sábado, 5 de enero de 2013

LA MASCARADA DE MARIANO FORTUNY

LA MASCARADA 1870

La mascarada
acuarela 45,5 x 63 cm
Metropolitam Museum of New York





Según Raimundo de Madrazo , Fortuny pintó en Madrid la acuarela El carnaval , que regaló al director de la Ópera Cómica en agradecimiento por el palco que le había cedido. Esta obra, fechada en 1868, conocida como La mascarada    ( Metropolitam Museum of Art de Nueva York ), pasó por distintas manos hasta llegar a la colección Stewart . Sin embargo, como era habitual en el pintor, Fortuny realizó una segunda versión de esta obra, que perteneció a la infanta María de la Paz de Borbón, hermana de Alfonso XII , y posteriormente a sus descendientes hasta fecha reciente. Aunque desconocemos el momento preciso en que esta acuarela pasó a manos de la infanta, en 1885 ésta la reprodujo junto con otras obras de su propiedad en un album que editó con fines benéficos en Münich , ciudad donde residió a partir de 1883 a raíz de su matrimonio con el príncipe Luís Alberto de Baviera . Dado que con posterioridad a la muerte de Fortuny Alfonso XII adquirió dos obras de este artista ( la pintura Vivienda de gitanos en Granada y una acuarela que representaba unas figuras frente a un  estanque ) apuntamos la posibilidad de que la obra que comentamos sea esta última y que Alfonso XII la hubiera regalado a su hermana , que era aficionada a la pintura y ella misma  también era pintora.


Respecto a la fecha de esta segunda versión , podría situarse en 1870 . En una carta de Cecilia de Madrazo a su padre fechada en 1870, afirma que" Mariano concluye el cuadro de los árabes  El encantador de serpientes y retoca la acuarela de Carnaval para entregarla a Goupil ". Asimismo, en el reverso de la citada acuarela figuran unas anotaciones en francés  manuscritas a lápiz , relativas a las medidas del passe-partout que muy probablemente indican que la obra pasó efectivamente por la galeria Goupil .


La obra representa una escena de carnaval con unos personajes vestidos a la moda del siglo XVIII, entre los que destacan un arlequín que interpreta una pieza musical y una dama con antifaz que muestra sus pechos-un claro elemento de transgresión social - en un jardín con  una balaustrada de mármol al fondo y un lago con cisnes en primer término como marco escenográfico de los personajes. Fortuny pintó una escena galante con elementos de la comedia del arte italiano en una atmósfera cercana a las obras de Watteau, que responde a un gusto  muy arraigado y de gran éxito comercial a mediados del siglo XIX , y muy especialmente a las de Tiépolo , según reconocía el propio Fortuny en una carta a Simonetti. Sin embargo, el extraordinario dominio que Fortuny tenía de la acuarela se manifiesta aquí de manera brillante a través de las delicadas entonaciones de color.




Mercedes Tamara 
5 -enero-2013



Bibliografía : Mariano Fortuny , Edic Museo Nacional de Cataluña




domingo, 30 de diciembre de 2012

EL NACIMIENTO DE VENUS ADOLPHE WILLIAM BOUGEREAU









La pintura es una representación clásica del nacimiento de la diosa romana del amor y de la belleza. Su autor, arquetipo de la pintura académica francesa, presta con la obra un homenaje a la venos de Sandro Botticelli, al Triunfo de Galateia de Rafael y a la Venus Anadiômene, de Jean-Auguste-Dominique Ingres.


La diosa, con su piel de porcelana y los cabellos esvoaçantes, emerge de una concha, rodeada de tritões admirados, ninfas marinas y querubines. Venus, sin embargo, fue sólo un pretexto para crear un desnudo voluptuoso e idealizado.

La pintura presenta una gran intensidad de memoria, un acabado refinado y precisión en la ejecución, lo que garantizan al cuadro cierta perfección física. Por cuenta de su técnica también refinada, el Bouguereau fue admirado por los tradicionalistas y fuertemente criticado por los vanguardistas. En El nacimiento de Venus Bouguereau coloca a Venus de una forma asimétrica para imitar la obra de Boticelli ; pero, a diferencia de éste ,adopta una pose erótica que deja claro el placer del artista al revela la perfección del cuerpo de la diosa





Uno de los máximos representantes del academicismo en la segunda mitad del siglo XIX es William Adolphe Bouguereau. Las escenas de asunto mitológico serán sus favoritas ya que con ellas era fácil alcanzar el triunfo en el Salón de París. La diosa de la belleza domina el centro de la composición, rodeada de tritones y nereidas que observan su nacimiento y acompañada de puttis en la parte superior de la composición. Según la leyenda, Venus es considerada hija de Urano, cuyos órganos sexuales, cortados por Cronos, cayeron al mar y engendraron a la diosa, convirtiéndose en la "mujer nacida de las olas" o la "nacida del semen del dios". Nada más nacer, Venus fue llevada por los Céfiros a la costa de Chipre donde fue vestida por las Horas y conducida a la morada de los Inmortales.

La escena presenta el estilo típico de Bouguereau, empleando una técnica preciosista, casi fotográfica, envolviendo la composición de un etéreo ambiente que recuerda a las obras renacentistas, especialmente a Rafael y Leonardo. La composición se resuelve a través de varias diagonales en superficie que envuelven la línea vertical de la figura de la diosa. La influencia de Ingres y David también está presente en la producción del artista La
 diosa aparece en el cuadro desperezándose sin vergüenza ninguna de su desnudez.

A pose de Venus, con los brazos enhiestos, es una referencia a la Venus de Ingres.Los querubines que encaran la diosa con admiración, por su parte, se acuerdan a los observadores las dos Madonas Sistinas de Rafael. Como en la mayor parte de la obra, el fondo es sólo esbozado, para realzar la prominencia del objeto principal.En la mitología romana, las brisas, que llevan la concha de Venus hasta Pafos - isla de Chipre, representan las pasiones espirituales. El artista pintó esas criaturas y las ninfas entramados de modo naturalista (seres míticos en poses terranales verosímiles) con el objetivo de homenajear, nuevamente, Venus de Boticelli.Dos querubines son retratados encima de un delfín, símbolo tradicional de protección. Ese recurso era bastante utilizado por los pintores académicos franceses, para retratar el respeto por el arte renacentista italiana.


Mercedes Tamara 
30 -12-2012


Bibliografía : París, Musée d´Orsay "Edic Uffmann






viernes, 21 de diciembre de 2012

EL CASTIGO DE LA LUJURIA GIOVANNI SEGANTINI

EL CASTIGO DE LA LUJURIA 1891
El castigo de la lujuria
óleo sobre lienzo 235 x 129 cm
Walker Art Gallery , Liverpool



Giovanni Segantini ( 1856-1899 ) fue criado en Milán por unos parientes . Siendo niño visitó  los Alpes, que se convertirían en una fuente permanente de inspiración. Comenzó su carrera  como artista decorativo. Hacía 1880 el crítico de arte y marchante Vittore Grubicy de Dragon lo descubrió, y Segantini pasó a formar parte del grupo de artistas que exponía local e internacionalmente bajo su patrocinio. Animado por Grubicy , experimentó con el divisionismo  y pasó de pintar idílicas escenas bucólicas a utilizar la luz para transmitir sensación de espiritualidad.


El castigo de la lujuria , también conocido como El castigo del lujo , forma parte de una serie imbuida de simbolismo católico que Segantini pintó entre 1891 y 1896 con la temática común  de las " malas madres " ( cattive madri ). En este cuadro se observan las almas de dos mujeres flotando sobre los Alpes. El aislamiento en las montañas, bajo el cielo, supone un castigo por  haber perdido dos criatura no natas, ya fuese mediante el aborto o por una negligencia.


Segantini, huérfano de madre desde niño , creía firmemente que la maternidad constituía el único propósito de la mujer y que cuando una mujer renegaba de este cometido cometía un pecado.


Pese a situarlas en los Alpes para cumplir su eterno castigo, las últimas palabras conocidas  de Segantini fueron : " quiero ver mis montañas " . A su muerte, su obra atrajo a una amplia diversidad de admiradores: Munch, Ensor, Kandinsky quedaron impresionados por las sensuales y espirituales pinturas de Segantini.




Mercedes Tamara
21 -12-2012


Bibliografía : El Simbolismo , Edic Taschen

domingo, 9 de diciembre de 2012

HERRADOR MARROQUÍ MARIANO FORTUNY

HERRADOR MARROQUÍ 1870
Herrador marroquí
óleo sobre lienzo 47 x 65 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña









Adquirida por la Junta de Museos a la Casa Jacobi de París en el año 1922, Herrador marroquí forma parte de la trilogía de pinturas ingresadas en el Museo de Barcelona ese mismo año. Igual que en Paisaje en Granada y Busto de hombre , en el caso de la pintura comentada también se puede advertir la inclusión de estampilla " Fortuny " en la parte inferior de la tela .No obstante, tampoco se encuentra ninguna referencia escrita que consigne su presencia entre las obras existentes en el taller del pintor en el momento de su muerte.




Al referirse a las primeras producciones de temática orientalística , Attilio Simonetti juzgo la  obra estudiada como la más importante de todas las realizadas en esta etapa creativa . Sin entrar a valorar el mayor o menor acierto del juicio artístico del pintor italiano, si que conviene recordar , tal y como ya mencionó el propio Simonetti , que Fortuny versionó el mismo motivo pictórico en dos composiciones distintas, una de las cuales regaló " a un suo amico spanolo , credo si chiami Sanz " . A pesar de la evidente laguna memorística , la mención al pintor  Francesc Sans Cabot, no admite interpretaciones equívocas , dado que existen pruebas documentales que confirman que Sanz tuvo la propiedad de una de las dos citadas versiones y que inicialmente tenía la voluntad testamentaria de legar la composición al Museo del Prado, aunque finalmente, por circunstancias que ignoramos , no llegó a ingresar en la pinacoteca madrileña y en fecha desconocida pasó a formar parte de la colección Gustavo Bauer de Madrid.





Herrador marroquí de Mariano Fortuny es de una factura muy libre. Determinados aspectos , entre los podemos mencionar la luminosidad de la obra o el abierto naturalismo que transmite toda la composición , evidenciado en el ramaje del árbol que sobresale por encima de la tapia, contribuyen a sugerir que el cuadro fue realizado en una fecha más tardía próxima a la época de la actividad granadina . Habrá que esperar nuevas aportaciones documentales , ya que la complejidad del tema obliga a mantener una prudente cautela metodológica .




El tema del herrador marroquí forma parte de los tópicos visuales del mito orientalista , hecho que justificaría la fortuna iconográfica de este motivo pintoresco 

Mercedes Tamara
9-12-2012


Bibliografía : Mariano Fortuny, Museo Nacional de Cataluña 

miércoles, 5 de diciembre de 2012

TORMENTA DE NIEVA-VAPOR SALIENDO DE LA BOCANA DE UN PUERTO DE W .A. TURNER

TORMENTA DE NIEVA-VAPOR SALIENDO DE LA BOCANA DE UN PUERTO 1842
Tormenta de nieve -vapor saliendo de la bocana de un puerto
óleo sobre lienzo 191,5 x 123 cm
Tate Galeery , Londres







Durante la década de 1840, la obra cada vez más experimental de Joseph Mallord William Turner ( 1775- 1851 ) recibió auténticos varapalos . Hubo críticos que se cebaron en este cuadro, descrito como " espuma de jabón y cal " , pero a una figura tan influyente como John Ruskin , el gran defensor de Turner , le encantó.



La obra esta vinculada a una anécdota famosa: al parecer Turner se había atado al mástil del Ariel, el buque de vapor de la pintura durante una tormenta . No parece muy verosímil,pero plasma la pasión del pintor por observar la naturaleza de cerca. Los espectadores quedaron absortos de inmediato en la composición en forma de remolino, muy usada por Turner , y por las lineas compositivas que fieles al tema, provocan vértigo,desorientación y caos.



El cuadro es muy subjetivo para su época. La paleta bastante limitada y la fusión enloquecida de masas de agua y luz evocan un estado casí onírico. Lo cierto, sin embargo, es que Turnerobserva el detalle y controla todos los elementos . Solo alguien con su conocimiento del colory de la luz podría darse cuenta de que había que plasmar las llamas de debajo de la cubiertacon el tono amarillo limón que nace de mirar por una cortina de nieve.





El barco que se zarandea peligrosamente en el epicentro del remolino tiene una función simbólica, como en el Temerario , aunque aquí refleja la convicción de Turner de que el hombre está a merced de las fuerzas poderosas de la naturaleza



Mercedes Tamara 

5-12-2012

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

martes, 20 de noviembre de 2012

LA ELECCIÓN DE LA MODELO : LA MODELA DE MARIANO FORTUNY

LA ELECCIÓN DE LA MODELO : LA MODELA 1868-1870
La elección de la modelo : La modela
óleo sobre tabla 50x80 cm
The Corcoran Gallery of Art, Washington ,




Fortuny situó la escena de los académicos contemplando a la modelo , asunto inspirado en el tema bíblico de Susana y los viejos , en el interior del Palazzo Colonna de Roma , al cual debía tener fácil acceso dada su amistad con la duquesa Adèle de Castiglione-Colonna, escultora que frecuentaba el taller romano del pintor. Concretamente el artista representó uno de los extremos de la galería del citado palacio , construida en el siglo XVII e inagurada en el XVIII para acoger la pinacoteca familiar , con dos columnas de mármol junto al vestíbulo de la entrada , cuya pared de fondo decoró , siguiendo la tradición pictórica de los gabinetes de pintura , a la manera flamenca, utilizando el topos clásico del cuadro dentro del cuadro como referencia visual culta de un museo ideal construido por pinturas mayoritariamente pertenecientes al Museo del Prado , entre las que podemos reconocer a algunos de los pintores más emblemáticos de la pintura europea.
Fortuny, como era habitual en su producción , introdujo sucesivos cambios en esta obra y  realizó diversos estudios preparatorios , dos de los cuales forman parte de esta exposición. La muestra incluye también un esbozo de la pintura que Fortuny incluyó en una carta que envió a Stewart . En el estudio preparatorio  que conserva el Musée d´Orsay se evidencia que el artista en un principio había situado junto a la mesa de mármol en la que posa la modelo a una mujer vieja sentada , una evocación de la figura de alcahueta o celestina goyesca que observaba complacida el efecto lascivo que la joven producía en los académicos, figura de esta anciana  que, al parecer, finalmente decidió eliminar por temor a que se  pudiera considerar indecorosa.
La modelo desnuda, que posa complacida ante la atenta mirada de los académicos , ha sido  identificada como Marietta L´organettara, una de las modelos que trabajaba para el pintor.
Mercedes Tamara 
20-11-2012


Bibliografía : Mariano Fortuny, Museo Nacional de Cataluña

domingo, 18 de noviembre de 2012

LUZ Y COLOR ( LA TEORÍA DE GOETHE ) LA MAÑANA DESPUÉS DEL DILUVIO . MOISES ESCRIBE EL LIBRO DEL GÉNESIS DE WILLIAM A.TURNER

LUZ Y COLOR ( LA TEORÍA DE GOETHE ) LA MAÑANA DESPUÉS DEL DILUVIO
MOISES ESCRIBE EL LIBRO DEL GÉNESIS 1843

Luz y color ( La teoría de Goethe ) La mañana después del Diluvio . Moises escribe el libro del Génesis
óleo sobre lienzo 78, 5 x 78,5 cm
Londres ,Tate Gallery


La obra , expuesta en pareja con Sombras y Tinieblas , alude ya en el título a la Teoría de los colores de Goethe , de cuya traducción al inglés, publicada en 1840. Turner poseía un ejemplar, Gage vio en ella una tentativa por parte del artista de recomponer " la igualdad  de tono entre la luz y la oscuridad tanto en el arte como en la naturaleza , equiparando la sublimidad de las tinieblas a la de la luz ". Sea como fuere, la presencia en el centro de la serpiente , símbolo del mal , y el significado de los versos de Las falacias de la esperanza  que acompañaban el lienzo demostrarían la "negatividad " incluso de los colores "positivos" como los amarillos, rojos y verdes que caracterizan Luz y color.
Las mismas consideraciones de Ruskhin sobre el color no son especialmente ilustrativas " Innovaciones tan audaces y tan diferentes no podían ser introducidas sin un peligro correspondiente : las dificultades innatas a su estilo eran mayores de lo que cualquier intelecto humano podría superar por entero. En su época no se había aceptado de manerageneral nungún sistema de color (...) difícilmente se puede esperar que intente un nuevo  sistema del color quien no se puede descubrir el antiguo. Obtener resultados totalmente satisfactorios en el color según las nuevas condiciones introducidas por Turner habrían  requerido al menos el empleo de todas sus energías en esa dirección. Pero el color siempre fue solo su segundo objetivo . Los efectos de espacio y de forma , en los cuales Turner se recrea , exigen a menudo el empleo de unos medios y un método totalmente en desacuerdo con lo necesario para obtener el color puro ".
Por otra parte, el lienzo está en el límite de lo que Ruskhin hubiera podido aceptar; poco después , su posición cambiaría y el predominio del color a costa de la desmaterialización de las formas le harían considerar indignas del artista algunas obras posteriores, `por  ejemplo Los balleneros.( 1845 )
Mercedes Tamara 
18 -11-2012


Bibliografía : Turner, Edit Biblioteca El Mundo


sábado, 17 de noviembre de 2012

EL BOTE DEL RESCATE DE WILLIAM TURNER


EL BOTE DEL RESCATE 1831



El bote del rescate
óleo sobre lienzo 122 x 91,4 cm
Victoria and Albert Museum




Durante los años iniciales de la década de 1830, Turner está interesado en los asuntos acuáticos como bien podemos comprobar en La playa de Calais, El Támesis o esta imagen que contemplamos. En todas ellas la temática es secundaria porque al maestro londinense lo que le interesa es representar los fenómenos naturales y los efectos atmosféricos. En este caso, elige un tema cargado de tensión como es el momento de la partida de un barco de rescate alertado por las bengalas lanzadas desde un barco encallado que se intuye a lo lejos. El escenario está siendo vapuleado por un temporal mientras en la playa contemplamos a una mujer con sus hijas que espera el desenlace del rescate.


Turner capta a la perfección la luz típica de una tormenta, esa luz oscura pero que ilumina a la vez. También se ha conseguido perfectamente el color del mar embravecido en el que se mezclan marrones y blancos. Siguiendo los dictados románticos, el artista nos hace sobrecoger al ver la fuerza de la naturaleza frente a la pequeñez del ser humano, tal y como también hará el alemán Friedrich

Turner estuvo estudiando durante toda su vida el tema del color con una aplicación que demuestra que, aunque no poseyese una plena propiedad del lenguaje pictórico , sus facultades intelectuales eran de  alto nivel.Turner debería ser juzgado por cuadros que no presentó en las exposiciones. Estos son muy  numerosos y a menudo alcazan un alto grado de perfección expresiva . Es cierto , naturalmente , que muchos de ellos están desprovistos de formas definidas  a veces no se puede reconocer el tema.Las cosas han desaparecido por completo a menos que podamos aceptar como tales una ocasional vela roja y esas inexplicables concentraciones de color . Pero esto no significa que sean superficiales o estén inacabados: por el contrario , el color que cubre estos grandes lienzos  ha sido aplicado y  difuminado con el máximo cuidado y delicadeza .

Mercedes Tamara
17-11.2012


Bibliografía : Turner, Edit Biblioteca El Mundo

miércoles, 14 de noviembre de 2012

FRANCISCO LEZCANO, EL NIÑO DE VALLECAS DIEGO DE VELÁZQUEZ

FRANCISCO LEZCANO, EL NIÑO DE VALLECAS 1642
Francisco Lezcano , el niño de Vallecas
óleo sobre lienzo 107x83 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado



Francisco Lezcano fue bufón del príncipe Baltasar Carlos y del funcionario del palacio Encinillas, que apuñaló a su mujer por celos de don Diego de Acedo,  también retratado por Velázquez.
En el cuadro, Lezcano está vestido de paño verde, color propio de los trajes de  caza y adecuado para el paisaje de la sierra madrileña que se atisba al fondo, el mismo del retrato de Baltasar Carlos ,cazador. El abrigo o gruta donde se  encuentra el enano es un escenario propio para la meditación. Por la abertura del tabardo asoma la camisa, arrugada pero limpia : de aquella prenda salen los brazos , en mangas de tela rosada. La pierna derecha se ve de frente, poniendo bien de manifiesto su deformidad y la suela del calzado de cojo, la izquierda tiene la calza caída sobre el tobillo.
El traje , que no es de mendigo, da una impresión de descuido típico de la mente trastornada del enano, cuya cabeza mansamente inexpresiva , se inclina levemente  al sol . Entre las manos gordezuelas y juntas tiene un objeto, algunos piensan que es " un pincel de mango y brocha cortos y planos , que el pintor le dajaría para que se entretuviera ": para otros es " un trusco de pan o un casco de teja ". Pantorba sostiene que se trataría de un mazo de cartas. En apoyo de esta interpretación, hay quien aventura la idea de que las cartas sirven al pintor " para animar la pintura y establecer la atmósfera psicológica del cuadro " es cierto que los cortos dedos del enano parecen a punto de hacer un juego de manos o de barajas de cartas ".
En 1964, el doctor Moragas , diagnosticó que el personaje sufría de " cretinismo con oligofrenía y las habituales caractertísticas de ánimo chistoso y fidelidad perruna " En la cara hay una expresión de satisfacción , favorecida por el entornamiento de  los párpados y la boca entreabierta que parece acompañarse del inicio de una sonrisa " Muere en 1649 tres años después de su amo, fallecido en Zaragoza en 1646.
Mercedes Tamara 
14-11-2012



Bibliografía : Velázquez , Edit Biblioteca El Mundo

lunes, 12 de noviembre de 2012

TRANSPORTISTAS DE CARBÓN EN GABARRAS DESCARGANDO DE NOCHE AL CLARO DE LUNA WILLIAM TURNER

TRANSPORTISTAS DE CARBÓN EN GABARRAS DESCARGANDO DE NOCHE AL CLARO DE LUNA  1835

Transportistas de carbón en gabarras descargando de noche al claro de luna
óleo sobre lienzo 90,2 x 121,9 cm
Washington, National Gallery of Art



El cuadro fue ejecutado para Henry McConnel junto con Venecia , también conservado en la National Gallery of Art de Washington . El asunto de las dos obras le fue tal vez sugerido por el propio comitente, un rico industrial textil de Manchenster, con la intención de poner de manifiesto el contraste entre la indolencia de la vida veneciana y la laboriosa ciudad industrial del norte de Inglaterra.
La composición de ambos lienzos es análoga, perfecto pendant la una de la otra, a la derecha la ciudad , a la izquierda las embarcaciones y en el centro la lámina de agua en la cual se  reflejan los colores del cielo , pero la escena veneciana es más cuidada en el dibujo y está inundada de sol hasta no tener casi sombras y la otra muestra la ciudad de Newcastle de  noche envuelta en el humo de la chimenea e iluminada por una mezcolanza de luces, desde el rojo de los fuegos hasta la claridad de la luna , que crean fuertes contrastes de claoscuro.
Mercedes Tamara 
12-11-2012



Bibliografía : Turner, Edit Biblioteca El Mundo