sábado, 1 de febrero de 2014

VIRGEN CON EL NIÑO MAESTRO DE LA LEYENDA DE LA MAGDALENA


VIRGEN CON EL NIÑO 1490-1510
Virgen con el Niño
óleo sobre tabla 38 x 33,5 cm
Colección Masaveu







El gusto por la pintura flamenca tuvo gran arraigo en las élites castellanas al final de la Edad Media y en el primer Renacimiento. Buen ejemplo de esa preferencia fue la colección de la reina Isabel II la Católica, quien tuvo entre sus artistas favoritos a importantes pintores como Dirk Bouts o Rogier van der Weyden . Junto a sus obras, la reina poseyó también varias tablas de un pintor de identidad todavía desconocida , a quien el historiador Max Friendlànder bautizó en 1900 como Maestro de la Leyenda de la Magdalena . La historiografía todavía no ha acordado una identificación convincente para este pintor activo en Bruselas en el cambio de los siglos XV al XVI . Algunos investigadores apuntan a Pieter van der Weyden , hijo de Bogier y poseedor de uno de los talleres más importantes de la ciudad en su momento . Otros le identifican con Bernard van der Stockt, el sucesor de Roger van der Weyden como pintor oficial de Bruselas . Mientras , una tercera opción aboga por Pieter van Coninxloo, artista al servicio de Felipe II el Hermoso , duque de Borgoña y esposo de Juana I de Castilla.





Lo cierto es que el estilo de este artista está estrechamente vinculado a Rogier van der Weyden , si bien algunos de sus modelos también parece derivar de Robert Campin . Su nombre se debe a las tablas de la Magdalena de caza ( destruída, antes Berlin , Kaiser Friedrich Museum ) y de la Predicación de la Magdalena ( Filadelfia, Museum of Arts ) que en su día formaron parte de un conjunto de seis imágenes sobre la vida de la santa hoy disperso. Su estilo se caracteriza por la preferencia  por rostros anchos, ojos cuyos párpados superiores sobresalen y bocas con labios rojos y marcados. En algunos de sus personajes se han advertido además ciertos rasgos físicos hispanos que han hecho pensar en la posibilidad de un viaje del artista a la corte española, lo que justificaría aún más que entre sus coleccionistas estuviese la reina Isabel .




Entre las obras seguras de su mano se halla esta bellísima Virgen con el Niño, de apretada y cuidadosa factura . Se trata de una tabla circular de pequeño diámetro ,en el cual se recortan ambos personajes gracias a la sabía elección de un fondo negro . Sobre este resalta también los rayos dorados que emanan de las efigies de  María y el Niño . Este viste de rojo en alusión a la futura pasión de Cristo y va tocada con un pañuelo blanco con múltiples pliegues . Por su parte, Jesús está recogido en una sábana y aparece bendiciendo con su mano derecha mientras en la otra sostiene un lirio blanco y morado que simboliza su futura resurrección.




El cuadro parece derivar de un prototipo de Virgen con el Niño de cuerpo entero que pintó Robert Campin ( Fránckfort, Stadél Museum ) Debió de ser una pintura muy celebrada a tenor de las numerosas réplicas que se conservan , presentando varias de ellas un formato circular- una reducción por tanto del original a tres cuartos- tal y como ocurre en la tabla de la Colección Masaveu. Nuestro artista , planteó , seguramente por imposición de sus comitentes, dos modelos distintos : el primero copia con bastante precisión la composición de Campin de Fráncfort y presenta a la Virgen con el Niño alimentándose del seno materno. A esta tipología pertenece, por ejemplo, la Virgen con el Niño del Museo Nacional de Arte de Cataluña. En el segundo arquetipo la Virgen no amamanta a Jesús , sino que este aparece sobre su regazo y porta una flor.




La Virgen con el Niño de la colección Masaveu ha de entenderse dentro de la llamada " devotio modena " movimiento humanista que se desarrolló especialmente en los Países Bajos durante los siglos XIV y XV que propugnaban una relación más individual e interna con la divinidad . Esto trajo consigo la proliferación de toda una serie de obras de pequeño formato como la que nos ocupa. Estas, encargadas fundamentalmente por la pujante burguesía de la época , tuvieron como destino las estancias más privadas de sus viviendas , ya fuesen oratorios o incluso los dormitorios, presidiendo la cabecera del lecho. Ante ellas, en su íntimo recogimiento sus adinerados propietarios orarían y realizarían sus plegarias




Mercedes Tamara

1-02-2014



Bibliografia : Colección Masaveu

viernes, 31 de enero de 2014

TIMOTEO VAN EYCK


TIMOTEO 1332
Timoteo
óleo sobre tabla 34,5 x 19 cm
Londres, National Gallery





En la primera obra formada de Van Eyck junto con el Políptico de Gante , concluido el mismo año. Ante el habitual fondo negro , iluminado desde la izquierda , está representado un hombre vestido con un traje ribeteado de piel; la sencillez del corte, junto con la del tocado, no parece aristocrática . En la mano derecha , de escorzo magistral , el hombre aprieta una hoja ilegible , plegada varias veces sobre si misma .





La función que en obras posteriores se encomendará al marco pintado la desempeña aquí un antepecho, figurado en transpantojo fingiendo la piedra, porosa, desconchada en diversos sitios y atravesada por una grieta. En la parte inferior se lee la firma del artista , acompañada de la fecha en que terminó la obra: 10 de octubre de 1432, en el contorno está " esculpida " una inscripción que significa " leal recuerdo " ; sobre ella es visible otra inscripción en letras griegas que componen el nombre de " Tynortheos " .




Para Panosfsky se trata de Timoteo de Mileto, el músico más grande de la Antigüedad , y el pintor quiso referirse así de manera culta a la profesión del personaje retratado. Propuso además la identificación de éste con Gilles Bïnchois ,célebre músico de la corte de Felipe el Bueno y uno de los promotores de la Arts  Nova renacentista . El recuerdo leal podría entenderse de manera literal, como recuerdo de una persona desaparecida. La elección de la piedra sería acorde con la idea , a modo de lápida sepulcral . La originalidad de la invención , sea cual fuere la interpretación correcta , denota plenamente el genio de Van Eyck , que transmite la imagen de un rostro sólo en apariencia inexpresivo, impresión que contradicen la fuerte mandíbula , la mirada concentrada y la frente ligeramente fruncida

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Mercedes Tamara
31-01-2014



lunes, 27 de enero de 2014

DORDRECHT DESDE EL NORTE AELBERT CUYP

DORDRECHT DESDE EL NORTE 1650
Dodrecht desde el norteóleo sobre lienzo 68,3 x 192,8 cm
Colección particular



Durante el siglo XVII existía una gran sensación de orgullo cívico en la ciudad de Dordrecht , considerada la primera y más antigua establecida en Holanda . Construida en la convergencia de diversos canales navegables , incluidos el Rin, 
el Merwede y el Mosa , la ciudad era un enclave ideal para el comercio maritimo .Albert Cuyp  ( 1620-1691 ) vivió en Dodrecht toda su vida y sus cuadros transmiten el afecto que sentía por una ciudad en la que el artista prosperó y triunfó .


Este gran lienzo plasma Dordrecht desde el noreste en un punto en el que convergen varios canales navegables. Algo característico en Cuyp , las aguas están calmas y en ellas se reflejan embarcaciones y edificios , al tiempo que un tenue brillo recorre la superficie luminosa . Aquella era una zona de mucho tráfico fluvial , aunque Cuyp haya plasmado embarcaciones de todo tipo y tamaños navegando con placidez .

Un detalle interesante es la inclusión en el centro de balsas que se utilizan para transportar madera desde Baviera hasta Dordrecht con el fin de suministrar material a los astilleros. Estas balsas no suelen aparecer en cuadros y parece ser que solo  Adam Willaerts ( 1577-1644 ) lo hizo. La obra de Cuyp irrumpió tardiamente en los mercados internacionales y no adquirió popularidad entre los círculos de coleccionistas hasta finales del siglo XVIII .Sin embargo, una vez fue conocida , su obra influyó en gran medida en el desarrollo del paisajismo , sobre todo en los trabajos de J M W Turner (1775-1851 ) Augustus Vall Callcott ( 1779- 1844 ) 

Mercedes Tamara
27 -01-2014
Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

domingo, 26 de enero de 2014

SIMEÓN EN EL TEMPLO REMBRANDT,

SIMEÓN EN EL TEMPLO 1631
Simeón en el Templo
óleo sobre tabla 60,9 x 47,9 cm
La Haya, Konninkluk van Schderijenm


El cuadro muestra el momento que se narra en el evangelio de San Lucas (2-25-38 ) cuando Simeón el Justo canta las alabanzas a Cristo junto a la profetisa Ana. Siguiendo los preceptos de la ley de Moisés , María debía ser purificada cuarenta días después del nacimiento de su hijo . Para ello de dirigió al Templo, donde fue purificada por la oración de Simeón, un hombre de Jerusalén a quien el Espíritu Santo había revelado que no moriría antes de ver a Jesús . Simeón tomó al Niño en brazos y 
se refirió a él como " luz para alumbrar las naciones y gloria de tu pueblo Israel "(Lucas 2, 32 ) . Este momento significa la presentación de Jesús en la casa de Dios, y por ello se celebra en la iglesia cristiana como la fiesta de la Purificación de la Santísima Virgen o la fiesta de la Presentación del Niño Jesús en el Templo.


El gesto de Simeón arrodillado e iluminado por una luz que entra desde la parte superior izquierda de la escena realza este momento de la iluminación  por Dios que significa la Presentación, como implican las palabras de Simeón citadas más arriba.


El uso de La profetisa Ana , representada de espaldas, " alababa a Dios y hablaba del niño a todos los que esperan la redención  de Jerusalén ( Lucas 2, 38 ) El pintor concede a esta figura un gran protagonismo , al situarlo en un lugar intermedio entre la Sagrada Familia y la luz de Dios . La importancia que para Rembrandt tiene esta figura se  observa también en otras obras " , como el cuadro fechado hacía 1627-28 que pertenece a la Kunsthalle de Hamburgo, o las estampas que representan el mismo asunto de 1631 datadas hacía 1639 .Por su gran tamaño dentro del cuadro, , por estar iluminada y por la atención que dedica a la figura de Jesús , esta figura contrasta con la mayor parte de las personas que pueblan el cuadro , pequeñas y en penumbra , cuyos gestos indican que dudan de la importancia de Cristo.

Los elementos compositivos y de la luz por parte de Rembrandt dotan de intensidad a la escena bíblica es magistral. Las figuras protagonistas se concentran en el centro de un gran espacio interior , la proximidad entre ellas se ve resaltada por el contraste con el espacio vacío que le rodea . La luz y la columna central del Templo concentran aún más la energía del cuadro en ese punto. Los gestos de las figuras son intensos y extrovertidos, como es característico en la  primera parte de la carrera de Rembrandt : Simeón aparece asombrado , la Virgen  complacida, , la figura cuyo rostro se sitúa junto al borde derecho del cuadro duda y teme ante la autoridad que representa el hombre sentado junto a ella. La geometría de las baldosas compite con la sinuosidad de la arquitectura del templo y contribuyen a la tensión y la inestabilidad que son claves en esa escena . Cuando Rembrandt  volvió a tratar el tema al final de su vida, hacía 1669, en uno de los cuadros que dejó inacabados en su estudio ( Estocolmo, National ,museum ) lo hizo de forma radicalmente diferente.  En él las figuras son escasas apenas Simeón y el Niño- pues la mujer que ve en escena es un añadido posterior- que se sitúan tan cerca de nosotros que tememos estorbar su silencia. El ánimo de la escena es quieto, concentrado, intenso.


El cuadro Simeón en el Templo de la Mauritahuis que estamos tratando aquí pertenece a una época de intensa actividad en la carrera de Rembrandt. En los últimos años de la década de 1620 el arte de Rembrandt evolucionó con rapidez, y la frecuencia con que hizo cambios en los cuadros, así como los dibujos quye conocemos demuestran su carácter experimental . Las poses de los cuerpos y los gestos de los rostros, se hacen más expresivos en esos años y buscan profundizar en los estado de ánimo de los personajes , y la luz también gana fuerza expresiva. Cuando se pinta este cuadro en 1631, el pintor ha alcanzado lo que podemos llamar su primera madurez , un momento en que el control de cuestiones como la composición , la luz, el tratamiento de la figura humana y la textura de la superficie pictórica le permiten expresar toda la originalidad de su personalidad artística.


Mercedes Tamara
26 .01.2014

Bibliografía : Rembrandt " Pintor de historias " edic El Viso