sábado, 29 de junio de 2013

NATURALEZA MUERTA CON VINO Y CASTAÑAS ALBERT ANKER

NATURALEZA MUERTA CON VINO Y CASTAÑAS 1897
Naturaleza muerta con vino y castañas
óleo sobre lienzo 39x 45 cm
Colección particular






Pese a una gran vitalidad en la pintura entre 1750 y 1850 no se materializó una escuela artística suiza . Los artístas helvéticos de lengua francesa emigraron a París, los de habla alemana a Berlín, Dresde o Düsselford , y los suizos italianos  se instalaron en Roma o Florencia.




El pintor realista Albert Anker ( 1831-1910 ) quien se trasladó a Paris en 1854 para estudiar con Charles Gleiter ( 1806-1874 ) como artista suizo , pertenece a este grupo de expatriados . Hacía la década de 1860 , muchos artistas suizos estaban 
trabajando en Europa tras haberse forjado una carrera lejos de su país . La mayoría de los cuadros de Anker , aunque " suizos " en esencia , no estarían fuera de lugar con lo de lo artistas de la escuela de Barbizon en Francia o el arte victoriano de Inglaterra.




Naturaleza muerta con vino y castañas parte de una interpretación casi analítica de superficies y objetos para transmitir el poder expresivo de cosas cotidianas. En el lúgubre fondo destaca la jarra de vino luminosa y la copa a la perfección. En primer plano, un plato de castañas destaca sobre el mantel de hilo . Desprovisto de artificios , el artista explora la cualidad de la luz y el volumen y traiciona las influencias holandesas y de Caravaggio . En el arte suizo se apreciaba la precisión de la plasmación , sobre todo en las naturalezas muertas, además de un escaso formalismo y un sentido de la artesanía y la ingeniosidad visual. 




Como género, las naturalezas muertas pueden considerarse un punto de partida  para un análisis amplio de la relación entre la alegoría y el naturalismo . Las naturalezas muertas de Anker presagian a los expresionistas del siglo XX.





Mercedes Tamara
29 -06-2013



Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo


miércoles, 26 de junio de 2013

EL BANQUETE DE BALTASAR REMBRANDT


EL BANQUETE DE BALTASAR 1636-1638

El banquete de Baltasar
óleo sobre lienzo 167, 6x 292,2 cm
Londres, The National Gallery






A mediados de la década de 1630 Rembrandt parece querer confrontarse con Rubensy deja de lado las escenas de gabinete protagonizadas por pequeñas figuras en paisajes o en amplios interiores característicos de la tradición holandesa , para pintar historias monumentales con figuras de tamaño natural , al estilo de los italianos y  de los pintores de Amberes.




Los asuntos están tomados del Antiguo Testamento . En este caso ilustra el episodio de la historia de Baltasar donde se narra el banquete que este rey de Babilonia ofreció a sus dignatarios, mujeres y concubinas . Tras ordenar que el vino fuera servido en las jarras de oro y plata de su padre , el rey Nabuconodosor , había tomado como botín del Templo de Jerusalén , se apareció una mano y escribió un texto en la pared. Sólo Daniel , llamado por consejo de la reina , supo leerlo e interpretarlo : " MENE TEKEL UPHARSIN "o " Dios ha contado los días de tu reinado ( ....) has sido pesado en la balanza y te falta peso (...) tu reino se ha dividido y ha sido entregado a medos  y a persas. Esta misma noche Baltasar fue asesinado y Dario , rey de los medos, se apoderó del reino babilonio.



La escena representa el momento en que la mano escribe la última letra del vaticinio ante la mirada atónita de Baltasar , que al girarse vuelca con su mano derecha una copa al tiempo que con la izquierda casi golpea una de las jarras de oro del botín que una de las sirvientas traía en ese momento a la mesa y que, al inclinarse para esquivar el golpe, derrama su contenido . Los invitados miran asustados al rey, mientras la enigmática mujer sentada a la izquierda, representada en perfil perdido gira la cabeza quizá hacía el flautista , que parece haberse percatado de la situación




La posición de los brazos de Baltasar repite, invertida , la de Abraham en El sacrificio de Abraham , de 1636 ( Munich. Alte Pinakothek ) La figura de esa mujer en el perfil perdido cerrando la escena por la izquierda tan sólo aparece dentro de la obra del pintor en Artemisa . Ello , unido a ciertas analogías estilísticas tanto como ésta como con Minerva han llevado a cabo a distintos autores ha fechar este cuadro hacía 1636-38.



Como siempre, en Rembrandt , el espacio apenas está definido , ya que lo que importa es la acción descrita, la expresión de los rostros y el movimiento de los protagonistas. Es una típica composición barroca construida sobre una diagonal, que en este caso guía la mirada del espectador desde la mujer sentada a la izquierda y la mano de Baltasar hacía la inscripción en la pared . La potente pincelada y el empleo del rojo y el amarillo ocre, sin mezclar , de fuertes empastes para las luces y de lineas negras para subrayar los contornos parecen sugerir que está pintado para ser visto a distancia.


Se ha señalado como posible fuente de inspiración El banquete de Ester ,fechado hacía 1625 de Jan Lievens. El forzado escorzo de la mujer de la derecha ha sido relacionado con una de las figuras de Alegoría de la abundancia o con la protagonista de El rapto de Europa de Veronés ( Venecia, Palazzo Ducale ) , una de cuyas numerosas variantes figuraba en 1622 en Utrech, en la colección de Joan Huydecoper.


Un aspecto altamente significativo de la representación de esta escena por parte de Rembrandt es que el mensaje sobre la pared está escrito en arameo con caracteres hebraícos , cuando lo habitual era que figurara en latín o simplemente se omitiera . Así pues, Rembrandt parece haber sido el único en interesarse por la tradición hebraíca , quizá, como señala Nadler (2003 ) porque el cuadro estaba destinado a un comitente judío . La forma de escribir el mensaje  ilegible para el rey y sus invitados , había sido uno de los grandes temas de debate entre los rabinos antiguos , que habían hecho diferentes propuestas . Hausherr ( 1963 ) señaló que la forma elegida por Rembrandth -en columna de arriba a abajo y de derecha a izquierda , si bien con un error en la última letra- es la única de todas estas propuestas recogidas en el Talmud que el rabino Menasseh ben Israel incluyó en su libro De terminis vitae publicado en Amsterdam en 1639. Entre mayo de 1637 y mayo de 1639 Rembrandt tuvo alquilada una casa  en Vlooinburg, a orillas del Binnen Amstell, el distrito donde vivía Menasseh, por lo que no se puede descartar que el pintor buscara su asesoramiento durante la ejecución del cuadro.

Mercedes Tamara Lempicka
26 -junio-2013


Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso


domingo, 23 de junio de 2013

CARLOS I A CABALLO ANTOON VAN DYCK

CARLOS I A CABALLO 1637
Carlos I a caballo
óleo sobre lienzo 367 x 292 cm
National Gallery Londres


Antoon Van Dyck ( 1559-1641 )Fue uno de los pintores flamencos del siglo XVII tan célebre como Rubens Fue un niño prodigio y a los 18 años era el principal ayudante del taller de  Rubens. Apenas cumplidos los 20 años inició una carrera personal estelar . Pintó muchas obras religiosas ( era un católico devoto ) y nunca dejó de buscar la ocasión de trabajar en la clase de grandes proyectos decorativos por los que no era muy conocido  No obstante, encontró una demanda creciente para sus  servicios como retratista , primero en Italia, donde vivió entre 1621 y 1627 y luego en Inglaterra donde fue el pintor de corte de Carlos I, gran amante de la pintura, desde 1632. Sus retratos de este rey y de su familia y su corte son de una elegancia sin igual e inpiraron a generaciones de pintores, sobre todo en Gran Bretaña, donde Van Dyck fue venerado por artistas como Gainsborough.


Este retrato ecuestre de Carlos I , rey Estuardo de Inglaterra , Escocia e Irlanda  (1600-1649 ) de tamaño natural , pretende transmitir claramente el poder y la majestad del personaje . Carlos fue un monarca derrochador e impopular entre sus súbditos, gran defensor del derecho divino de los reyes y la monarquia  absoluta. Esta pintura es un magistral medio de propaganda dirigido a reforzar su imagen pública . Sentado con elegancia sobre su montura, Carlos I viste armadura como si estuviera a punto de entrar en batalla : un lacayo sostiene su casco. Una mano sujeta una vara de mando , mientras la otra gobierna al poderoso corcel. A la derecha del cuadro hay un gran roble, símbolo de fuerza, con una placa donde se lee la inscripción latina Carolus Rex Magnae Britanie ( Carlos, rey de Gran Bretaña ) . Carlos mira a la lejanía con aire noble, en apariencia indiferente al creciente descontento de su reino. En 1649, tras una guerra civil  fue ejecutado públicamente.


Como pintor cortesano Van Dyck tenía que retratar al rey de una manera halagadora y, por tanto, la realidad está atemperada por cierta fantasía . Carlos I era un hombre de baja estatura, pero gana altura a lomos del caballo . Los reyes ingleses rara vez se hacían retratos ecuestres : en cambio, en Italia era una tradición que se remontaba a la ´época romana. Van Dyck gran admirador de Tiziano , recrea quizá el Carlos V a caballo en Mühlberg del veneciano, obra de tamaño y composición similares en 1548 


Carlos I , a diferencia del resto del cuadro que se ve en un ámgulo contrapicado, el rostro del rey se ve como si estuviéramos a su misma altura de medio perfil. Lleva colgado al cuello un medallón de oro con la imagen de San Jorge , mártir y santo patrón de Inglaterra luchando con el dragón. Es un símbolo del papel del rey como defensor del reino. LLeva una bota de espuela ya que este cuadro debió colgarse a nivel del suelo al fondo de una gran galeria. Dada la altura del lienzo no podría dejar de fijarse en la bota del rey y sentirse pequeño


El caballo está magníficamente dibujado ya que Carlos I era un jinete consumado, pero su representación a lomos de este enorme y musculoso caballo tiene la  finalidad de expresar su fortaleza y su capacidad como gobernante. La cabeza del caballo es pequeña en relación a su cuerpo . Van Dyck la redujo tal vez para  reforzar la impresión de dominio y control del rey.


Mercedes Tamara Lempicka
23 -junio-2013



Bibliografía El joven Van Dyc " Museo del Prado