SIDONIA VON BORK DE EDWARD BURNE JONES

SIDONIA VON BORK 1860

Sidonia Von Bork
acuarela aguada sobre papel
33,3 x 17,1
Londres, Tate Gallery

A lo largo de la década de 1860 , Burne Jones pintó un buen número de acuarelas que nada tienen que envidiar a sus óleos Sidonia von  Bork es un de los temas de pequeño formato , que realizó con la técnica de la acuarela y la aguada . Sirvió como inspiración la rotagonista
del popular Sidonia en el monasterio de brujas ( 1847) del escritor alemán Johan Wilheim Menhold ( 1797-1851 ) cuento traducido al inglés por Lady Jane Francesca Wilde ( 1821-1896 ) , (la madre de Oscar Wilde ) en 1849 con el título de Sidonia the Sorceress  ( la hechicera ) que encontró un gran eco entre los prerrafaelistas tardíos. Ambientada en Pomerania en el siglo XVI, la narración de Menhold trata de Sidonia , una mujer de tan cautivadora belleza que todos  los hombres se enamoraban de ella .

La seductora lleva una vida de crímenes , junto a su amante, el cabecilla de una banda de proscritos .Burne- Jones la presenta como de unos veinte años de edad, antes de que se produjera el desastroso colapso de Pomerania . Mientras se agarraba el collar , reflexiona con malicia sobre qué fechoría puede llevar a cabo en la corte de la duquesa de Wolgast, viuda que puede verse en el fondo .


La composición está dominada por el vestido blanco y negro que Meinhold describe como su " mortaja " y que probablemente se basara en el retrato de una mujer del Renacimiento no menos influyente que Isabella d´Este ( 1474- 1539 ) , que se conserva en Hampton Court. La amenaza de Sidonia llega hasta la esquina inferior del cuadro , donde Burne - Jones añadió una araña arrastrándose sobre la signatura. Sin embargo, , al final recibió su merecido en 1620 cuando tenía 80 años de edad, fue llevada a la hoguera por bruja .La acuarela fue adquirida por James Leathard ( 1820-1895) uno de los muchos exitosos industriales de la clase media que comenzaron a desarrollar pasión por los prerrafaelistas.


La combinación de belleza y maldad , que encantó sobre todo a Burne. Jones y Rossetti constituye una fiuente para el concepto de mujer fatal que inspiraría la imaginería de los últimos prerrafaelistas y de los simbolistas. El modelo para Sidney fue Fanny Comforth, intimamente unida a Rossetti en la década de 1860. El pendant de Sidonia Clara von Bork , retrata a la virtuosa esposa del primo de Sidonia Marcus . En esta ocasión está sirvió como modelo Georgiana , la mujer de Burne- Jones .La mansedumbre de Clara , que contrasta con el carácter de Sidonia , se representa con el nido de palomas , que defiende contra el gato negro que aparece a sus pies .Algemon Swinburne , un amigo de Burne. Jones y entusiasta de Meinhold del que admiraba sobre todo Sidonia von Bork comentó en 1868 " En el extraordinario dibujo de la joven Sidonia , obra del Sr.E Burne- Jones , está rodeada de un vestido de serpientes que se devoran salvajemente unas a otras , negro sobre dorado "

Mercedes Tamara 

5 septiembre 2011

Bibliofrafía : El Prerrafaelismo, Edic Taschen

LA DUQUESA DE SUTHERLAND DE JOHN SINGER SARGENT

LA DUQUESA DE SUTHERLAND 1904 

La duquesa de Sutherland
óleo sobre lienzo 254 x14o cm
Madrid, Museo Thyssen Bornemizsa

El retrato de la duquesa de Sutherland hecho por Sargent es una creación sumamente cautivadora . Nos muestra a la duquesa como la gran belleza de la sociedad haciendo referencia- con un ligero toque - el arte del siglo XVIII a Jean Honoré Fragonard ( 1732-1806 ) y Jean Antoine Watteau  ( 1684-1721 ) en Francia , y a Thomas Gainsborough ( 1727- 1788)  Georges Romney ( 1734-1802 ) y Joshua Reynolds ( 1723- 1792 ) en Inglaterra .


Es el retrato como realce e ilusión . La duquesa de Sutherland era , realmente , una mujer de enorme fortuna . Su nombre de soltera era Millicent St. Clair Erskine ( 1867-1955 ) hija del IV conde de Roselyn y su esposa Blanche Fitzroy. El día de su decimoséptimo cumpleaños contrajo matrimonio con Comartie Sutherland Leveson - Glower y, cuando tomó posesión del ducado de Sutherland en 1892 , se convirtió,como señora de Stafford House en Londres y del castillo de Durobin en Escocia, en una de las mujeres más influyentes de la época .


Hermosa, comprometida y llena de energía , fue una apasionada reformadora en The Potteries y en Escocia. Se hizo tan famosa que fue satirizada por el novelista Arnold Bennet con el título de de la condesa de Chell on Tales of the Five Towns ( 1905 ) ,The Grim Smile of the Five Towns ( 1907 ) y The Card ( 1911 ). Trabajó como enfermera en la Primera Guerra Mundial , creó uno de los primeros hospitales de la Cruz Roja en Francia y  fue condecorada con la Cruz Roja en Francia y fue condecorada con la Croix de Guerre : sus experimentos quedaron registrados en un folleto titulado : Six Weeks at the War .


Se relacionó con el grupo de Malborough y con el círculo de  aristócratas intelectuales conocidos como The Souls ( las almas ) e hizo gala de cierto talento y ambiciones literarios al escribir varias novelas ( a menudo bajo el seudónimo de Erskine Glower ) y una obra de teatro The Conqueror ( 1905 )


Sargent retrata a la duquesa con un espléndido vestido de noche  en aguamarina y plata , una corona de laurel plateada en la cabeza,una rama de sauce en la mano izquierda y la derecha apoyada sobre una fuente ornamental . El marco constituye una reunión de los nemoroso y lo clásico , una mezcla de artificio y poesía . El retrato fue colgado en la Royal Academia en 1904 y los críticos se quejaron de que colgarlo tan alto hacía imposible un juicio  meditado . A roger Fry no le convenció su vanidad y arguyó  que la " arriesgada idea del vestido verde arsénico y el misterioso fondo boscoso " iban" más allá del poder de la imaginación del artista " pero mostró su admiración por el dominio de las lineas  de Sargent : " Hay en el contorno del hombro y el brazo izquierdo una búsqueda de las lineas , lo cual constituye una grata señal de aún no ha olvidado por completo el dibujo de su " Madame Gautreau ".


La Royal Academy respondió con entusiamo ante el espíritu dicieochesco del cuadro : " El placer producido por la contemplación de una obra  maestra de Gainsborough o Reynolds o Romney recién salida del caballete debió ser un tanto similar al brillo de los ojos y el deleiteal contemplar el esplendor de la obra de John Sargent " La duquesa de Sutherland ".

Mercedes Tamara Lempicka 

4 septiembre 2011

Bibliografía : Colección del Museo Carmen Thyssen Bornemizsa , Madrid

PROSERPINA DE GABRIEL ROSSETTI

POSERPINA 1877

Proserpina
óleo sobre lienzo 119 x 57, 8 cm
Colección particular

Dante Gabriel Rossetti conocido también como poeta , fue uno de los cofundadores de los prerrafaelistas y una de las figuras más destacadas de esa asociación de artistas. Fue el que, con más fuerza , supo llevar sus objetivos , su esteticismo pleno de misterios a la era del simbolismo europeo,orientándolos por los temas literarios que se asemejaban a un " pozo " oscuroy profundo de los símbolos insondable y atemporal.

Pintó un total de ocho versiones diferentes de Proserpina , el conocido tema mitológico de los infiernos. La versión que aquí se presenta concluida en 1877 se conserva en una colección particular londinense. Plasmada lateralmente se ve la semifigura de una joven seductoramente bella , que se identifica con Proserpina , la dominadora de los infiernos de los infiernos en la Antigüedad clásica. Plutón , el dios del reino de los muertos , la había raptado: sin embargo,después de las súplicas de su madre Ceres dirigió a Júpiter , la había devuelto,si la joven no hubiera tomado de los frutos del Hades. Pero como comió un grano único de una granada , tuvo que quedarse allí para siempre : sólo podía pasar la mitad del año -primavera y verano- en la tierra.

Rossetti vio en este tema un símbolo de su propio destino , pues la mujer que amaba,Jane Burden- estaba casada con el pintor y teórico del arte  William Morris ( 1834-1896) ella, quien había servido de modelo para Proserpina, estaba comprometida y por tanto prisionera ; es decir, inalcanzable , a pesar de que William Morris , Jane y Rossetti vivieron los años 1871-1874 en la misma casa. El artista ha escrito un soneto inglés para el cuadro , que se ha colocado a la derecha.

Prosepina se presenta en un tenebroso corredor de su palacio , con la funesta fruta en la mano, profundamente sumida en sus pensamientos . El exuberante oval del rostro se corresponde con el ideal femenino preferido por muchos prerrafaelistas y responde a aquella imagen femenina decadente , elegida gustosamente , que una la  madona y la mujer fatal. El incienso que se quema en una bandeja , junto a la belleza , hace referenciaa su deidad; la hiedra del fondo es símbolo de los recuerdos que la oprimen . El fino vestido de verde oscuro y cruzado ornamentalmente por líneas luminosas , que recuerda la Antigüedad clásica , se abomba de modo decorativo sobre una plancha de mármol, que divide  la composición , en la parte inferior del espacio real del observador.

Los labios rojos y henchidos de la mujer , su cabello ondulante y los grandes ojos : todo ello, unido a la carne de brillos rosados de la granada , transmite- ante el transfondo de  fantasías masculinas típicas de la época de fin de siglo-un ambiente de tibia sensualidad.Con una mano Proserpina rodea la muñeca de la otra , como para impedir que haga un acto que tenga funestas consecuencias -sin lograrlo, pues como si fuera una segunda Eva , la mujer se lleva a la boca la granada , el viejo símbolo del placer sexual.

Pero cuando Proserpina , que actualmente se encuentra en propiedad particular, Rossetti recortó el rostro y las manos de la mujer de una versión anterior ; los llevó a un lienzo nuevo y los completó hasta terminar la nueva versión.

Mercedes Tamara

1 de septiembre 2011

Bibliografía : Prerrafaelismo Edic Taschen

LA BUENAVENTURA DE CARAVAGGIO

LA BUENAVENTURA 1596-1597

La Buenaventura
óleo sobre lienzo 
99x 131 cm
Museo Nacional del Louvre

Según cuenta un crítico del siglo XVII, cuando se interpeló a Caravaggio para que copiara las grandes obras del pasado, éste respondió orgullosamente que él no debía nada a los maestros antiguos, sino a los personajes de su época.

De este modo, tomó por la mano a una gitana a la cual retrató en su taller. Éste sería el caso del lienzo que nos ocupa, pues en él podemos ver a la mujer diciendo la buenaventura a un joven ricamente vestido, a quien roba el anillo mientras lo embauca con sus predicciones.

Independientemente de la leyenda, lo importante de la anécdota es el hecho de que ya en su época, Caravaggio era consciente de estar pintando sobre la vida al natural, y no como se había hecho hasta ese momento sobre modelos idealizados que resultaban completamente ajenos al sentir del público.

Caravaggio realizó una copia de este lienzo, que se encuentra  en el Museo Capitolino de Roma. En el otro lienzo, la gitanaresulta más agraciada, aunque la pose del caballero es algo más envarada.

Mercedes Tamara Lempicka 

31 agosto 2011

Bibliografía : Carvaggio, Edit Biblioteca El Mundo

                        Artehistoria

VISIÓN DE LA IGLESIA CRISTIANA CASPAR DAVID FIEDRICH

VISIÓN DE LA IGLESIA CRISTIANA 1820

Visión de la iglesia cristiana
óleo sobre lienzo 66x51 cm
Sxcweinfurt Museum Georg Schafer

Este cuadro de Caspar David Fiedrich es muy contrvertido y no alcanzó el éxito de otras pinturas suyas . En Visión dela iglesia cristiana aparecen dos druidas paganas que hacen un sacrificio por la aparición de una iglesia gótica que se halla suspendida sobre la niebla y el humo del incienso y se vuelven a ella en actitud de adoración.


En el primer plano del cuadro destacan las figuras que parecen hermanas . El color de sus vestimentas es lo que se aprecía con más nitidez , ya que Fiedrich ha querido que el espectador contemple con claridad las manos alzadas en señal de adoración y de conversión a la iglesia cristiana , la niebla que las rodea les da a las druidas un aspecto fantasmagórico . Esa atmósfera tenebrosa es algo recurrente en las pinturas de Caspar David Fiedrich .


La silueta de la iglesia apenas es perceptible pero la ha colocado en el centro del cuadro y aunque está rodeada de niebla se ven todos los elementos arquitectónicos con la claridad suficiente para observar como Fiedrich respeta la simetría de la pintura .El cromatismo ha sufrido una ligera modificación , ya que los colores no son tas asperos ni secos , ahora la paleta se ha enriquecido con un colorido más espontáneo e intenso.

Mercedes Tamara 

30 agosto 2011

Bibliografía : Caspar David Fiedrich, Edic Taschen

CRUZ EN LAS MONTAÑAS DE CASPAR DAVID FIEDRICH

CRUZ EN LAS MONTAÑAS 1812

Cuz en las montañas
óleo sobre lienzo
44,5 x 35,5 cm

Düsseldorf Museum Knust Palast 

Esta pintura de Capar David Fiedrich  Cruz en las montañas realizada con seguridad en el año 1812  proporciona un ejemplo instructivo y permite una interpretación del motivo como una especie de continuación del Retablo de Tetschen  En el terreno rocoso e inhóspito del primer plano aparece una fuente ; detrás del espacio indeterminado , aparece un muro oscuro formado por árboles y la fachada principal de una iglesia gótica , que parece una prolongación de los árboles que tiene un aspecto muy tenebroso.

En el limite entre el primer plano y el fondo aparece una cruz de caminos En este cuadro la lógica del tiempo parece haberse abolido en favor de una irrealidad oniríca. El ambiente irreal de estos cuadros , no obstante, no debe llegar a negar un contenido concreto, pues no se puede olvidar que el renacer del gótico en el neogótico se concebía como una llamada a nuevos órdenes religiosos y políticos de futuro.

La vuelta al pasado medieval , que se consideraba una herencia nacional , tenía como objetivo reunir la fuerza de todos los alemanes en la configuración del futuro . Ese entusiamo por la Edad Media, transformado en un impulso progresista , se manifestaba también en la arquitectura alemana 

Mercedes Tamara Lempicka 

30 agosto 2011 

Bibliografía : Caspar David Fiedrich Edic Taschen,

AVE MARÍA EN TRANSBORDADOR DE GIOVANNI SEGANTINI

AVE MARÍA EN TRANSBORDADOR  1886

AVE MARIA EN EL TRANSBORDADOR
óleo sobre lienzo 120 x 93 cm
St. Morritz, Segantina Musum

Giovanni Segantini no encaja bien en la historia estilística canónica , cuyo devenir " directo " llevaría, al parecer, sin rodeos del neoclasicismo a Manet y el impresionismo ,pasando por el " tardo-romanticismo " y el realismo ; luego conduciría a la autonomía formal y, por último, a la pintura abstracta del siglo XX .


¿ Qué podría hacerse con un pintor como Segantini , que prefirió una pincelada " moderna  neo impresionista ,pero cuya proposición iconográfica se puede enmarcar en el simbolismo . Las cuestiones relativas a sus posibles fuentes de inspiración - entre ellos lo prerrafaelistas- se  descuidaron tanto como las concernientes al eco que suscitó Gustav Klimt y Egon Schiele en Paul Klee y, por último, en algunos futuristas.


La inseguridad frente a los temas meditativos y enigmáticos de sus cuadros han llevado a interpretaciones frecuentemente aventuradas " fantasiosas " , por ejemplo , en su más hermoso cuadro ( del que existen dos versiones ) Las malas madres se ha comparado la mujer prisionera en un árbol esquelético , con una Mater dolorosa cristiana : la cabecita del niño  correspondería a la flecha clavada en el corazón de la Virgen. Una tesis más que osada . Será ciertamente mejor mantenerse en la interpretación según la cual las malas madres se niegan al embarazo y, por tanto , a la fertilidad de la naturaleza , por lo que han de hacer penitencia por su estéril concupiscencia.


También del Ave María existen dos versiones: la primera ,de 1882, está prácticamente arruinada . Esta y la segunda versión de 1886 , hacen del lago di Pusiano-al norte de Milán el escenario de un transbordo en una balsa, un hombre viejo que rema en popa , pero que en este momento se dedica a  una silenciosa oración , y una madre joven que sostiene cariñosamente un niñito en brazos , conducen un rebaño de ovejas a la lejana orilla . La balsa- sus arcos de madera, sobre los que se puede tener una carpa , destacan con marcada silueta ante el cielo -puro-se refleja en la clara luz del sol muy bajo sobre la superficie , ligeramente en movimiento,del lago.

Las malas madres

El objetivo del viaje es el apartado pueblo , casi sumido en  la oscuridad , cuya iglesia destaca en el horizonte . Segantin modifica en su vista la iglesia de Garbagnate  Rota, que está dedicada a San José y la Inmaculada Concepción. El ensimismamiento de la vejez y el amor materno vuelto hacía el hijo , la serenidad al final de la vida y la certeza del mañana se unen en una estampa tan poética como religiosa 

                                       Mercedes Tamara Lempicka
                                      29 agosto 2011


Bibliografía ; Simbolismo, Edic Taschen

LOS CORCELES DE NEPTUNO DE WALTER CRANE

LOS CORCELES DE NEPTUNO 1892

Los corceles de Neptuno
óleo sobre lienzo 86 x 215 cm
Neue Pinakoten Münich

Walter Crane , uno de los grandes ilustradores inglesesde su tiempo , ofrece aquí una impresionante metáfora de la descomunal fuerza de las olas . El mar siempre ha sido símbolo de potencia vital- las olas representan la fuerza  que el hombre no llega a dominar-una superficie inabarcable que señala un  horizonte, y el horizonte es infinito, es futuro y es también el abismo de lo  desconocido…el simbolismo del mar no es algo que realmente nos tengan que enseñar porque la sensación de inabarcable inmensidad que provoca  junto con la fuerza ambigua que emana el mar es algo que se experimenta sin más. Puede despertar la melancolía pero también la serenidad…  es como un misterio.

Walter Crane compara las fuerza que tienen las olas con el galope de los caballos Ha utilizado una excelente metáfora porque tanto el caballo como el mar son elementos más poderosos y veloces que el hombre .


En la mitología griega y romana Poseidón o Neptuno era el dios que más temible parecía a los hombres y , por eso, se le intentaba apaciguar con muchas ofrendas para calmar su ira y evitar esas terribles inundaciones de la que nos cuenta Homero en su libro " La Odisea " 

Mercedes Tamara 

24 agosto 2011

Bibliografía : El Simbolismo, Edic Taschen

ODALISCA CON ESCLAVA INGRES

ODALISCA CON ESCLAVA 1842

Odalisca con esclava
óleo sobre lienzo 76 x 154 cm
Baltimore Galeria Walters

El siglo XIX experimentó una renovación del gusto por la antigüedad, por la Edad Media y, sobre todo, por lo exótico. Este gusto por lo exótico será una constante en los pintores románticos, pero también podemos encontrar sus temas en artistas como Ingres, que solía considerarse academicista.


 Las imágenes de moros, harenes, batallas en tierras lejanas empezarán a pulular a partir de 1830, sobre todo a raíz de los viajes a Grecia, Tierra Santa y el norte de África. Por otro lado, Ingres sentía debilidad por el desnudo femenino en sí. El cuerpo no podía ser representado por sí mismo, sino que se debía adecuar a un contexto que lo justificase. 


Por ello, serán muy frecuentes - y no sólo en Ingres, también en Delacroix- la representación de harenes o baños turcos. La sensualidad, el colorido y la languidez femenina son estereotipos que se repiten. Ingres realizó auténticos experimentos acerca de la línea y la estructura decorativa de la anatomía. Los estudios se repiten a lo largo de sus obras, y la misma mujer que aparece en este cuadro la encontramos en otros, como el estudio de Mujer Acostada, Mujer con tres brazos o en el propio estudio preparatorio para esta obra.


Ingres pintó a la Odalisca con esclava en un ambiente muy sensual que consigue que los ojos del observador se quede extasiado ante el bello cuerpo de esta odalisca que se encuentra cautiva sin poder salir de ese escenario que es tan bello que parece, sacado de un cuento de las Mil y una noche , pero , sin embargo es una verdadera cárcel para esta odalisca cuyo cuerpo aparece en escorzo dentro de un fondo en el que hay una exquisita gama de colores marrones y grises.

Mercedes Tamara Lempicka 

21-10-2014

Bibliografía :  1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

ARRECIFE EN LA PLAYA DE CASPAR DAVID FIEDRICH

ARRECIFE EN LA PLAYA  1824 

ARRECIFE EN LA PLAYA

óleo sobre lienzo 22,5x 31 cm

Karlsrhube Staatliche Kumsthalle

CASPAR David Fiedrich encontró muchas fuentes de inspiración para sus maravillosas pinturas en los paisajes acuáticos de los que tiene varias obras cuyo protagonista es el hielo.


Esta pintura Arrecife en la playa pintada poco después del Océano Glaciar , que al parecer representa la punta occidental de la isla de Wight , cerca de Bournemouth una vista que Fiedrich pudo conocer por grabados . Las puntas de las rocas en el mar recuerdan las formaciones de hielo en el cuadro de Hamburgo.


El año 1824 fue un año particularmente fructífero , pero también agotador para el artista. Debido al exceso de trabajo contrajo una enfermedad a la que se refiere vagamente en una carta del 23 de octubre de 1825, dirigida a sus tres hermanas:" Desde hace algún tiempo me vengo sintiendo mal ; pero desde ayer la enfermedad parece emprender la retirada . Me acabo de sentar envuelto en pieles , para pasar el día escribiendoos, queridos míos . 

De cuando en cuando siento la necesidad cuanto os quiero y que ilimitada confianza os tengo, tanto más , cuanto más me retraigo sobre mi mismo debido a las amargas experienciasque he tenido . Pero no quiero que esto mio os llegue a causar preocupación ".


Pero pese a no encontrarse en plenas facultades no le impidió pintar Arrecife en la playa , siempre con la Naturaleza como marco , la luz es una baza esencial en la expresión pictórica de Fiedrich y, así , determinados momentos del día como el amanecer, o sobre todo, la puesta del sol , fueron especialmente atendidos en sus cuadros 


Fiedrich se aisla cada vez más en su mundo interior y se retrae a sus tormentos interiores . Además , es muy consciente que este tipo de arte sólo lo saben apreciar sus amigos más íntimos y algunos iniciados porque su arte está caracterizado por un extraño simbolismo lleno de misticismo con la mirada puesta siempre las alturas -de ahí que recurra con mucha frecuencia a esos pináculos y a los nubes- como un deseo de abandonar este mundo en el que se siente tan desdichado para irse a encontrarse con Dios.

Mercedes Tamara Lempicka 

9 agosto 2011

Bibliografía : Caspar David Fiedrich, Edic Taschen