YACT ACERCÁNDOSE A LA COSTA WILLIAM MAILLORD TURNER

YACT ACERCÁNDOSE A LA COSTA 1828 

Yact acercándose a la costa
óleo sobre lienzo 71 , 1 x 13, 5 cm
Tate Gallery Londres

Cuadros como Yact acercándose a la costa habían de chocar a sus contemporáneos por la ruptura violenta con las normas pictóricas vigentes en su época , sorprendiendo ingratamente a la buena parte de la afición y críticos de los que recibió muchas descalificaciones y burlas , ignorando que años más tarde el pintor llegaría a alcanzar el punto más alto de su proceso creativo.


Su ideal , largamente perseguido era llegar a lograr esta dinámica del color que se sobrepone a las formas de la realidad . En estos cuadros de este momento, hay como un torbellino que desde el centro se expande a los bordes . Y los tonos se combinan en una fosforescencia que acentúa aquel movimiento centrífugo


Hay en todo ello una especie de palpitación atmosférica que no debe ser confundida con una anticipación del impresionismo .Los impresionistas eran , al fin y al cabo, realistas de un tipo especial.


Turner no pretende, como ellos harán más tarde , apresar la vibración de la luz en el aire y fijar el momento . No llega a la naturaleza, sino que parte de ella para manipularla , para transfigurarla en un sentido poético . Es un arte de color puro , que experimenta sobre la realidad para empujar a ésta hacía la abstracción.




En esta marina, las referencias de la realidad son las indispensables, expuestas de una manera sumaria aunque fiel, suficiente para que reconozcamos el lugar y su ambiente. Pero ya el pintor se entrega a la especulación sobre la luz, creando un centro de intensidad principal como foco de irisación hacia la periferia y dando preponderancia a la materia pictórica, hecha cromatismo puro.

Mercedes Tamara

4-10-2016

Bibliografia : Grandes Museos , Edit  Planeta 

MUCHACHA DORMIDA DOMENICO FETTI

MUCHACHA DORMIDA 

Muchacha dormida
óleo sobre lienzo 68 x 74 cm
Museo Nacional de Bellas Artes Budapest

La Muchacha dormida  de Domenico Fetti es una obra en la que confluyen influencias diversas . La figura femenina , sobre una mesa cubierta por un mantel de brocado, recibe una iluminación efectista, realzada por un sólido claroscuro , que denota el fervor caravaggista del pintor.

Éste , en efecto, se había formado en Roma junto a Ludovico Cigoli, y conocía la obra de diversos maestros de aquella tendencia, entre ellos Elsheimer, cuyo método de iluminación adoptaría en los temas de género .

Por otra parte, desde su establecimiento en Venecia , en 1621 , Fetti había trabajado en contacto con el genovés Strozzi y el germánico Johan Liss, por quienes también aparece influido este cuadro, que , en consecuencia, ha de corresponder a los tres últimos años de actividad. del pintor.

Dominante en esta composición es, sobre las anteriores, la influencia de Veronés , a la que responde el escorzo de la figura y el concepto del modelado . En el detalle se aprecia la técnica de pinceladas paralelas siempre de propósito efectista , con la que se han construído las formas , difuminados sus contornos en sombra para fundirlos con la atmósfera . 

También en este proceder se reconoce el profundo estudio de la pintura veneciana del siglo XVI, la admiración por Ticiano y Veronés , cuyos rasgos estilisticos caracterizan la pintura de Fetti es el realce lineal en claro de ciertos elementos que se hallan en la penumbra - lazo y sarta de perlas del lado derecho de la cabeza - con la cual consigue una trémula ilusión de realidad 

                                                                Mercedes Tamara
                                                                        29-09-2016



Bibliografia . Grandes Museos Edit Planeta

EL CASTILLO DE CARNAVON JOSEPH MAILLORD TURNER

EL CASTILLO DE CARNAVON 1775-1781

El Castillo de Carnarvon  Óleo sobre tela, 90 x 140 cm.. Museo de Arte de Sao Paulo, Brasil.

El paisajismo inglés alcanza en la obra de Joseph Maillord Turner , el punto extremo de su evolución formal preludiando en muchos aspectos el impresionismo .

El Castillo de Carnarvon, corresponde a la etapa de madurez del artista y pone de manifiesto su interés prioritario por la expresión del espacio atmosférico en una dimensión personal , ilustrada por efectos luminosos de peculiar gravidez colorista.

Al observar la abstracción y dramatización de los fenómenos que se producen en el paisaje , debe tenerse en cuenta ya que la carrera de Turner se inició como dibujante topográfico y perspectivo junto a Thomas Malton , es decir, en un género artístico respecto al cual su producción posterior supone una violenta reacción . De este aprendizaje queda, sin embargo, una óptica determinada en la forma de situar los términos y las referencias espaciales . Pero , por encima de ello, prevalece un cuadro de hondo sentimiento romántico que le lleva a simbolizar las fuerzas de la naturaleza en trágicas masas de color agresivo y deslavazado. 

Mercedes Tamara 

20-09-2016

Bibliografia : Turner , Edic Taschen

ASEO PERSONAL AUTORRETRATO ZINAIDA YERGUÉNIEVNA SEREBRIAKOVA

ASEO PERSONAL AUTORRETRATO 1909

Aseo personal .Autorretrato

óleo sobre lienzo 76 x 65 cm

Galeria Tetriakov

Zinaída Yevguénievna Serebriakova (de soltera Lanceray](en ruso, Зинаи́да Евге́ньевна Серебряко́ва, en ucraniano, Зінаїда Євгенівна Серебрякова; Neskuchnoye, 10 de diciembre de 1884-París, 19 de septiembre de 1967), fue la primera pintora de Rusia de distinción.

Los autorretratos de Zinaida Serebriakova se convirtieron en la parte más notable de su creación artística . Su educación en el mundo de la pintura no se debía sólo al aprendizaje de los estudios de los artistas rusos Ilya Repin y O Braz, sino también a la atmósfera reinante en su familia : el arte era la profesión de su padre , conocido escultor y sus hermanos pintor y arquitecto respectivamente , también sus amigos pertenecían al círculo de los maestros de la asociación " Mundo del arte " .

Este Autorretrato del año 1909 fue pintado en un soleado día de invierno , durante la estancia de Serebriakova en su aldea natal ,sin intención alguna de presentar el trabajo en una exposición.

El cuadro expresa la belleza de la propia artista durante la realización de su aseo personal Transmite una profunda sinceridad por la jubilosa belleza que posee la juventud , por la frescura y pureza de los colores . La escena tiene lugar en la habitación de la artista , en la cual podemos ver en primer plano un candelabro y una botella con colores difuminados que contrastan con la nitidez de la figura de la artista .

Como telón de fondo está la cama junto a una ventana cuyos postigos están cerrados y también tienen un color muy difuminado que muestran un gran deterioro y al otro lado del cuadro aparece una especie de tetera  Estamos ante una obra de gran simplicidad pero dotada de una gran frescura y belleza en la que se pone de relieve la maestría de la artista

Mercedes Tamara ( autora )

28-08-2016

Bibliografía : Wikipedia

VIRGEN CON EL NIÑO SANDRO BOTTICELLI

VIRGEN CON EL NIÑO 1467

Virgen con el Niño
temple sobre tabla 71,6 x 51 cm
Aviñón, Museo du Petit Palais

Se sitúa probablemente entre las primeras obras del artista. Con esta obra parece ser que el artista inicia un ciclo dedicado a la Virgen y el Niño , en las cuales se inspiran muchas de las obras de Botticelli.


Aparece aquí bajo el arco , bajo el cual se colocaban las figuras, motivo que hallará más cumplida formulación en la Virgen con el Niño de París. Se observa la sorprendente mano , algo desproporcionada, con que la Virgen ofrece el seno para amamantar al Niño , que recuerda la influencia de Verrochio .


El tema iconográfico de María ofreciendo el seno a su Hijo tuvo enorme difusión y está relacionado con la reflexión teológica que se expresa en los temas esenciales , por un lado el que atañe a la encarnación de Dios , por otro lado el papel mediador de María , Bernardo de Claraval fue uno de los más ardientes paladines de la devoción a la humanidad de Cristo , que llevó a efecto su efecto su acción salvífica a través de su Madre. Desde un punto de vista estrictamente devocional, cuadros como éste tenían probablemente un destino doméstico y se inscribían en el ámbito de las referencias cultas a la maternidad y a la infancia.


Este cuadro está dotado de una elegancia acentuada por el arco que delimita la escena dando así relevancia a la figura de la Virgen y el Niño Destaca la belleza de la gama de colores : el vestido rosado y la túnica celeste que envuelve en delicados pliegues a la figura del Niño
vestido de un blanco radiante y luminoso




                                  Mercedes Tamara ( autora )
                                         19-06-2016




Bibliografia: Botticelli, Edit Biblioteca el Mundo

LA DUQUESA DE ALBA DE NEGRO FRANCISCO DE GOYA

LA DUQUESA DE ALBA DE NEGRO 1797

La duquesa de Alba de negro
óleo sobre lienzo 210 x 149 cm
Nueva York, The Hispanic Society of America

Goya pintó a la Duquesa con traje y mantilla negra , sobre una blusa dorada y una banda roja , que le rodea la cintura . Goya quiere convencer a los observadores de que nunca antes se habían pintado con mayor virtuosismo los efectos del color , sobre todo los matices del negro . Las pinceladas de los ribetes de ganchillo de la mantilla parecen como si estuvieran hechas tempestuosamente La duquesa de Alba aparece de pie , mirando fijamente al observador, quien en primer lugar es el propio Goya . Se apoya con un brazo en la cadera , mientras que con el otro señala al suelo , donde la firma de Goya aparece escrita sobre la arena . La relación entre los dos se refuerza con los anillos que lleva la Duquesa , en cada uno de los cuales aparece un nombre " Alba y Goya " .

Con estos nombres , Goya abre un juego de doble significado , sabe que su amor , aunque solo sea por las diferencias sociales , no tiene futuro y no tendrá duración. La confesión en imágenes de la Duquesa - Sólo Goya aparece como si con ella hubiera ubicado el cuadro , que el pintor autentifica con la fecha . A pesar de que el viento se puede llevar el escrito sobre la arena, la pintura le da continuidad como queda sellado con los anillos.

Mercedes Tamara ( autora )

16-05-2016

DOS VIEJAS COMIENDO FRANCISCO DE GOYA

DOS VIEJAS COMIENDO 1820-1823

Dos viejas comiendo
técnica mixta , pintura mural al óleo
 trasladada al lienzo 53 x 81 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Esta obra formaba parte de la serie de las catorce Pinturas negras  que Goya realizó sobre las paredes de su última casa de Madrid , la llamada Quinta del Sordo . Desde su exposición permanente en el Museo del Prado a partir de 1889 no han cesado los intentos de descifrar el significado verdadero de esta secuencia de escenas y las razones por las que Goya se lanzó hacía nuevos derroteros estéticos y formales. Aunque las pinturas , realizadas entre 1820 y 1923, se resisten a una lectura fácil , podemos, sin embargo, encajar perfectamente algunos de los asuntos tratados en la obra del pintor aragonés , como las brujas, los seres que vuelan o la vejez, tema de la presente composición.

En Dos viejas comiendo se puede apreciar claramente los retoques realistas realizados en la cabeza de la figura de la izquierda. Sea por estos retoques o por las pinceladas expresivas y sueltas , el sexo de esa figura, aunque descritas por las fuentes más antiguas como femenino, desconcierta por su ambigüedad , lo que, por otra parte, es una característica de Goya a la hora de representar la vejez. De todas formas, el cuerpo fuerte y arqueado , envuelto en un amplio manto, corresponde exactamente con la tipología que normalmente utiliza Goya para representar a las viejas. El pintor trató a menudo el tema de la vejez femenina, cuidando de retratar sus peculiaridades según las distintas clases sociales. Cuando pintaba a damas de alcurnia, ridiculizaba su fatuidad y, cuando representaba a mujeres del pueblo , como la de éstas Dos viejas comiendo, lo hace dándoles un papel muy diferente . Esas mujeres aparecen , por ejemplo, en los Caprichos , bien como brujas que vuelan por los aires e instruyen a las novicias, o bien como celestinas que negocian con los clientes y preparan a las jóvenes para sus tareas. En otros casos nos impresionan esas mujeres mayores por su fortaleza física a la hora de luchar , como la anciana que defiende a la joven acosada por un soldado en No quieren (Desastres de la guerra ). También realzaba su vitalidad cuando las presenta volando o o bailando en sus dibujos . Con estas últimas comparte la vieja de la presente  pintura su vestimenta y su voluminoso cuerpo , que domina dos terceras partes de la composición dejando al margen a su flaco compañero.

Mercedes Tamara

6-08-2015

Bibliografia : Goya, La imagen de la mujer 

LA REINA MARÍA LUISA EN TRAJE DE CORTE FRANCISCO DE GOYA

LA REINA MARÍA LUISA EN TRAJE DE CORTE 1800-1801

La reina María Luisa en traje de corte
óleo sobre lienzo 210 x 130 cm
Madrid, Patrimonio Nacional , Palacio Real 

Después del cuadro La familia de Carlos V , Goya vuelve a pintar a los monarcas en retratos individuales , como éste de La reina María Luisa en traje de corte, obra que forma pareja con Carlos IV con uniforme de coronel de guardia de corps ( Madrid, Palacio Real ) . Por las actitudes de los modelos, podemos deducir la relación inmediata que tienen estos dos cuadros con el retrato de grupo. Para convertirlos en obras autónomas , el pintor introduce ligeros cambios en la postura y en las actitudes de sus protagonistas . En el lienzo grande la reina arropa con el brazo derecho a su hija y con el izquierdo coge de la mano al pequeño infante Francisco de Paula. Sin embargo, en esta obra cruza los brazos sobre la cintura y empuña con elegancia un abanico.

El concepto espacial del cuadro está limitado por un formato estrecho y vertical donde Goya sitúa a la reina en un espacio vacío y rodeada por una gran penumbra , dentro de la cual destaca la efigie de la reina fuertemente iluminada . 

La vanidad de la reina y su gusto por los modelos lujosos quedan bien reflejados en este retrato , en los que luce siempre un atuendo de estilo variado y de moda diferente : aparece con la mantilla española , en otros vestida de amazona o con un vestido estilo imperio . En el presente cuadro lleva un traje de corte de procedencia francesa . Se cree que se trata de un regalo de Napoleón , que después de haber restablecido relaciones con la casa real española , la obsequió con suntuosos vestidos . Esta elegante indumentaria de gasa blanca está enriquecida por cenefas de oro y plata en el borde inferior . A la manera de una sobrefalda , cubre el vestido gris , de cuyos picos cuelgan graciosas borlas. Con el diseño de la prenda hace juego su tocado. compuesto por un exótico turbante del que sobresale una pluma blanca El atuendo queda completado por sortijas de oro y piedras preciosas que adornan brazos , dedos y cuello , en el que podemos apreciar collares de gruesas perlas.

                                                                             Mercedes Tamara

                                                                              22-07-2015

Bibliografia : Goya, Edit Biblioteca el Mundo 

            

ALFARERO ROMANO ALMA TADEMA

ALFARERO ROMANO 1884

Alfarero romano
óleo sobre lienzo 152 x 80 cm
Museo de Luxemburgo

El Alfarero romano parece extrañamente austero , si uno conoce la pintura de Alma Tadema , profusa en detalles arqueológicos , pintorescos y eruditos . Tanto más se sorprende uno al saber que esta obra, poco representativa a priori, fue la que el artista escogió para estar representada en las colecciones francesas mediante una donación que realizó en 1910, en el ocaso de su vida.

Esta figura es , en realidad, un fragmento retocado de un cuadro mayor realizado en 1884 Adriano en Inglaterra visitando un altar romano- británico. La escena mostraba al emperador romano en una crujía, en lo alto de una escalera por la que  sube el alfarero aquí representado conversando con el jefe del taller . Bajo la crujía en la parte inferior izquierda del cuadro original, un arco dejaba ver a lo lejos , más abajo , a unos obreros modelando vasijas al horno , mientras que un segundo alfarero con la bandeja se disponía a subir una segunda entrega.

El alegre taller ornado de festones de hierba y guirnaldas de flores en honor al ilustre visitante , ricamente decorado con mosaícos y pintado con rojo pompeyano , pretendía ilustrar el refinamiento alcanzado en Britania , colonia romana durante el reinado de Claudio . Ello no podía sino halagar el orgullo patriótico del público esteta de Londres, en donde Alma Tadema , de origen holandés, residía desde 1870. Fiel a su rigor arqueológico , el pintor había calcado el rostro del emperador de un busto antiguo de Adriano  y reconstruido las vasijas a partir de fragmentos cerámicos romano-británicos procedentes de las excavaciones. 

Probablemente, había emprendido esta escena en la linea de los cuadros que reconstruyen la actividad artística de las sociedades antiguas : así, había imaginado ya en 1868 Fidias mostrando el friso del Partenón a sus amigos ( Birmigham Museum and Art Gallery ) o diez años más tarde, a unos obreros escultores trabajando en una estatua colosal de un emperador romano . Alma Tadema buscaba de esta manera revivir y homenajear a los autores de las obras maestras de la escultura antigua devolviéndoles su presencia como obras de arte contemporáneas , recién pintada o fundida, objeto de debates estéticos . Si bien estas reconstrucciones pretenden un escrupuloso rigor histórico , están influidas por las representaciones idealizadas por artesanos y mecenas , como las de un pintor del siglo XIX, aclamado por el éxito podría desear para sí mismo , escapando a los intermediarios , que son el público, la prensa y las galerías. 

Mercedes Tamara

12-07-2015

Bibliografia : El canto del cisne Colecciones Museo de Orsay  

SÁTIRO JUGANDO CON UNA BACANTE HENRI GERVEX

SÁTIRO JUGANDO CON UNA BACANTE 1874

        

Sátiro jugando con una bacante
óleo sobre lienzo 159 x 193 cm
Paris, Museo de Orsay

Gervex acentúa en esta obra su vena naturalista en el ámbito de la fábula como si hubiera entresacado este episodio deliciosamente escabroso de una bacanal . Mitad macho , mitad cabrío , mitad hombre, el sátiro siempre ha personificado la energía vital en lo que puede tener  de ambiguo : si es buena , se opone a la sociedad de los hombres, si mala, se pierde en la lujuria desvergonzada. El juego al que se refiere el título permite mantener la duda y escapar a las rigores de la moral pública. Sin duda, las referencias eruditas constituyen una garantía de seriedad.

Al contrario de lo que le ocurrió con el cuadro que Cabanel expuso en 1861 sobre un tema similar donde la impresión coreográfica predomina sobre el poderío físico . Gervex trata a su sátiro en la linea de Rubens , Jordaens , subrayando la truculencia divertida de una escena que flirtea con los raptos y otras violaciones ovidianas. Con los cabellos sueltos, la sonrisa en los labios , las torsiones serpentinas y felinas , la bacante exagera resueltamente el ejemplo de la Venus de Cabanel . Sus cuerpos entrecruzados sobre un peplo púrpura se prolongan en los movimientos de un paisaje muy veneciano donde se ve el tamboril y la flauta de Pan , propios del universo dionisíaco . Estamos sin duda ante unos de los cuadros típicos del despertar neobarroco de los años 1872 -1876 .

Lejos de pasar desapercibido , Sátiro jugando con una bacante conocío un éxito inmediato , como prueba el número de versiones de menor tamaño pintadas por su autor y el eco que tuvo en la prensa. 

Mercedes Tamra 

6-07-2015

Bibliografia : El canto del cisne, Pinturas académicas del Salón de                               Paris