sábado, 25 de mayo de 2013

ESCENA LACUSTRE AMERICANA THOMAS COLE



ESCENA LACUSTRE AMERICANA1844
Escena lacustre americana
óleo sobre lienzo 46x 62cm
Detroit, Institute of Arts , Detroit , Michigan








Aunque inglés de nacimiento , Thomas Cole ( 1801-1848 ) se convirtió en uno de lose los principales pintores paisajistas del siglo XIX en Estados Unidos , donde había emigrado en 1818. En 1825 pintó una serie de cuadros del río Hudson que llamó la atención de los compradores de arte más importantes de Nueva York y marcó el principio de su éxito.



Escena lacustre americana es una obra madura de 1844 pintada cuatro años antes de la muerte prematura del pintor . El único personaje del cuadro , un indio norteamericano, contempla el lago bajo un cielo luminoso , evocación de la serena vida de la época de los primeros colonos . 


Cole, romántico convencido se opuso a la fiebre ferroviaria del país porque creía que la naturaleza refuerza la moralidad del ser humano y debía ser protegida. Su  tratamiento del color y el realismo magistral con que plasma los escenarios naturales hicieron decir a crítico contemporáneo que el cuadro " parece la tierra de recibir el aliento divino " . Actualmente , Cole está considerado como el fundador de la escuela de Hudson , un movimiento romántico que produjo paisajes realistas con un contenido narrativo moral.






Mercedes Tamara
25 -mayo-2013



Bibliografía :1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo





viernes, 24 de mayo de 2013

MADAME POMPADOUR FRANÇOIS BOUCHER

MADAME POMPADOUR 1758
Madame Pompadour
óleo sobre lienzo 72 x 57 cm
Albert Museum Londres





Provisto de un don incomparable para representar los encantos femeninos, François Boucher ( 1703-1770 ) fue famoso por sus escenas mitológicas de ninfas y pastores núbiles, pero se le daba igual de bien plasmar el lado menos frívolo de la psicología  femenina . Este cuadro pertenece a una serie de retratos para su principal cliente, la marquesa de Pompadour, que se llamaba Jeanne- Antoinette Poison y recibió el título en 1745, cuando era amante de Luis XV.



En la época de este retrato había dejado de serlo, pero mantenía su amistad con el monarca y se la conocía como la maitresse en titre ( la amante oficial del rey ). Esta situación tan peculiar la refleja Boucher en el retrato con verdadera diplomacia .La marquesa no aparece envuelta en pompa y majestad regias, ni como una gran belleza, sino acompañada de varios libros en lugar destacado, señal de sus virtudes intelectuales y culturales, y es normal que así sea , ya que su fidelidad como clienta contribuyó mucho al éxito del pintor.




Además de muchos cuadros, le encargó la decoración de su casa, el chàteau de Bellevue, y lo contrató para que realizase un gran número de dibujos destinados  a la nueva fábrica de porcelana de Sèvres. De todos modos , a pesar de su versatilidad, Boucher no fue un gran retratista. Siete de los aproximadamente  doce retratos que pintó son de madame Pompadour que, muy consciente de las limitaciones de Boucher en ese campo, comentó sobre uno de ellos: " Es muy bonito, pero no se parece ". Aún así, Boucher siguió siendo su artista favorito.


Mercedes Tamara 
24 -mayo-2013


Bibliografía : El Rococó, Edic Taschen

miércoles, 22 de mayo de 2013

FLORA REMBRANDTH

FLORA 1654
Flora
óleo sobre lienzo 100 x 91, 8 cm
The Metropolitam Museum of New York





Flora era una diosa de importancia secundaria en la mitología romana que se  asociaba con el florecer de los campos. Era una de las figuras mitológicas que ayudaban a comprender el paso del tiempo y de las estaciones, y que se relacionaba con la llegada de la primavera. La fuente literaria más popular sobre esta diosa en Europa durante el Renacimiento y el Barroco fue una sección del libro V de los Fastos, el poema-calendario de poeta romano Ovidio ( 43 a C-17 dC. ) Allí se explica que Flora era pareja de Céfiro , y aparece asociada a las Gracias y a las Horas , otras deidades secundarias relacionadas con la fertilidad y con un concepto que se vincula a la belleza. En el mismo texto Ovidio escribe que la boca de Flora emanaba olor a rosas y que la diosa aconsejaba aprovecharse del esplendor de la vida mientras se encuentra en flor.


Existen representaciones de Flora desde la Antigúedad , y proliferaron durante el  Renacimiento . Boticelli ( 1444-1510 ) quizá la incluyó en su cuadro La Primavera ( Florencia,Galleria degli Uffizi ) probablemente inspirado en De rerum natura ( V 737-740 ), el texto más conocido del poeta epicúreo Lucrecio ( 99-55 aC ) en la que la alegoría de la Primavera es rodeada por una procesión en la que marcha Venus, Flora acompañada de Céfiro y las Gracias.


Aunque Rembrandt posiblemente no conociese de primera mano todas las fuentes antiguas  que trataban el tema de Flora, si que estaba familiarizado con la forma  en que esta diosa había sido interpretada más recientemente . Por su vinculación  con la fertilidad de la naturaleza, Flora se asoció también con la fertilidad de las  personas, especialmente de las mujeres . De ahí al ser asociada con la belleza, el amor y el deseo, condiciones y estados de ánimo que favorecen la fertilidad, sólo hay un paso, y Flora se relacionó con estos conceptos en la literatura y también  en la pintura del Renacimiento. La imagen más conocida de esta diosa la pintó Tiziano  ( 1499-1576 ) en un cuadro donde las ideas de fertllidad y hermosura se  han transformado en sensualidad y erotismo







Flora de Tiziano 1515-1520
óleo sobre lienzo 79,7 x 62cm
Florencia ,Galleria degli Uffizi





Rembrandt conoció el cuadro de Tiziano cuando perteneció a la colección de Alphonso López, un marchante sefardí de Ámsterdam, el lienzo estuvo en su  colección durante varios años, hasta 1641. Hacía 1640 Joachim von Sandrat (1606-1688 ) reprodujo el cuadro de Tiziano en una estampa que acompañó con la siguiente inscripción : " En la primavera, caldeada y alimentada por ligeras lluvias, cuando la suave brisa de Céfiro anima a las dulces flores, entonces Flora, envuelta en un manto de primavera, enamora a Tiziano y tienta a los  corazones de otros a que canten. Flora también enamoró a Rembrandt, quien la representó al menos en tres ocasiones antes de pintar esa versión.



El interés de Rembrandt por la diosa Flora es revelador de la forma en que las historias de la mitología clásica se entrelazaban con la vida de las personas en Europa durante la Edad Moderna. La idea de una mujer hermosa suscita en la  mente de Rembrandt la imagen de la diosa, que conoce gracias a la interpretación del mito que han hecho generaciones anteriores . A través de ese mito , la imagen de una mujer joven y bella se asocia también a la belleza de las flores y al concepto más genérico de florecer.


Mientras que los rasgos que vinculan el cuadro de Rembrandth con la tradicional imagen de Flora son evidentes, una comparación con el cuadro de Tiziano demuestra  también la originalidad de Rembrandth. Como sucede en otras imágenes de la diosa, la protagonista de este cuadro lleva flores en una de las manos. La posición y el encuadre de la figura , así como el ademán de las manos, indican que Rembrandt se inspiró en el cuadro de Tiziano mencionado anteriormente. La camisa que viste la joven también es similar a la del cuadro del veneciano, pero se tapa por completo el pecho de la muchacha, que por ello se muestra más recatada y menos sensual. Ante el cuadro de Rembrandt tenemos la sensación de estar en presencia de una persona real y próxima, tanto en lo físico como en los psicológico. La textura del cuadro es rica y variada y contribuye a dotar a la imagen de proximidad . El físico de la joven está menos idealizado que el que observamos en el cuadro de Tiziano.



Este mismo tipo de mujer, de rostro y nariz alargados y ojos y cabellos oscuros ,aparece en la obra de Rembrandth hacía finales de la década de 1640, y lo vemos también en Betsabé . Este ideal de figura femenina se ha identificado con Heindrickje Stoffels, la mujer con quien Rembarndtse relacionó desede 1649 o 1650 , aproximadamente cuando ella tenía unos veintitrés o veinticuatro años de edad y el pintor cerca de cuarenta y tres. En 1654, Heindrickje dio a luz una hija concebida con el pintor y con el se mantuvo hasta que murió en 1663.

Mercedes Tamara 
22 -mayo-2013

Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso




martes, 21 de mayo de 2013

SIMONETTA VESPUCI PIERO DI COSIMO

SIMONETTA VESPUCI


Simonetta Vespucci
óleo sobre tabla 57 x 42 cm
Museo Conde , Chantilly


Piero di Cosimo ( 1642 -1521 ) nació en Florencia, hijo de un orfebre con quien  colaboró en la Capilla Sixtina en 1481 y en cuyo honor cambió su nombre a la muerte del maestro.




Con posterioridad se estableció en Florencia donde desarrolló la mayor parte de su actividad Su obra puede dividirse en pintura religiosa, retratos y mitología. Fue influido por Pollaiuolo, Leonardo da Vinci, Signorelli y finalmente por Rafael y por la pintura flamenca, principalmente por Hugo van der Goes y su Tríptico Portinari de la Iglesia de San Egidio del hospital de Santa Maria Nuova en Florencia, de la que toma el modelo de sus paisajes.




Simonetta Vespuci . Giorgio Vasari vio este cuadro en casa de Fancesco de Sangallo en 1568 y lo describió de la siguiente manera : Una bella cabeza de Cleopatra con una serpiente enroscada alrededor del cuello . La inscripción en el borde inferior es un  añadido posterior , hecho al parecer por la familia Vespuci , que conservó el retrato  en su poder hasta principios del siglo XIX y quiso honrar así a su famosa antepasada.




Debido a que en el siglo XVI era inimaginable la representación de una dama con los senos al descubierto, la obra debe ser más bien una alegoría de la belleza del arte  antiguo




Perseo libera a Andrómeda
´´oleo sobre tabla 71 x 112 cm
Galleria de los Uffizi, Florencia








Muchas de sus pinturas juegan sobre un dualismo entre ingenuidad encantadora y erotismo turbador y que parece muy moderno. Su sentido de lo fantástico, su gusto por los seres extraños y las formas aberrantes son otras características de Piero di Cosimo que le valdrán ser redescubiero por los surrealistas, calificándole de excéntrico Esta inquietud que presenta la obra de Piero aparece también en Botticelli. Su originalidad reside en sus composiciones, sentido de la naturaleza, intimidad y búsquedas de color.








El pintor no escatima figuras humanas y despliega una enorme fantasía para describir el acto heroico de Perseo. El hijo de Zeus atraviesa velozmente los aires para vencer  con su espada al monstruo marino al que debía ser sacrificada Andrómeda, hija del rey Cefeo, para salvar a los etiopes . Mientras Casiopea , la madre de Andrómeda , llora en el suelo , el pueblo da vitores al héroe que se acerca



Mercedes Tamara

21 -mayo-2013



Bibliografía : " Obras Maestras del Arte, " Edic Blume