sábado, 2 de noviembre de 2013

LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS GENTILE DA FABRIANO

LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS 1423
La Adoración de los Reyes Magos
pintura al temple sobre tabla 101x 382 cm
Galleria, Uffizi, Florencia










Gentile da Fabriano fue uno de los artista italianos más famosos de las primeras décadas del siglo XV . En 1423, Polla Strozi, un acaudalado florentino le encargó que pintara un retablo en que se representara la Adoración de los Magos , para la sacristía de la iglesia de la Santa Trinidad El pintor reflejó el carácter de la estancia donde los oficiantes de la misa se ponían las vestiduras litúrgicas de dos maneras: en primer lugar , en los fastuosos ropajes de las docenas de personajes representados , y entre ellos, naturalmente, los tres reyes de Oriente; en segundo lugar con el tema en si la Adoración, primera ocasión en que el Niño Dios fue presentado al mundo. La escena es una galimatías tan grande que parece que la muchedumbre quiera escapar del tríptico gótico






La vista se desarrolla en una narración continuada . En el arco superior izquierdo,los Magos están en la cima de una montaña desde la cual descubren la misteriosa estrella . Alrededor del pico se encuentra el mar que surcarán para viajar a Tierra Santa . En el arco central , los Reyes de Oriente efectúan su majestuosa entrada en Jerusalén . En el arco derecho se aproximan las murallas de Belén . En  primer plano visitan a la Sagrada Familia , con el Niño sentado en el regazo de sumadre. Gentile crea un movimiento gradual con el primer mago postrándose para besar los pies del niño, el segundo arrodillándose y el tercero aún de pie. Además ,los monarcas expresan su deferencia hacía la majestad de Jesús : el primero se ha despojado de la corona y la ha dejado en el suelo, el segundo se la está sacando mientras se aproxima , y el último y más joven conserva todavía su símbolo de autoridad. La emoción que les embarga se adivina en la figura del sirviente que se agacha para quitarle las espuelas al más joven.




En el séquito real se observa una frenética actividad. Personajes y animales se muestran tanto de frente como de espaldas, con los rostros vueltos a todas partes. Los trajes con brocados , los sombreros caídos y los turbantes y fajínes de pedrería y oro generan fluidez entre una y otra figura. La rica ornamentación y un alarde de detalles dorados convierten este tríptico en uno de los retablos más exquisitos de  su época . La composición está repleta de viñetas cómicas : los palafreneros ( en la zona medio izquierda de la pintura ) hacen chanzas, los animales se persiguen unos a otros y los soldados ( en el paisaje abovedado de arriba a la derecha ) incomodan a un viajero. Abundan asimismo, los animales exóticos, como simios y guepardos.




En los paneles de la predela de abajo Gentile demostró su habilidad con tres tipos de entornos diferentes. Son una de las primeras panorámicas del arte italiano iluminadas con efectos realistas . Hasta entonces, el fondo de los cuadros solía 
pintarse con tonos dorados, tal y como puede apreciarse en el fragmento del cielo representado en el panel principal del retablo . En la predela izquierda , hay una escena nocturna , con la Navidad y la Anunciación a los pastores en segundo término. Las fuentes luminosas están dentro de la propia pintura: el Cristo central que ilumina desde abajo a su madre, cueva y casa y el ángel en segundo término del cual emana una luz. En la predela central, la Sagrada Familia, avanza por una curvada senda de un paisaje montañoso desplegado en horizontal , durante su huída a Egipto. A la derecha, la Presentación en el Templo nos revela el magistral dominio que Gentile tenía de la completa expresión espacial y arquitectónica de su tiempo.




En las cortes europeas del siglo XV , estas suntuosas exhibiciones estaban a la orden del día. En la década de 1930, el historiador de arte Erwin Panofsky acuñó el término international style para referirse a este fenómeno.




Mercedes Tamara

2-11-2013

Bibliografía :1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

viernes, 1 de noviembre de 2013

SIERRA DEL GUADARRAMA MARTIN RICO


SIERRA DEL GUADARRAMA 1869
Sierra del Guadarrama
óleo sobre lienzo 65,4 x 92,1 cm
Netwart ( New Jersey ) Collection of  the Network Museum




En la sierra del Guadarrama , el estrecho contacto con la montaña propició una percepción inmediata de aquella naturaleza que llevó a Rico a una comprensión profunda de la misma , ya vertida en sus primeras obras. La sierra solo estaba habitada por leñadores, arrieros, traficantes y guardas. El trato con ellos fue ocasión de anécdotas narradas con humor por el artista en sus Recuerdos de mi vida y su eco aparece en esta composición. En efecto, las figuras , seguramente de leñadores, tienen aquí un papel más relevante que en otras obras de su primer período, pues entablan una relación entre sí que no existe en otros cuadros y animan , de modo decisivo la escena.




Esta se ilumina por un sol del atardecer , hora previa al crepúsculo. El artista prefería esta luz de la tarde antes que la puesta del sol, cuyos efectos habían sido explotados por los artistas del Romanticismo, con su maestro Genaro Pérez Villamil,  que buscaban efectos de espectacularidad . Con pocas excepciones ,  Rico evitó en sus pinturas las puestas de sol hasta el final de su vida, período en que las abordó ya bajo una óptica vinculada con la experiencia impresionista. La observación del natural permitió al artista la captación de los efectos de la luz de la tarde, que colorea levemente la sierra al fondo y destaca , con tonos ligeramente rojizos los troncos y las ramas de los pinos situados en primer término. Las sombras arrojadas en la parte inferior por otros árboles denotan también una percepción directa del natural, novedosa en el paisaje español de su tiempo . Muestra de esa finura perceptiva es el hecho de que las irregularidades del terreno acentúan, en las sombras, la deformación de las ramas que las producen. Esto, su disposición oblicua, su alternancia con las zonas de luz y su gran desarrollo en la franja inferior de la pintura, otorgan dinamismo a una composición que, ordenada en franjas superpuestas, hubiera resultado demasiado estática. La presencia destacada de las copas de los árboles , agitadas por el viento , y de sus ramas, combadas por el paso de la nieve invernal, hace más intenso el movimiento de la escena . Su deformación añade un efecto expresivo que el artista había estudiado en sus acuarelas y que se desarrolla aquí con un sentido más realista. Como en Un paisaje en el Guadarrama el cielo, animado por nubes entre claros, crea una profundidad desde los tonos tenues del horizonte de la sierra, en creciente intensidad hasta la parte superior azul , vivo, de modo que el paisaje entero revela una gran riqueza de matices.







Mercedes Tamara
1-11-2013

Bibliografía ; El paisajista Martín Rico Edit Javier Barón, Museo Nacional del Prado                            Madrid

jueves, 31 de octubre de 2013

RETABLO DE SAN ZENÓN MANTEGNA


RETABLO DE SAN ZENÓN 1456-1459
Retablo de San Zenón
temple sobre tabla 213 x 134 cm
Verona, San Zenón




Antes de trasladarse a Mantua en la primavera de 1460 , Mantegna realizó el importante retablo para el altar mayor de la iglesia San Zenón de Verona, que le había pedido el prtotonotario Gregorio Correr Era un fino humanista , autor de tragedias y poemas inspirados en Séneca y Ovidio y es probable que fuera el quien presentara al artista, el marqués de Mantua.



El retablo fue ejecutado entre 1456 y 1459 para que quedara mejor para el altar de la iglesia, el propio artista se había ocupado , según parece, de reordenar el prebisterio y de abrir una ventana a la derecha , a fin de subrayar con una fuente de luz natural el artificio lumínico adoptado en la pintura . Si hasta la luz real había de cooperar a la adecuada contemplación de la obra, se entiende bien la importancia que sin duda tenía también el marco. Las cuatro semicolumnas dividen sólo aparentemente la tabla, entendidas como elementos de uno de los lados de una galería cuadrada abierta en los otros tres, en cuyo interior tiene lugar la representación sacra. Sobre el sarcófago , en el trono, la Virgen ofrece a su Hijo, de pie, flanqueada por santos estatuarios , muchos de los cuales están leyendo. Mantegna, según los documentos llevó personalmente el retablo a Verona a finales de julio de 1459. Recibió por él 40 ducados.




Fue Kristeller el primero en establecer la semejanza de la obra con los polípticos de Vivarini, por lo que atañe a la organización general del tríptico formado por las tres tablas mayores: las dos laterales con los santos y la central con la Virgen. La crítica posterior ha insistido en la relación con la estructura ideada por Donatello para el altar de San Antonio de Padua. El retablo de San Zenón permaneció integro hasta 1797, año en que fue trasladado a Francia con el botín napoleónico . En 1815 fue devuelto sólo el tríptico mayor . La predela , por el contrario, se desmembró entre París y Tours y en el marco original fue sustituida por copias




Mercedes Tamara
31-10-2013

lunes, 28 de octubre de 2013

ADORACIÓN DE LA TRINIDAD ALBERTO DURERO

ADORACIÓN DE LA TRINIDAD 1511
Adoración de la Trinidad
óleo sobre tabla 111x 123 cm
Museo de Historia de Arte , Viena












En el centro de esta magnífica obra del período avanzado de Durero apreciamos a la Trinidad , el concepto teológico central del cristianismo . Tal y como era tradicional en el arte sacro, Durero plasma la idea de un dios tripartito con tres formas separadas: Dios Padre ( la autoridad divina ) el crucificado Cristo ( Dios hecho hombre ) y la paloma ( el Espíritu Santo ) complejas ideas teológicas convertidas enfáticamente en físicas, humanas y reales en esta obra. Rodeada de azul , la tangibilidad divina no se traduce en la pose del Padre, sentado sobre un arco iris, con los pies apoyados en otro. De sus extendidos brazos pende el cuerpo crucificado de Cristo. Los ángeles sostienen un verde palio de honor, bordado con hilo de oro. En lo alto , de los cielos desciende una paloma . El grupo personifica el concepto clave de la divinidad a la vez que exhibe la maestría pictórica de Durero y su dominio de las técnicas renacentistas.




Alrededor de la Trinidad se encuentra la corte celestial entera, distribuida cuidadosa y jerárquicamente para representar todo el pensamiento de la cristiandad. El mundo terrenal aparece abajo del todo , con una vista panorámica de campos, colinas y una próspera ciudad.Aunque sólo se divisa la figura de Durero a la derecha , el paisaje muestra señales de actividad humana,en las construcciones, los campos labrados y los barcos mercantes. Flotando encima, en el siguiente grado de santidad , están el clero ( monjas y frailes a la izquierda ) y, más a la derecha la realeza.




En el siguiente nivel están los santos y los personajes bíblicos . A la izquierda hay un grupo de mártires que representan la edad de la Gracia o de la encarnación divina en Cristo .Los mártires escogidos probablemente subrayan el valor del sacrificio como virtud cristiana fundamental . Ellas sostienen ramas de palmera,delante vemos a la Virgen Maria ataviada de azul. Santa Catalina de Alejandría, con su potro de tortura, acompañada de Santa Cristina que sostiene una rueda de molino, están situadas inmediatamente detrás de la Virgen . En el margen, vemos a una coronada santa Bárbara alzando un cáliz ( en vez de la acostumbrada  torre, su símbolo ) y más hacía el centro, a una sonriente Santa Inés y su corderillo. Los distintos objetos y el animal apuntan la identidad de los personajes , pues se refieren a los modos en que fueron torturados o a sus poderes especiales.




A la derecha vemos a San Juan Bautista encabezando un grupo mayormente formado por santos varones, profetas y personajes del Antiguo Testamento . Son figuras asociadas con los tiempos de la Ley hebrea: San Juan representa la transición entre el Viejo y el Nuevo Testamento, al reconocer primero la divinidad de Jesús . Un David con una elaborada corona toca a su arpa ( una referencia a sus  Salmos ) con un solemne Moisés a su espalda, sosteniendo las tablas de los Mandamientos. La parte superior está ocupada por ángeles y serafínes, los seres más cercanos a Dios. Con graciosa sonrisa, exhiben los instrumentos de la Pasión  la columna, la lanza, la esponja, los clavos y el látigo )




En un principio, el cuadro adornó el altar mayor de la " Casa de los doce hermanos de Nuremberg, un asilo de ancianos indigentes. Estaba rodeado por un marco ricamente labrado con escenas del Juicio. Puede imaginarse que para estos observadores, el mensaje sobre el sacrificio, muerte , juicio y redención tendría un potente efecto para hacer más evidente la conexión entre este mundo terrenal y el espiritual. Durero se pintó a si mismo en la base del cuadro, con un gesto que apunta al paraíso que aguarda a los fieles merecedores de ello.

Mercedes Tamara
28 -10-2013

Bibliografía : Durero , "Biblioteca el Mundo "