viernes, 7 de marzo de 2014

CRISTO ABRAZANDO A SAN BERNARDO FRANCISCO RIBALTA

CRISTO ABRAZANDO A SAN BERNARDO 1625-1627
Cristo abrazando a san Bernardo
óleo sobre lienzo 158x 113 cm
Museo del Prado, Madrid




El pintor Francisco Ribalta ( 1565- 1628 ) llegó al apogeo de su estilo de madurez con este Cristo abrazando a san Bernardo y de paso transformó todo el barroco 
español. Uno de los principales representantes de la escuela valenciana, y pionero del abandono de las convenciones manieristas en favor de un nuevo tipo de realismo . Ribalta marcó un nuevo rumbo para el arte español, preparando el camino para artistas como Velázquez, Zurbarán y Ribera.

Con su viril realismo, Cristo abrazando a san Bernardo logra una sintesis entre realismo y religiosidad que definiría el arte de la Contrarreforma del siglo XVII . Al contraponer el abandono del éxtasis a la fuerza divina, y lo humano a lo trascendente, este cuadro es a la vez una escena de devoción y de comunicación claramente humana. La corporeidad de la figura de Cristo ( que ha bajado de la cruz ) y la atención a los pliegues del hábito de san Bernardo ( yuxtapuesto al cuerpo tenso y flotante de Cristo, aportan intimidad , presencia y peso a su visión mística.

Con su representación introspectiva y expresiva de una experiencia profundamente religiosa , este cuadro propone una visión redentora de la humanidad. El modelado escultórico y el claroscuro dramático que define ambas figuras- sobre un fondo severo que casi esconde a otras dos-recuerdan a los tenebristas italianos como Caravaggio. Aunque no esté claro que Ribera visitase Italia, el cuadro refleja muchas características del barroco italiano, y es muy probable que se inspire en una réplica de un retablo de Caravaggio que se sabe que fue copiado por Ribalta.


Mercedes Tamara
7-03-2014


Bibliografía :1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, 
Edic 
Grijalbo

miércoles, 5 de marzo de 2014

LA SALA DEL CONSEJO DEL AYUNTAMIENTO DE AMSTERDAM PIETER DE HOOCH

LA SALA DEL CONSEJO DEL AYUNTAMIENTO DE AMSTERDAM 1661-1670

La sala del consejo del ayuntamiento de Amsterdam.
oleo sobre lienzo 112. 5 x 99 cm
Museo Thyssen-Bornemizsa , Madrid





Pieter de Hooch ( 16626-1684 ) se trasladó de Delft a Amsterdam hacía 1660 , y se quedó en dicha ciudad hasta su muerte ( en un manicomio ). En aquella época Amsterdam era uno de los principales centros de Holanda y atraía a multitud de artistas . Entre mediados y finales de la década de 1660 De Hooch había recibido varios encargos notables, pero se desconoce por qué el artista terminó su vida en unas circunstancias tan trágicas .

El ayuntamiento de Amsterdam fue diseñado por Jacob van Campen y construido entre 1648 y 1665 . El edificio era tan espectacular que lo llamaban la " octava maravilla del mundo " y era considerado un monumento a los logros artísticos y culturales de la ciudad.






Este cuadro uno de los tres realizados por el artista , es de un realismo notable, salvo por la inclusión de la luz característica de Hooch , que baña la sala desde atrás . Al utilizar esta técnica ha añadido profundidad y dimensión a un campo visual relativamente limitado . Apenas visible al otro lado de la suntuosa sala se halla el cuadro de Ferdinand Bol Cayo Lucino Fabricio en el campamento del rey Pirro y en la esquina inferior se ve la firma de De Hooch . Las obras del autor más influyentes son los cuadros de Delft , escenas de patios e interiores domésticos . Sin embargo, el uso de una paleta más rica y amplia , además de una mayor imaginación para los detalles, con fuertes contrastes de luz, en las obras de Amsterdam , es posible que haya influido en artistas como Pieter Jalinger, Elinga y Michel van Musscher.


Mercedes Tamara
5-03-2014

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic                              Grijalbo
                       Colección Carmen Tgyssen , Museo Thyssen , Madrid

  

domingo, 2 de marzo de 2014

VICTORIA MIGUEL ANGEL

VICTORIA 1532
Victoria
mármol 261 cm de altura
Palacio Veccio, Florencia


Las opiniones sobre la fecha en la que Miguel Angel ejecutó esta obra varían desde 1505, según su biógrafo Vasari hasta 1532 según Tolnay . Este último asegura que esta escultura representa una Victoria realizada para el quinto proyecto dela tumba de Julio II y por eso la figura vencedora lleva en su cabeza un corona de hojas de roble, emblema de la familia Della Rovere, a la que pertenecía Julio II . La figura fue concebida para colocarse en la hornacina que se encontraba a la izquierda del 
Moisés . Se conservan dibujos de Victorias de Miguel Angel en la galeria Uffizi y en Berlín donde aparece representada como una figura femenina.

El significado de esta obra también ha recibido diferentes interpretaciones. Algunos piensan que estas figuras son una escenificación del alma venciendo a la muerte.Otros piensan que la figura del anciano derrotado es, en realidad, un autorretrato del propio Miguel Angel , siendo la figura del joven triunfante una encarnación de las demandas de los diferentes mecenas que agobiaban al artista . El gran tamaño de la cabeza que se encuentra a los pies de la figura vencedora ha hecho pensar que se trata de una representación de David venciendo a Goliat. Pero, teniendo en cuenta que el maestro esculpió esta figura cuando se acercaba a la edad madura y que la expresión que muestra el joven es arrogante y vanidosa ,también podría tratarse de un emblema de la conquista del paso del tiempo por parte de la juventud.

Como la obra fue diseñada para formar parte del mausoleo de Julio II , está concebida para ser vista de frente. La disposición helicoidal de esta escultura influyó poderosamente en sus seguidores manieristas. Se dice que estas figuras tienen forma de " serpientes " porque presentan un dinamismo que se asemeja a la ondulación de estos animales al moverse. En este caso, el movimiento en espiral parte de la figura que aparece abajo, vencida, asciende por la rodilla del vencedor y sigue por su torso y su brazo, girados hacía su izquierda hasta llegar a la cabeza, que se vuelve hacía el lado contrario . La figura en general , y la postura del brazo en particular, recuerdan al David Apolo , pero sus proporciones son más alargadas,

Al morir Miguel Angel ,su sobrino, Lisardo Buonarroti, y su ayudante Daniele Volterra, pensaron que ésta y otras figuras decorasen la tumba del maestro . Con el consentimiento de Cosimo I , la figura se instaló en 1565 en el centro del salón del palacio de la Signoria y, aunque en 1868 pasó a exponerse en el Museo Bargelló de Florencia, regresó al palacio de Signoria en 1920.





Mercedes Tamara
2-02-3014


Bibliografía : Grandes Maestros Miguel Angel, Edic Libsa