sábado, 29 de octubre de 2011

DANS LE BLEU DE AMÉLIE BEAURY-SAUREL

DANS LE BLEU  1894

DANS LE BLEU
pastel 75 x 82 cm
Toulousse : Musée des Agustines







Amélie Beaury Saurel , una de las principales activistas feministas de las artes plásticas de finales del siglo XIX dedicó muchos esfuerzos a apoyar la obra creativa de  otras mujeres y a defender su derecho a una educación  y una carrera profesional como pintora.

Como retratista , Beaury-Saurel a menudo exponía obras realizadas por encargo en los Salones anuales de París, haciéndose acreedora al reconocimiento de un gran número de críticos de arte que se sentían impresionados por su habilidad para reflejar fielmente el carácter de sus modelos.


Al final de su carrera , Beaury-Saurel pintó un retrato de la activista feminista Séverine ( Caroline Rémy -de Guebhard )( París, Musée Carnavalet ) lo cual indicaba que la pintora estaba estrechamente vinculada a esta defensora de los derechos de la mujer . Pintar el retrato de Séverine sirvió a Beaury-Saurel para reforzar su posición , ya que demostraba que estaba relacionada con algunas de las figuras más destacadas de la época. Su condición de pintora de renombre se consolidó  aún más cuando pintó el retrato de Léonce Bénedite , director del Museo de Luxembourg en París.


En la época de Beaury-Saurel concluyó su pastel Dans le bleu ( 1894 ) era ya una figura sumamente destacada del panorama artístico parisino. Sus obras se exponían por doquier , y ya  empezaban a dejar ver en su propia obra algunas de las  tendencias sociales. Si bien el personaje concreto de Dans le bleu permanece sin identificar - bien podría ser la propiaAmélie -es evidente que se trata de una mujer liberada .


En cualquier caso apunta hacía el círculo de pintoras que recibían formación de la Acadèmie Julian. Apoyada en una mesa , quizás en un cabaré o un café , la joven disfruta de una taza de café mientras fuma un cigarrillo . Este gesto de por si sumamente provocador , denota esa sensación de emancipación que transmite la actividad . Beaury-Saurel pintó a la mujer envuelta en una neblina azul de humo del cigarrillo, creando asi una escena de una mujer disfrutando de un momento de placer en su vida cotidiana . El hecho de que Beaury - Saurel representara un ejemplo de la " nueva mujer " , la mujer creativa, capaz de albergar  sus propios pensamientos y decidida a realizar una labor creativa , hace que este pastel resulte a un tiempo misterioso y oportunamente revelador de que Beaury-Saurel era una representante de la emancipación moderna.

Mercedes Tamara 
29 octubre 2011


Bibliografía :; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo






viernes, 28 de octubre de 2011

TRIPTICO DEL CARRO DEL HENO : EL CARRO DEL HENO , EL BOSCO Y TALLER DEL BOSCO

TRIPTICO DEL CARRO DEL HENO : EL CARRO DEL HENO EL BOSCO Y TALLER  1516


Triptico del carro del heno El Bosco
y el taller
óleo sobre tabla 135 x 100 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado






El tríptico abierto está dedicado al pecado. El lateral izquierdo muestra su origen en el mundo, desde los ángeles caídos al pecado de Eva. En el centro se ve a la humanidad arrastrada por el pecado, por ese carro de heno, metáfora de origen bíblico alusiva a lo efímero y perecedero de las cosas de este mundo. Se ilustra el versículo de Isaías: “Toda carne es como el heno y todo esplendor como la flor de los campos. El heno se seca, la flor se cae”. La tabla derecha deja ver el infierno, destino de los pecadores, con castigos acordes a sus faltas. En el tríptico cerrado aparece un anciano peregrino, que recorre el camino de la vida, plagado de peligros.

En la tabla central, El Bosco recrea un proverbio flamenco: “El mundo es como un carro de heno y cada uno coge lo que puede”. Todos los estamentos, incluido el clero -censurado por vicios como la avaricia y la lujuria-, quieren coger ese heno y subirse al carro. Para lograr su objetivo no dudan en cometer todo tipo de atropellos y pecados, incluso el asesinato.

Se conserva otro ejemplar en el Monasterio de El Escorial, que se supone fue el que Felipe II compró en 1570 a Felipe de Guevara. El del Prado debió pertenecer también a Felipe II, incluso antes que el de Guevara, pero la primera cita que se tiene de él corresponde al inventario del Alcázar de Madrid de 1636.


Mercedes Tamara 
28 octubre 2011



Bibliografía : El Bosco , Edit Biblioteca El Mundo

jueves, 27 de octubre de 2011

HÉCATE DE WILLIAM BLAKE

HÉCATE  1795


Hécate
monotipo sobre papel 
43,9 x 58,1 cm
Londres Tate Gallery




Hijo de un carcelero Blake tuvo desde su infancia las experiencias visionarias que impregnarían su arte" profético " caracterizado por una peculiar combinación de pintura y poesía. A los diez años recibió clases de dibujo de Henry Pars y, más tarde aprendió las técnicas del grabado con James Basire , para quien realizó dibujos de inspiración medieval. Sus primeras obras personales revelan ya claramente sus modelos entre los que destaca Miguel Ángel y sus representaciones monumentales de figuras humanas. 


Durante sus estudios en la Royal Academy, comenzados en 1778, Blake entabló una disputa con Joshua Reynolds sobre la primacia del color  o del dibujo; el defendía la posición clasicista que se manifiesta en toda su obra con la renuncia a los efectos sensuales del color. Las ilustraciones que Blake hizo para la Biblia , la Divina Comedia de Dante o sus propios poemas se apartan de la relación habitual entre texto e imagen y crean una unidad simbólica de palabra e ilustración que no será comprendida hasta algunas décadas después de su muerte.


En la mitología griega Hécate era la diosa de la Luna , la Tierra y el reino subterráneo de los muertos, más tarde se consideró la diosa de la hechicería y de la brujería. Blake hace hincapié en este último papel y la muestra como reina de la noche tenebrosa , con la mano sobre un libro abierto, acompañada a la izquierda y en el fondo por animales extraños y amenazadores .Este monotipo , una impresión en color cuya técnica había sido inventada por el propio Blake no fue pensado para ilustrar un libro , como la mayoría de los realizados por el artista inglés.


Formaba parte de una trilogía de 1795 dedicada a los temas de la superstición, el aspecto nefasto de un espíritu demasiado racional y el poder de la sensualidad, que ocupa un lugar relevante en la obra de Blake. La imagen revela desde el punto de vista formal y material, influencias que recuerdan el trabajo del artista alemán Asmus Jakob Carstens, pero sobre todo el de Füsili  y a través de éste el fantasmagórico reino  animal de los Caprichos de Goya  Elementos neoclásicos y del" romanticismo negro " se combinan en una obra impresionante repleta de simbolismo religioso, subjetivo y místico.


Al igual que Füsili , Blake elaboró una filosofía religiosa altamente subjetiva y, con un estilo  lineal abstracto que parecía ignorar las leyes de la gravedad, le otorgó una visión radical visionaria que echó por tierra todas las tradiciones  Esta " mitología " nueva y espiritual se adaptaba perfectamente al deseo romántico de obtener una interpretación universal del mundo a partir de una interacción de fuerzas contrarias. Después de 1790 y tras dos revoluciones profundas la francesa u la americana , la historia del Génesis tenía que ser reescrita para un mundo occidental moderno , bajo el signo de una nueva cosmología.


Mercedes Tamara 
27 octubre 2011


Bibliografía :1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic       Grijalbo