aproximara a  la tabla desde la derecha . Sólo desde este punto de vista se ve la extraña calavera
en la perspectiva correcta . Esta deformación de los objetos se conoce con el nombre de anamorfosis y los artistas la utilizaban con frecuencia como truco visual en obras de carácter lúdico-

Mercedes Tamara 

4 -julio -2013

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

ESTUDIO CON TRES PUERTAS ANTONIO LÓPEZ

ESTUDIO CON TRES PUERTAS 1969-1970

Estudio con tres puertas
lápiz sobre papel 98 x 113 cm
Lleida , Colección Fundación Privada Soringué

Pasados los años, el estudio de la Plaza de Infancia pierde su condición de espacio nuevo , vacío, sin referencias, pero sigue captando la atención del pintor. En este dibujo, que amplía el campo visual recogido en uno de los primeros cuadros realizados en el estudio - El wáter  ( 1966 ) - a ocupación del espacio es  clara , con presencia de objetos que sirven de modelo en otros cuadros ( la nevera ) ,utensilios de trabajo y, sobre todo, la huella de la actividad.

Quien visita estudios de artistas conocer su poder seductor , pero , sobre todo, lo que transmite de quien allí trabaja. A un artista acostumbrado a pintar varios cuadros de gran formato al mismo tiempo, de una manera física, la imaginación en un taller amplio, con paredes y suelos grandes; a un artista minucioso y constructivo le suponemos un espacio limpio y concentrado.Algunos estudios  son célebres y se adaptan a la imagen que tenemos del artista, como los de  Giacometti o Mattise en París, tan distintos, tan opuestos. Otros sorprenden como el de Bacon, con los  restos de la batalla inundando las habitaciones, y una bombilla desnuda colgando del techo.

El estudio de Antonio López ni es diáfano, ni está planificado para él. Se acerca a la idea del espacio doméstico , con la diferencia de que las cosas encuentran  su lugar, y se respeta como entorno de trabajo . Conviene no olvidar que el pintor realiza muchas obras fuera, pintando al natural, lo que parece la extensión de  un entorno de diálogo. La idea es el taller que se habita lentamente , sin sensación, de provisionalidad , como si las cosas permaneciesen.En -Estudio  con tres puertas -un título que nos lleva a completarlo como el célebre refrán referido a la casa- se plantean cuestiones clásicas ( el juego en la disposición de las tres puertas ) el equilibrio entre la columna de papeles y la estantería ) pero la falta de luz natural da a la imagen un aire de desnudez poética y confesional , de espacio donde ha ocurrido algo, que lo carga de misterio.

Mercedes Tamara

20 -junio-2013

Bibliografía : Antonio López, Edit Biblioteca El Mundo

EL PECADO JULIO ROMERO DE TORRES

EL PECADO 1913

El pecado
óleo sobre lienzo 183 x 200 cm
Museo Julio Romero de Torres

En 1915 Julio Romero de Torres presentó en la Exposición Nacional dos lienzos : La gracia y El pecado .Este cuadro en un guiño a la Venus del espejo de Velázquez. Pero lo que en el pintor sevillano es suntuosidad y seducción, aeeopado por dos personajes , Venus y Cupido, por el rojo cortinaje que aporta teatralidad y sirve para enmarcar la escena y complementar su  boato, en la obra de Julio Romero de Torres el cuerpo de la mujer de espaldas y el espejo  en el que se mira, quien ya no es una diosa,  es sostenida por viejas enlutadas, que forman un telón de fondo mucho más tétrico. Ya no hay mitología, sino ácida realidad.

A pesar de la incuestionable influencia de la pintura del pasado y su admiración por los grandes maestros , también es bastante probable que Julio Romero de Torres estuviera atento a los acontecimientos artísticos  de la época . En 1906 la National Gallery había pagado una enorme suma de dinero por la adquisición de la llamada " Venus de Rockeby "Pocos años después, en 1914, una sufragista asestó siete cuchilladas al lienzo de Velázquez.El ataque fue muy comentado por la prensa y el cuadro de Julio Romero fue realizado por entonces.

La cortesana tiene un collar de coral, las celestinas cuchichean entre ellas y una de las mujeres del pueblo, cuya modelo fue la cantaora Carmen Casena ofrece una manzana como símbolo del pecado. Venus es también Eva. La Celestina es otro personaje fundamental oscuro y gris,y con una carga simbólica en la literatura castellana. En ese mismo juego de oposición y contrarios en que la piel desnuda se contrapone a los negros vestidos de las celestinas, hay una similitud con el fragmento de La calumnia de Apeles de Boticelli, donde se encuentra ese mismo contraste , un figura negra, la Penitencia, en oposición a la Verdad desnuda. En  el fondo como si de una Florencia se tratase , pueden verse edificios cordobeses, la iglesia  de San Hipólito y el castillo de Almodóvar del Rio . A lo largo de los siglos la desnudez había tenido una interpretación ambivalente . La Biblia y la literatura romana la entendieron como algo censurable, pero también, en sentido figurado, era símbolo de la sinceridad, la sencillez y la franqueza . Las teorías neoplatónicas otorgaron al cuadro de Tiziano Amor sacro y amor profano una lectura en que la desnudez era símbolo de las mayores virtudes.De esta forma, Nudas Veritas llegó a ser una de las personificaciones empleadas con cierta profusión durante el Renacimiento y el Barroco.

Reflejado en un espejo ovalado se presenta un marco de rica decoración , aparece el rostro femenino. Este formato fue habitual en los espejos utilizados a finales del siglo XIX. Su aparición en esta obra no fue el único caso ya que el pintor utilizó este motivo simbólico en otras obras como La niña del espejo , realizada para la exposición de Bilbao de 1919, y Contrariedad que se expuso en Buenos Aires en 1922.

El espejo tiene carácter mágico. Además de recordarnos el mito de Narciso , el espejo es un icono lunar, pues necesita recibir la luz al igual que el satélite de la tierra y los espejos de mano son símbolos de la verdad. Como la luna, para el pensamiento del siglo XIX la mujer era un simple reflejo del mundo que la rodeaba. La femineidad era una fuente continua de fascinación para la propia mujer, porque mirarse a si misma era su único contacto con la realidad.

En el cado de El pecado , la obra es sinónimo de coquetería femenina y de los defectos terrenales como la vanidad. A los pies aparecen rosas como resultado de la belleza efímera y de los presentes que le serán entregados por sus amantes . Y en el suelo los zapatos que simbolizan las bajas cosas naturales, tanto desde el punto de vista de lo humilde como de lo ruín, Pero los zapatos son también un símbolo de lo femenino y el detalle y el lujo del raso de seda son representativos de elegancia, un signo sofisticado de la moda de su tiempo. El pintor lo utilizó con un sentido fetichista en numerosas obras.

Mercedes Tamara 

18 -junio-2013

Bibliografía : Julio Romero de Torres " Entre el mito y la realidad " Colección 

                       Carmen Thyssen Bornemizsa , Madrid

LAS DOS SENDAS JULIO ROMERO DE TORRES

LAS DOS SENDAS 1911-1912

Las dos sendas
óleo y temple sobre lienzo 170x140 cm
Colección PRASA

Las dos sendas obtuvo en la Exposición Nacional de Múnich de 1913 la primera medalla del certamen. Realizada en 1912, representa a una mujer desnuda echada sobre un diván , ricamente decorado con motivos barrocos dorados. Está ligeramente inclinado hacía el espectador y posibilita que el cuerpo femenino girado en esta dirección sea bien visible .


Completamente desnuda , expuesta, aparece la mujer tocada con una mantilla de fino encaje. Las blondas quedan bajo el cuerpo , de manera que la piel está en contacto con la marfileña mantilla y con las sábanas blancas. La gradación de tonos es sutil, puesto que además del blanco hay otros colores claros que se combinan, como el marfil y el dorado de la piel. Tras ella, un jarro de cristal con unas azucenas, símbolo de pureza y castidad. A cada lado dos personajes femeninos, una monja con hábito y una mujer que lleva una bandeja en la que se ofrece unas joyas. La expresión del rostro de cada una de ellas es completamente diferente. La religiosa ,parece que fue Rafaelita Ruiz la modelo,posee una serena belleza, la celestina , cuya modelo fue la cantaora Carmen Casena o Escasena, una expresión dura y contrariada.

Al fondo dos arcos de medio punto dejan ver Córdoba, escenario del gran teatro de la vida de Julio Romero de Torres. El de la derecha muestra un palacio contorreón y portada principal , en él aparece una fiesta flamenca, donde el pintor se ha autorretratado dos veces: tocando la guitarra, ya conocemos su afición por el flamenco , pues quiso antes ser cantaor que pintor, y en actitud galante y seductora. El otro arco representa una escena interior de un monasterio donde dos monjas están arrodilladas ante una cruz . A través de esta obra se escribe también su biografía , puesto que Julio Romero ha escogido claramente en que escenario representarse

Mercedes Tamara 

16 -junio-2013

Bibliografía : Julio Romero de Torres : " Entre el mito y la realidad " Carmen Thyssen

                       Bornemizsa

EL TRES DE MAYO DE 1808 FRANCISCO DE GOYA

EL TRES DE MAYO DE 1808 , 1914

El tres de mayo de 1808
´oleo sobre lienzo 268 x 374 cm
Museo del Prado, Madrid 

Francisco de Goya ( 1746-1828 ) El pintor y grabador español fue una de las figuras más destacadas del romanticismo. Pintó retratos de la aristocracia y produjo aguafuertes extraordinarios, pero su obra es muy heterogénea , Nacido en Fuendetodos ( Zaragoza ) hijo de un maestro dorador . Goya se hizo aprendiz a los 14 años . Después se instaló en Madrid donde diseñó cartones para la Real Fábrica  de Tapices y empezó a ganarse la vida como retratista. En 1789 se convirtió en pintor de la corte , inspirándose en las obras de Velázquez , desarrolló su propio e innovador estilo , expresando el carácter de sus modelos reales y aristocráticos con una franqueza no siempre favorecedora. En 1792 una enfermedad grave de dejó sordo y en 1789 Goya produjo una serie de inquietantes aguafuertes satíricos titulados Los caprichos , entre ellos El sueño de la razón produce monstruos . Su  otra gran serie de grabados Los desastres de la guerra publicada tras su muerte,representa atrocidades de uno y otro bando durante la ocupación francesa . En  sus últimos años pintó los famosos murales conocidos como " pinturas negras ".Murió en Burdeos.


El tres de mayo de 1808 presenta a un hombre indefenso que está de rodillas ,ante  el pelotón de ejecución , con la luz de una linterna apoyada en el suelo reflejada en su camisa blanca. Con los brazos abiertos en un gesto poderoso y trágico - el  gesto de Cristo crucificado -se enfrenta a un sólido muro de uniformes y mosquetes.  Es la escena de una ejecución en un monte pelado a las afueras de una ciudad cuyos edificios fantasmales con aspecto de fortaleza se recortan contra el cielo nocturno. La densa negrura , sin estrellas ni luna, llena casi un tercio de la composición e  intensifica la atmósfera de pesadilla de la escena.


Este dramático cuadro representa el destino cruel de un grupo de civiles que se rebelaron contra el ejército invasor francés en la Guerra de la Independencia Española ( 1808-1814 ) Después de un día de violenta insurrección en Madrid, las tropas francesas detuvieron a los rebeldes y a los que tuvieron la mala suerte de
estar en el lugar equivocado y los fusilaron al día siguiente , el 3 de mayo de 1808.Esto desencadenó un levantamiento a escala nacional y la guerra de guerrillas.


LA BRUTALIDAD DE LA GUERRA Con El tres de mayo de 1808 , el pintor español no solo rindió homenaje al valor de los sublevados españoles, sino que,además, creó una imagen memorable de los efectos deshumanizadores de la guerra. Los soldados , decididos a llevar a acabo su tarea, tienen la cabeza gacha frente a  ellos , el terror en el rostro de los que van a ser fusilados y sus gestos de impotenciaestán pintados de modo elocuente. A diferencia de otros pintores contemporáneos como Jacques Louis David, ni en esta obra ni en el cuadro El dos de mayo de 1808  que le acompaña , intentó Goya glorificar la guerra . Se limitó a plasmar una atrocidad y a condenar la inhumanidad del hombre para con el hombre .




La composición de la pintura refuerza el sentido de fatalidad, trazando una diagonal a la derecha , los soldados forman una barrera uniforme e impenetrable , ante ellos, se arrodillan la heroica figura central y sus compatriotas, de aspecto diverso y una larga fila de condenados asciende por la colina para tomar su lugar. Los coloresson apagados y sombríos , hay áreas de profunda sombra , y los detalles son escasos. La atención se centra en el hombre de la camisa blanca y la imaginación anticipa lo inevitable.

El tres de mayo de 1808 ( detalle ) 1814

Goya pintó El tres de mayo de 1808 seis años después del acontecimiento . Fue él  que sugirió a la regencia del restaurado Fernando VII la posibilidad de conmemorar la insurrección contra los franceses en dos cuadros . El encargo fue formalizado  y Goya pintó los dos lienzos; pero este, su obra maestra, no fue del gusto del rey y quedó guardado durante 40 años. Cuando finalmente salió a la luz , resultó ser una verdadera fuente de inspiración para otros artistas , ya hasta la actualidad sigue siendo uno de los cuadros más famosos sobre la atrocidad de la guerra




Goya más que ofrecer una representación narrativa de la masacre , con este cuadro Goya pretendía suscitar una respuesta emocional y utilizó la forma y el color con esa intención . En realidad, los fusilamientos tuvieron lugar de día, pero el artista  ambiento la escena de noche y usó una gama dominada por marrones, negros y
grises para crear una atmósfera de pesadilla. Mientras que muchos de sus contemporáneos buscaban en sus pinturas un aspecto pulido y prodigaban sus  detalles, Goya pintaba con una pincelada suelta , enérgica y dinámica , y a veces  aplicaba la pintura con un cuchillo o incluso con los dedos , en busca de un estilo más expresivo. En sus palabras. " Mi vista jamás descubre ni lineas , ni detalles (...) mi pincel no debe ver mejor que yo " El dramático empleo del color y la libertad de las pinceladas se aprecían también en este detalle , tanto en la cara como en lacamisa blanca a la derecha.



El punto local de esta obra es el mártir -ese hombre arrodillado a punto de ser fusilado- con los brazos extendidos de un modo que recuerdan a Cristo crucificado. En su mano derecha hay incluso una herida similar a un estigma. Fuertemente  iluminado , su camisa blanca y sus pantalones de color claro parecen emitir luz. Goya pintó a este personaje proporcionalmente mayor a los demás para aumentar  el efecto dramático ,de pie habría hecho pequeños a los soldados.



Los condenados que se hallan detrás de la figura central parecen aterrorizados. Tienen expresiones distintas , lo cual subraya su individualidad . Algunos s tapan los ojos, pero hay uno que mira a sus verdugos desafiante. Sus ropas son pardas  y parecen fundirse entre las sombras



Para finalizar hay que decir que Goya pintó dos cuadros para conmemorar el heroísmo de los españoles sublevados ante los franceses. El otro lienzo El dos  de mayo de 1808 muestra una multitud en las proximidades de la Puerta del Sol  atacando a los mamelucos, la caballería turca de la guardia imperial francesa de Napoleón , que carga contra ella.La noticia de que los miembros más jóvenes de la familia real eran llevados a Francia había sacado a la gente a la calle Y el cuadro de Goya muestra el sangriento caos que se desató. Al día siguiente el ejército apresó a los rebeldes y los ejecutó.

Mercedes Tamara

5 junio 2013

Bibliografía : Obras Maestras del Arte , Edic Blume

LA GIOCONDA LEONARDO DA VINCI

LA GIOCONDA 1503-1506

La Gioconda
óleo sobre tabla 77x53 cm
Museo del Louvre  Paris 

Leonardo da Vinci ( 1452-1519 ) Fue un genio por autonomasia . Famoso por su amplitud y la variedad de su talento , que abarcó las artes y las ciencias . Fue uno de los creadores más destacados del Alto Renacimiento. Nacido en Vinci o en sus alrededores, cerca de Florencia, Leonardo fue aprendiz en el taller del artista florentino Andrea del Verrochio y desarrolló la mayor parte de su carrera entre Milán  y Florencia. Pasó sus últimos años al servicio del rey de Francia y murió en la ciudad francesa de Amboise.



Dada la diversidad de los intereses de Leonardo, fueron poco los cuadros que terminó, pero dejó en cambio muchos dibujos y cuadernos de notas . Entre otros  muchos temas , estudió anatomía , el vuelo de las aves e insectos , la forma de las rocas y las nubes y los efectos de la atmósfera sobre el paisaje . Todas sus observaciones se reflejan en sus cuadros , caracterizados por la grandeza de la forma, la unidad ambiental y el detalle exquisito . Su maestría compositiva se puede apreciar en todos sus trabajos , especialmente en La última Cena , que, por desgracia se ha deteriorado mucho con el tiempo debido a la técnica experimental de su empleo


Tras el cristal antibalas del Louvre , La Gioconda ,(también conocida comp la Mona  Lisa ) contempla a la multitud que la admira . Esta bella mujer está envuelta de misterio  no solo por su controvertida identidad sino también por la ambigüedad de la expresión de su rostro , extrañamente abierta y al mismo tiempo reservada.



Sentada y levemente vuelta hacia el espectador , como si se encontrara en un balcón ante el fondo de un paisaje imaginario y enmarcada por dos columnas apenas visibles, la Gioconda sonríe y nos mira directamente a los ojos, pero sus brazos cruzados nos mantienen a distancia. En esta obra memorable , Leonardo consiguió crear la sensación de un vínculo psicológico entre modelo y espectador , una aportación al arte del retrato que no tardaron en adoptar otros artistas.



EL REALISMO EN EL RETRATO La gran habilidad de Leonardo logró dotar de vida a este extraordinario retrato, cuyo sujeto parece prácticamente una persona real.  La tersura de la piel de la Gioconda, el brillo de su cabello y de sus ojos están logrados mediante una minuciosa atención al detalle. Vestida de forma sencilla y en principio relajada , es en especial famosa por su sonrisa, que se suele calificar
de enigmática . Es muy difícil decir cuál es exactamente su estado de ánimo a partir de la expresión de la boca o los ojos: en los labios se aprecia el esbozo de una sonrisa , pero en los ojos hay pocos indicios de alegría.


En la retratística de la época , la tendencia era pintar a las mujeres como figuras mitológicas , religiosas o históricas que encarnaban determinadas atributos femeninos deseables, como la gracia o la belleza. Tales retratos exageraban los rasgos para representar dichos ideales, alargando la nariz o el cuello. Leonardo
da Vinci no plasmó a la Gioconda ni como una Venus, diosa romana de la belleza  y del amor y la fecundidad, ni como una Virgen, dos papeles femeninos idealizados  muy populares entonces. Al celebrar los rasgos de esta mujer , perfectamente equilibrados , sin recurrir a embellecimiento alegórico ni al adorno de ropas y joyas, Leonardo rompía de un modo con la tradición.



No hay documentos relativos al encargo de este retrato y lo que sabemos de la modelo procede de las biografías de Leonardo . Tal vez era Lisa Cherandini,  esposa de Francesco de Giocondo,un rico comerciante florentino , de ahí los  nombres de Gioconda y Mona Lisa ( monna es contracción de madonna "señora " en italiano ) . La compra de una nueva casa por Giocondo en fecha cercana a la del cuadro , así como el nacimiento del tercer hijo de la pareja en 1502 son ambas  razones plausibles para encargar un retrato . La Gioconda aparece sentada en unacomposición de medio cuerpo ; este es uno de los primeros ejemplos italianos de este tipo de pose en un retrato.
DETALLES DE LA MONA LISA
Para entender mejor este retrato voy a describir minuciosamente algunos detalles de  esta obra maestra . 

SONRISA ENIGMÁTICA  Leonardo introdujo la técnica pictórica conocida como sfumato, en la que los tonos se funden de manera sutil. Usada aquí con gran efecto dota a la sonrisa de la Gioconda de una misteriosa suavidad . Las comisuras se curvan delicadamente hacía arriba , pero la expresión es difícil de leer.Junto con otros aspectos de su actitud, su sonrisa dio a la Gioconda un aire de distante tranquilidad.

CONTACTO VISUAL Mirar a los ojos es algo natural , los ojos de la Gioconda parecen devolver una mirada al espectador y seguirle si se mueve . Leonardo logró esta ilusión enfocando el ojo izquierdo directamente hacía el espectador y ladeando un poco la posición del derecho.




CABELLO.- Si se observa el cuadro con detenimiento se ve un velo oscuro que cubre  la cabellera de la Gioconda , probablemente un signo de su virtud. En cuanto a las cejas , es probable que las llevara totalmente depiladas , como en la moda de entonces.





BRAZOS Y MANOS.- Los antebrazos cruzados de la Gioconda forman la base de un  triángulo cuyo vértice superior es la cabeza . Leonardo utilizó esta composición para conseguir un efecto armonioso desde el punto de vista geográfico y grato a la vista. La Gioconda no lleva anillos ni pulseras y sus manos son carnosas y juveniles. Tanto estas como los brazos tienen el aspecto relajado propio de alguien que se halla comódamente sentado



PUENTE EN PERSPECTIVA Detrás del hombro derecho de la Gioconda se atisban los arcos de un puente sobre un río.Como otros elementos de este paisaje imaginario , Leonardo pintó desde arriba los ojos de la Gioconda , sin embargo, están al mismo  nivel que los del espectador .



MANGAS La habilidad del autor en la aplicación del óleo se puede apreciar en el modelado y los tonos de las mangas . Originalmente, estas habrían sido amarillo azafrán , pero el pigmento se ha ido perdiendo con el paso del tiempo y el barniz  aplicado a la superficie ha oscurecido el color.



DIFUMINADO El aspecto neblinoso del paisaje es el resultado de una técnica llamada veladura, en la que se aplican capas sucesivas de pintura disuelta y transparente: cada capa debe secarse antes de aplicar la siguiente . El color azul refuerza el efectoonírico del paisaje y contribuye a dar la impresión de que el fondo se aleja.


CAMINO SINUOSO Leonardo da Vinci había usado en un dibujo temprano el recurso pictórico de un largo camino o río para conducir la mirada del espectador hacía la  distancia . Parece un elemento más del paisaje, pero es un recurso absolutamente utilizado para dar a la tabla una ilusión de profundidad y hacer que el espacio parezca plano y unidimensional.




TECNICA.- Leonardo habría hecho estudios previos de todos los elementos del retrato, esbozando cada parte por separado . Esta atención al detalle era poco frecuente y contribuyó al realismo de sus obras. Este estudio de drapeado ( abajo ) muestra el modelado de la tela con un empleo de carboncillo, tiza y aguada, la impresión de los pliegues es muy verosímil. Para pintar las mangas de la Gioconda , Leonardo aplicó la misma técnica al óleo. A la hora de pintar drapeados, Leonardo usaba modelos rígidos, sumergía trapos en escayola , que inmoviliza la tela y subraya los pliegues , lo que facilita la realización de dibujos detallado

CONTEXTO .- La icónica imagen de la Gioconda se ha subvertido varias veces a lo  largo de la historia, el caso más famoso es el el la obra L.H.O.OQ de Marcel Duchamp. de 1919. El artista tomó una postal del famoso retrato , le puso barba y bigote, y  añadió esas letras debajo, que leídas en francés dicen Elle a chaud au cul ( Ella tiene el culo caliente , esto es está excitada ) Más allá de la provocación Duchamp sugería acaso la ambigüedad sexual del personaje

Mercedes Tamara

3 -junio 2013

Bibliografía : " Obras Maestras del Arte , Edic Blume

EL CARRO DE HENO DE JOHN CONSTABLE

EL CARRO DE HENO 1821

El carro de heno
óleo sobre lienzo 130,2 x 185,4 cm
National Gallery Londres

John Constable ( 1776-1837 ) es uno de los mejores pintores del paisaje inglés, renovó el género con libertad e inventiva . Subestimado en Gran Bretaña , su trabajo influyó en los pintores franceses más destacados de su tiempo y, a través de ellos, los impresionistas .Se crió en Suftolk ( Inglaterra ) y desde muy pronto manifestó su  pasión por el paisaje local . Principalmente autodidacta, no asistió a las escuelas de  la Royal Academy de Londres hasta bien cumplidos los veinte años . La obra temprana de Constable estaba influida por Gainsborough y los paisajistas holandeses del siglo XVII , pero no tardó en desarrollar un estilo propio y original  de pincelada vigorosa que capta los efectos de la luz y el clima. A los críticos sus pinturas les parecían inacabadas , y no podían entender su pasión por pintar el paisaje natural en una época en que estaban de moda los temas clásicos . A partir  de 1821 Constable vivió y trabajó en Londres, pero, pasó mucho tiempo pintando  en Suftolk, hoy apodado " Constable country ". También pintó el parque de Hampstead y la catedral de Salisbury . En 1829 , finalmente , fue nombrado miembro  de la Royal Academy.



El carro de heno es un espacioso cuadro que evoca un día de verano en el campo inglés . Se trata del lugar en que el artista , John Constable , jugaba de niño .El  paisaje , con el carro atravesando el río poco profundo , parece de lo más convencional , pero cuando la obra se expuso por primera vez en Londres en 1821, supuso una ruptura radical tanto por el tema como por la técnica y no fue tomada
en serio. No obstante, unos tres meses más tarde, en París, fue recibida de modo  más favorable : obtuvo una medalla de oro, y su tema poco pretencioso y su  pincelada suelta fueron muy elogiados por los pintores franceses. 
Para Constable , el mundo natural-sobre todo el paisaje exuberante y fértil de Suftolk- era una fuente de inspiración que le afectaba profundamente , e intentó comunicar su respuesta personal ante la naturaleza a través de sus cuadros, que constituían una novedad por representar el paisaje cotidiano inglés a gran escala . En cuanto a su técnica , su pincelada expresiva fue incomprendida y criticada por excesivamente suelta . En El carro de heno , el pintor quiso transmitir el movimiento, la vitalidad y la luz que veía en este hermoso tramo del río Stour , el entorno de su niñez. El cielo, en particular , da una realista sensación de profundidad con las nubes hinchadas, cuyos cambiantes patrones quedan reflejados en la superficie tanto de los campos como del río, y confieren ritmo y movimiento a la escena .Las pequeñas manchas blancas, marrones y rojas en el campo lejano bajo la línea de los árboles representan a labriegos segando el heno con hoces. También se ve otro carro bien cargado de heno recién cortado. Las luces y las sombras que se aprecian sobre la superficie del campo reproducen las formas cambiantes de las nubes en el cielo





Joh Constable trabajaba despacio, y sus preparativos para los grandes paisajes como El carro de heno eran minuciosos. Llenó muchos cuadernos con esbozos hechos al aire libre en el valle de Stour. Después, en su taller londinense, realizaba un esbozo al óleo de tamaño natural para trabajar en la composición , un método  de trabajo inusual . El esbozo al óleo para El carro de heno se encuentra en la colección de Victoria and Albert Museum de Londres

Mercedes Tamara 

1 -junio 2013

Bibliografía : El Greco El pintor humanista : Obras completas Edic Libsa

LA INFANTA ISABEL CLARA EUGENIA DE ALONSO SÁNCHEZ COELLO

LA INFANTA ISABEL CLARA EUGENIA 1579

La infanta Isabel Clara Eugenia
óleo sobre lienzo 116 x 102 cm
Museo del Prado, Madrid

Alonso Sánchez Coello ( Benifairón hacia 1531-Madrid 1588 ) se formó en Flandes y  en Lisboa , A partir del año 1557 residió en la corte española , donde fue el pintor de cámara preferido por el rey Felipe II ( 1556-1598 ) .Sánchez Coello empleó en sus obras los recursos de las pinturas de Tiziano y de Antonio Moro. Además de diversos retablos , pintó sobre todo retratos individuales , dobles y ecuestres. Sus composiciones rigurosas responden de una manera clara al formalismo de la corte española. El colorido suele estar basado principalmente  en tonos sensibles matizados con gran armonía.




Algunas obras importantes son: El infante Don Carlos , 1564, Museo de Historia del Arte , Viena; Las bodas místicas de Santa Catalina ,1578, Museo del Prado , Madrid; Felipe II , hacía 1580, Museo del Prado, Madrid

El Retrato de la infanta Isabel Clara Eugenia,  En este retrato, Alonso Sánchez Coello, retratista de la corte, representa a la infanta Isabel Clara Eugenia, a los trece años de edad; era la hija favorita de Felipe II de España y con los años llegó a ser gobernadora de los Países Bajos. El cuadro está fechado en 1579 y firmado por el autor. Estuvo en el Alcázar de los Austrias y en el Palacio de El Pardo, formando parte de las colecciones reales de la monarquía española.

La infanta Isabel Clara Eugenia ( detalle )

La infanta, que contaba entonces con trece años, está representada de pie, apoyando el brazo derecho en el respaldo de un sillón de terciopelo y pasamanería. La mano izquierda de la infanta cae sobre el costado, y en ella sujeta un pañuelo con ribete de encajes. En esa mano se aprecian tres anillos con piedras preciosas de colores. En la cabeza lleva un tocado de perlas rematado con una flor. Viste un vestido blanco de seda, con bordado de oro y piedras preciosas. Siguiendo la tendencia veneciana, cuida Sánchez Coello de tratar con detalle las texturas de los ropajes y los aderezos de joyería.

El fondo es oscuro, con lo que se realza al personaje protagonista. El detalle de la derecha permite apreciar los rasgos simétricos e idealizados de la joven, flanqueados por perlas y piedras preciosas La infanta mira directamente al espectador, pero su expresión es distante, sin evidenciar ningún rasgo de su carácter. Este tipo de retrato cortesano sería seguido por pintores posteriores, como Juan Pantoja de la Cruz, Bartolomé González y, en último término, por Velázquez.

Mercedes Tamara 

14 -mayo-2013

Bibliografía : 1000 Obras Maestras de la Pintura, Edic Uffmann